La capacidad de readaptación del artista al mercado actual

En lo que va de siglo, en los últimos veinte años, las galerías de arte se han visto afectadas, más que nunca, por los cambios que se han generado en el mercado del arte y por la dinámica que define al coleccionismo actual.

La forma de acceder al arte ha cambiado drásticamente,  perdiendo protagonismo la comercialización y promoción desde un plano físico (galerias o ferias) y adquiriendo cada día mayor relevancia el ámbito digital (internet).

Un mercado más competitivo


En la actualidad, el mercado es más competitivo por la facilidad que tienen los nuevos artistas de obtener visibilidad online en un espacio global.

No existen limitaciones de difusión y permite una mejor autogestión, no reducida al espacio físico de una galería o centro de arte.

Más que en ningun otro momento, la capacidad que tenga la galería en sus actividades de gestión y apertura a nuevas formas de representación será la clave para su supervivencia.

No sólo se trata de mantener al tipo de coleccionismo tradicional, sino también de atraer a nuevos públicos e incentivarlo con propuestas acordes a la actualidad.

Es conveniente hacer una acertada planificación de negocio, ajustar los precios a la realidad del nuevo mercado y un replanteamiento de la oferta con propuestas artísticas que reflejen la nueva era.

Acceder a la oferta artística que existe hoy en día es más amplia y variada que nunca, teniendo en cuenta la difusión que existe a través de múltiples plataformas especializadas, redes sociales o webs de artistas.

Ahora bien, al no existir una selección previa de calidad, es un campo abonado para la confusión, porque quien publica online no pasa un filtro previo de calidad, como ha ocurrido siempre con las galerías fisicas que centran su selección de artistas en función de un estilo, prestigio del autor o rentabilidad.


La galería como garantía de mercado


Para el coleccionista la galería representa una garantía de mercado y una fuente de información y asesoramiento fiable, porque la adquisición de una obra de arte entraña mucho más que un fin decorativo.

Además, de transmitir emociones, el arte nos hace reflexionar sobre la vida en general, expresándose en un lenguaje universal que conecta directamente con nuestros sentidos y capacidad intelectual.

En lo que se refiere a los artistas, manifiestan que el mercado actual está paralizado, las instituciones no apoyan financieramente como lo hacían años atrás y el coleccionista que compraba habitualmente en la década de los ochenta se ha desencantado o se ha ido del mercado por imperativos de la edad, mientras no ha surguido una nueva generación que lo sustituya.

Desde la perspectiva del público en general, existen hoy en día prioridades y preferencias que relegan a la compra de arte a un lugar secundario, mientras no exista una base sólida en la educación en la que se fomente que el arte es algo que beneficia a la sociedad en general y nos mejora como seres humanos.

Las administraciones públicas, tanto a nivel nacional, regional o local, tienen que activar subvenciones y ayudas para que el acto creativo en general pueda fomentarse con libertad y que su práctica sea remunerada, igual que se garantice la socialización de la cultura y el acceso de las minorías a ella


El artista no vende


Asimilando todos los factores negativos que pueden intervenir en la situación actual del mercado del arte, el artista emergente o, simplemente, que no está en primera línea, no vende y no encuentra una salida recurrente para la difusión y comercialización de su obra.

Las galerías de arte están saturadas de recibir portfolios y ofertas de nuevos artistas que les llegan de forma presencial u online, diluyéndose las posibilidades de que se fijen en tus trabajos.

La difusión del arte a través de internet es inmediata, pero significa para el artista una dedicación constante y si se obtienen resultados no suelen ser rápidos, sino a medio y largo plazo.


¿Como subsistira la actividad artística?


Entonces, si los artistas no venden ¿se acaba la actividad artística?.

Quiero pensar que no, porque el artista vocacional por poco que pueda siempre seguirá adelante con su talento, sin miedo y con ganas de perseverar y afianzarse en la aventura del arte, aunque dependa de un trabajo y unos ingresos exiguos y fluctuantes.

A su favor, tiene su juventud y la osadía de atreverse a afrontar situaciones difíciles con valentía y entereza.

Porque, si no encuentra salida a su obra, se construye él mismo el entorno donde darle visibilidad a través de coworkings, espacios digitales o espacios colectivos de exhibición que se subvencionan buscando micromecenazgos o con recursos propios.

Hay que poner atención al surgimiento de estos espacios jóvenes, porque son el germen de nuevos consumidores de arte, que buscan valores y manifestaciones artisticas propias de su época.

Estas propuestas del arte emergente atraen a un publico nuevo y, tal vez, menos experto, pero que se siente motivado por la originalidad de la oferta y por precios accesibles para su economía.

 

CAMBIOS FAVORABLES DEL MERCADO

A continuación, se te facilian algunos datos recogidos en un estudio que analiza los cambios producidos en el mercado durante los últimos veinte años  y que ha ido en aumento, aunque la salud de este mercado depende de la comercialización de la obra de unos 100 artistas.

En materia de ferias, en el año 2000 se registraban 60 ferias de arte. Actualmente se consignan unas 600. De estas algunas galerías y coleccionistas asisten entre 10 y 20 eventos por año.

Con referencia a las ventas, en 2019 se consignaron 550.000 lotes vendidos en subastas que generaron un total de 13,3 mil millones de dólares (incluyendo todos los períodos creativos combinados).

Con relación al arte Contemporáneo, en 2000 esta escuela consignó 100 millones de dólares de ventas, mientras que en estos 20 años se calcula que gracias al mayor volumen y aumento de precios alcanza a una facturación de casi 2.000 millones de dólares. Uno de los cambios significativos es que la estructura de esta parte del mercado registraba en 2000 la participación de unos 5.400 artistas con una oferta de 12.000 obras, mientras que actualmente se registran unos 32.000 que presentan en el mercado unos 123.000 lotes (6 veces más artistas y 10 veces más de lotes).

Durante este período el precio promedio de una obra de arte contemporánea se ha triplicado pasando de 7.430 a 25.040, superando a todos los demás períodos creativos.

La participación de China que conjuntamente con Estados Unidos generan el 68% de la facturación en subastas. Es actualmenter el tercer mercado para la venta de arte contemporáneo detrás de Nueva York y Londres.

Un dato a tener en cuenta es que el gran volumen del mercado contemporáneo es generado por unos 100 artistas. Es decir que la salud del mercado depende del 0,3% de la facturación de esos artistas. Basquiat, Koons, Hirst y Wool generaron 4,4 mil millones de dólares, un 20% de lo recaudado por el mercado global contemporáneo.


– Fuente: trastiendaplus.com

Revulsivo social de la crisisis


En el plano individual ¿como debe ser la conducta de un artista novel en la actualidad?.

Teniendo en cuenta el revulsivo social que provocan las grandes crisis o pandemias como la actual, el arte no es ajeno a los cambios, porque es, precisamente, en estas situaciones cuando surgen nuevas propuestas artísticas y tendencias ideológicas.

En este clima de readaptación el discurso creativo del artista debe ser vigoroso y consistente, que le permita crear un universo propio y diferenciador.

Así, creando una obra de interés y genuina, establecerá los canales apropiados para su divulgación con el fin de conseguir que los diversos intermediarios del mercado conozcan y se interesen por su trabajo artístico.

¿Cómo conseguirlo?

Dejándose ver físicamente, participando activamente en el circuito artistico-cultural, conociendo las nuevas propuestas del arte (por ejemplo, los NFT/non-fungible token), colaborando en iniciativas colectivas y manteniendo su proyecto actualizado y fácil de encontrar en la red, como puede ser un blog o website propios o en plataformas especializadas de arte.

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2 Comentarios

  1. Galería de Arte Artepremium

    Buen análisis, sin embargo al menos en Chile hay varios artistas que venden directamente sus obras teniendo como vitrina a Instagram, de esta forma las galerías van perdiendo la posibilidad de poder vender para los artistas que en estricto rigor deberían estar 100% concentrados en su proceso creativo, sin embargo si ellos venden directo al interesado el precio puede ser menor inclusive que el que correspondería a una galería. En definitiva, un artista bien autogestionado no necesita de las galerías, al menos para ventas.

    Responder
    • Ramón Objetivoarte

      Hoy en día el artista tiene más oportunidades que nunca para mostrar su obra.
      Ahora bien, gestionar la comercialización es, practicamente, otro oficio que hay que aprender paralelo al de crear.
      La autogestión requiere conocer la estructura del mercado de arte, detectar los cambios que se están produciendo, familiarizarse con las nuevas tecnologías y seguir un plan preestablecido para tener visibilidad online, fidelizar a los posibles compradores que muestren interés y fomentar la venta.
      En frío y a primera vista no es fácil que se venda a través de internet.
      Requiere todo un proceso.
      Saludos cordiales.

      Responder

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