LA CREATIVIDAD A DEBATE

La creatividad a debate

“La Creatividad es un proceso que se desarrolla en el tiempo y que se caracteriza por la originalidad, el espíritu de adaptación y el cuidado de la realización concreta. Este proceso puede ser breve, como una improvisación musical o muy largo como los años que precisó Darwin para crear su teoría de la evolución. La verdadera creatividad consiste en un proceso que cumple al menos tres condiciones:

1) Implica una idea o respuesta nueva o estadísticamente muy infrecuente.

2) La idea debe adaptarse a la realidad: solucionar un problema o alcanzar una meta.

3) Es preciso que esta idea sea evaluada y desarrollada hasta su aplicación final.”

MacKinnon (1960).

Y hasta aquí la definición.

Hace un par de años propuse una mesa con el tema: LA CREATIVIDAD A DEBATE.

Difícil y complicado tema a debatir.

Debe ser por eso que ni los ponentes ni los asistentes a esta mesa redonda supieron entrar en el tema y se alejaron a las antípodas del mismo.

Saliendo a relucir heridas de muchos años por parte de los artistas, algunas de ellas muy hirientes hacia quien se había presentado como ponente a un tema en el que no estaba precisamente preparada para debatir, al igual que el resto de los ponentes.

Y es que este tema por desgracia no ha entrado en apenas debates, o al menos yo no los he encontrado.

Ahora cabe preguntarse, en el arte actual y en concreto en el realismo o la propia figuración, estilo pictórico que practico y que desde hace muchos años vengo defendiendo

¿Qué hay de sorprendente, novedoso e inesperado?.

¿Qué artistas o cuantos artistas tienen la capacidad de crear cosas nuevas y generar originalidad?

Vemos como los artistas que tienen un bagaje en este mundillo no evolucionan en absoluto en sus creaciones.

Las temáticas son las mismas de hace décadas, los colores empleados siguen siendo los mismos y pasan los años sin que se observe una evolución.

A sus alumnos no les inculcan la creatividad y éstos siguen el estilo del maestro sin mas.

DEFINICIONES DE LA CREATIVIDAD


Entre las principales ideas comunes encontradas sobre las definiciones de la creatividad se puede destacar:

 

    • Lo creativo se asocia a lo sorprendente, novedoso e inesperado que se deriva de ciertas actividades individuales o grupales.

    • Representa el acto de inventar cualquier cosa nueva (o con algo de novedad) y una cierta voluntad de modificar o transformar la realidad.

    • Guarda relación con la capacidad de las personas para generar formas no habituales de hacer cosas, de resolver problemas o de abordar situaciones.

  • Se la vincula con la capacidad de proponer ideas, procedimientos y finalidades nuevas para optimizar los recursos disponibles.

El siglo XXI no ha entrado en algunos artistas


Así y como vengo insistiendo hasta la saciedad, los artistas entraron en el siglo XXI, el siglo XXI no entró en ellos.

Hay artistas con una técnica excepcional pero sus obras son del siglo XIX.

Y no se dan cuenta que ese tipo de obras ya solo valen para los museos.

Un referente para el realismo español es Antonio López.

¿Alguien puede afirmar que la creatividad de don Antonio ha evolucionado, que es mas novedosa, que impresiona más ahora?.

Yo estoy convencido de que no.

Antonio López tiene toda su obra vendida, su fama le precede y no ha sabido evolucionar en la creatividad y en la originalidad.

En su época fue un transgresor, con aquellas obras de unos lavabos mugrientos y cadáveres, pero ahí se quedó.

Vemos como en su última obra vuelve a estar presente la omnipresente Gran Vía madrileña.

¿La edad del artista es sinónimo de creatividad/innovación o de conservadurismo?

Pues tampoco es una regla de tres que se cumpla.

Hay artistas jóvenes en edad cuyas obras parecen realizadas por artistas con mas de 100 años y hay artistas con cierta edad cuyas obras parecen haber sido realizadas por artistas muy jóvenes.


La elección entre temática comercial o social


Otra cosa que observo es como apenas hay artistas que se atrevan a entrar en temas sociales y de actualidad.

En una de las últimas ediciones del salón de primavera de pintura realista que organiza Avatarte, de los 50 participantes solo uno (José Carretero Arribas) presentó una obra con un gran contenido social, como es el penoso estado de la migración de cientos de miles de seres humanos.

¿Esto significa que priman los temas comerciales?.

Pues yo afirmo que sí, que efectivamente priman temas mas vendibles y que los artistas no atienden a lo que deberían, aunque esto es harina de otro costal.

Creo que en estos momentos los únicos artistas que han evolucionado en su creatividad son los grafiteros.

Su creatividad está ahí, a la vista de todos y palpable cada día.

Porque no solo utilizan el spray para sus maravillosas obras sino que también reciclan materiales de vertederos.

Y cuando hablamos de creatividad no solo hay que referirse a los propios artistas.

En este debate hay que meter también a otros actores del mundo del arte como son las propias galerías.


Las galerías no han evolucionado


Si pienso que los artistas han evolucionado muy poco en su creatividad, menos lo han hecho las galerías.

Tanto las que todavía perviven, como las que se abren en los últimos años, les ha pasado lo mismo que a los artistas, han entrado en el siglo XXI, pero el siglo XXI no ha entrado en ellos.

Su modelo no ha evolucionado en absoluto.

No han sabido ver el poder de internet.

No entienden que en los tiempos actuales se triunfa con el marketing y que es la imagen la que llega al gran público.

No han visto que hoy se funciona con los medios audiovisuales  y herramientas como YouTube no las manejan.

En las redes sociales apenas tienen presencia.

Sus páginas web son casi tercermundistas y sin contenido que motive al espectador a quedarse.

No han sabido hacer que sus establecimientos tengan visitas físicas diarias y que el público que pasa por la puerta siga con el miedo a entrar.

No saben ver los artistas que en realidad hay que promocionar.

Los que aportan creatividad y calidad, limitándose mes a mes a hacer exposiciones colectivas con un verdadero batiburrillo de obras y de calidades dispares.

Solo les motiva el que paguen el alquiler que imponen a los artistas participantes y que con ese dinero puedan sobrevivir.


¿Dónde está la creatividad de las galerías?


¿Dónde está la creatividad de las galerías?

En Estados Unidos si la hay, porque llevan ya tiempo completando las exposiciones de las obras en venta con otros complementos como son gastronomía, música, tertulias,… convirtiéndose en centros de arte y no en vulgares supermercados de “obras de arte”, como pasa en España.

Hay otros agentes culturales (personas físicas) que también se dedican a realizar exposiciones, pero donde tampoco encuentras la creatividad, donde les pasa lo mismo que a las galerías.

El que paga su canon participa, sin que haya una selección.

Y donde ves que esas exposiciones vuelven a ser un batiburrillo de obras, unas encima de otras, sin tener en cuenta nada de nada y donde solo vale el cobrar del artista para hacerse con un dinero fácil.

No les dan ningún otro tipo de actividad complementaria, seguramente porque no les interesa el amor al arte y tampoco tienen interés por hacer algo distinto y creativo.

Pensar no cuesta dinero y de momento no tributa, pero estrujarse el cerebro para dotar a estos eventos de creatividad y de innovación si que cuesta.


La realidad de los centros culturales


Los Centros Culturales son otros espacios de arte que tampoco han evolucionado y que tampoco demuestran creatividad.

Se limitan a conceder la sala a quien la pide, sin selección alguna y además que el artista agraciado se lo haga él todo.

Los directores de estos centros no son personas preparadas, sino que son meros funcionarios que hacen lo que todos hacen y su único interés es que al menos los artistas les molestemos lo menos posible.

Estos centros culturales son los que deberían proponer y hasta exigir a los artistas expositores que además de colgar sus obras propusieran actividades complementarias y que los Centros les ayudasen a llevarlas a cabo, con personal cualificado.

No solo debería de haber una inauguración donde acuden amigos y familia y ahí se queda todo hasta que hay que descolgar.

Cada exposición debería de contar con actividades distintas, que hagan llegar el arte a muchas personas y que las hagan involucrarse en esas exposiciones de forma activa.

Las asociaciones de artistas, es otro de los actores concernidos.

¿Dónde está su creatividad? ¿dónde está su imaginación, su modernidad?.

Se limitan a conseguir hacer exposiciones para sus socios y poquito mas.

Su modelo tampoco ha evolucionado.

No han creado nada nuevo.

Ni tan siquiera se han enterado de las posibilidades que confiere hoy en día los medios informáticos y el propio internet.

Estas son mis conclusiones sobre la situación de la creatividad, en la que me podría alargar aún mas.


Avanzar y no estancarse


No quiere decir que esté en posesión de la verdad absoluta.

Al menos, intento cambiar día a día los estándares que tenemos creados.

Lo que ocurre es que el inmovilismo y el conservadurismo está tan enquistado que resulta imposible moverlos ni un centímetro.

En cuanto a mi obra intento que sea moderna, distinta, colorista….

La intento adornar con vídeos.

Un blog con las publicaciones de mis obras que van acompañadas de un texto un tanto poético.

Pienso que hay que avanzar, no estancarse en el tiempo, romper con la edad cada uno tiene y buscar la modernidad. Investigar y probar el aplicar en la realización de las obras otros elementos que resultan muy válidos a la hora de “pintar”.

Se debería llevar a la calle nuestras obras.

Que sean los transeúntes quienes las puedan contemplar y así hacer una protesta por el maltrato de las Instituciones.

Porque no nos olvidemos que los gobernantes hacen con nosotros, lo que nosotros les dejamos que nos hagan.

Intento inculcar a los artistas el carácter de rebelión y de hacerles ver que el inmovilismo no nos conduce a nada positivo.

Y de que de alguna manera tenemos que ser transgresores con la situación actual.

El conformismo, el conservadurismo no nos va a quitar las telarañas.

Hay que ser creativos y romper con los moldes establecidos.

El problema es que siempre se choca ante el mismo muro, los artistas en general son egoístas, egocentristas e individualistas.

Acerca de José María Madrid, autor de este artículo:

jose maria madridJosé María Madrid. (1957. Madrid) Pintor realista en contínua búsqueda de nuevas posibilidades pictóricas y artista inquieto que expresa sus planteamientos sobre arte a través de su blog personal, lidia por cambiar los standares establecidos.
Poco aficionado a los currículos y mitificaciones, manifiesta que ”lo único que importa es la obra, lo demás es maquillaje”.
Crítico con la estructura comercial que existe, está convencido de que hay “que ser transgresor con la situación actual, porque el inmovilismo y el conformismo de los artistas frena una renovación imprescindible en la gestión del mercado”.

http://www.josemadrid.com

Foto de la cabecera de Arek Socha de PixabayDescarga este artículo en PDF

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3 Comentarios

  1. Juan Rodriguez

    El ser creativo, transgresor, innovador, ecologista, investigador y marketero , No te hacen artista, el arte conceptual es el nombre rebuscado para un estilo en el que todos aquellos incapaces y algunos pocos capaces puedan cobijar sus distopias, Algunos pensaran que es una evolución natural, pero al observar en todas las áreas del arte, confirmamos que esto esta digitado.

    Responder
  2. Pedro Pozzo

    No puedo estar más de acuerdo con José Mª Madrid. Creo haber expuesto en una colectiva con él, pero no podría asegurarlo.

    El arte hace ya mucho tiempo dejo de ser una copia. Para la espontaneidad y la creatividad hace falta mucho talento y tiempo y no se paga. Hoy no tiene sentido ser creativo salvo que logres vender. En España el mercado es minúsculo, cuando se vende es por precios infimos, casi da igual la calidad, vale el nombre, no la obra.

    Si hace falta ingenio hoy en día en los artistas, más aún en los galerístas. Tienen una formación extraordinaria, han sido pintores que no han podido vivir de su obra y han encontrado esa salida con los 200-300 € de cada participante por sus relaciones de años.

    A nivel oficial prima también el nombre, pues así la promoción esta hecha y en los colegios a los niños se les capa creativamente, pues en la asignatura de “plástica” donde ellos mejor podrían expresarse se le quita horas.

    Que queremos?

    Atentamente

    Pedro Pozzo

    Responder
  3. Daniela Laberne

    Muy interesante esta reflexión y estoy muy de acuerdo con lo aqui expuesto. Es un tema que da mucho para hablar. Soy Diseñadora gráfica y Artista Plástico y cada día lo encuentro más difícil.
    Sin embargo no hay apoyo verdadero al artista por parte de galerías y Centros Culturales. Como usted bien lo plantea cada exhibición se ha convertido en sacarle dinero a los artistas como fin. No hay curaduría, cuelgan cualquier cosa por ganar dinero.
    Yo soy colorista, comencé hace muchos años partiendo del realismo. He innovado con materiales y colores, he ido explorando y eso a veces parece molestar al gran expectro de expectadores.
    Pero también creo que aqui faltó hablar de esta ultima tendencia de “arte conceptual” donde llenar una sala con plátanos o poner un grifo comprado en una ferretería la pared ahora lo llaman arte.
    Si bien yo trabajo arte abstracto mis obras tienen un contenido. Pero el sistema de va obligando, porque los artistas pretendemos vivir del arte. Y tristemente vemos que aquellos que copian a otros, que repiten su fórmula una y otra vez son los que terminan vendiendo, muchas veces sin ni si quiera estándares de calidad. Muchos otros aprovechan imagenes que pertenecen a la identidad propia de los países y la explotan una y otra vez incluso sin pensar que la imagen original no les pertenece. Este es un tema que da para un gran debate. Yo he tenido la oportunidad de vivir en varios países y cada postura propia de cada país frente al arte tambien va influenciando qué hace el artista. No es un tema fácil pero sin duda llama a la reflexión personal y debería llamar a la reflexión social y cultural tambien. Sin duda el siglo XXI dejará un vacío en la historia del arte.

    Responder

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