ABREVIARTE

Si el arte sirve para algo, ya no lo es
Hubertus von Amelunxen

Hubertus von Amelunxen

«Nunca como hoy tantos humanos visitaron tantos museos, pero tampoco nunca antes se les ha dedicado menos tiempo y reflexión a las obras en ellos exhibidas.

Acercar a los grandes artistas a la mayoría de las personas es un buen principio, pero, advierte Amelunxen, quedará en paseo banal –ocho segundos por cuadro es la media actual avisan los museólogos– si al darlo nos preocupa más fotografiarnos con la obra que entenderla. Mejor quedarse en la piscina que salir de un museo como si no hubieras entrado nunca en él.

Es decir, habiendo perdido el tiempo y llenado las estadísticas. Porque si una obra de arte no cambia algo en ti, es que o no era arte o no has sabido verla.»

Hubertus von Amelunxen, crítico de arte y presidente la European Graduate Schools

(Entrevista)

La figura del mecenas es ya historia

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Yuri Zatarain, artista plástico mexicano, demostró que la clave para entrar y ganar en el mundo de los negocios es saber vender, sin importar el giro en el que te desenvuelves.

Según publica entrepreneur.com :“hizo del arte un negocio sin perder la esencia de su obra. El pintor y escultor emplea a más de 140 personas, vende más de 400 cuadros originales por año y 1,500 piezas de arte-objeto a la semana. El secreto: crecer sin perder el equilibrio entre la exclusividad y la producción en serie. “

Si como artista juegas bien tus cartas de empresario y arropado por la calidad de tu obra, llegarás a tocar el éxito antes de lo que esperabas.

La figura del mecenas es cosa del pasado y no puedes esperar a que llame a tu puerta interesado por tu obra.

(Leer artículo: Claves para potenciar tu marca personal y dejar huella

Galerías de arte: Selección y búsqueda de los artistas

Una galería no existiría si no fuera porque hay un artista que produce la obra.

El objeto de intercambio y la base sobre la que se sustenta este mercado es la obra de arte.

Una galería de arte se abre para realizar un proyecto junto a unos artistas, con la intención de ayudarles en su trayectoria y desarrollarse junto a ellos.

La elección que se haga, dependerá del criterio personal.        

Unas veces se tiene clara la línea a seguir y, en cambio otras, es más ecléctica y el elenco de artistas más amplio.

Cuanto más definida esté la línea, más fácil será orientar el trabajo.

Normalmente la selección de los artistas la hace el galerista o director de la galería.

Los galeristas jóvenes suelen ser más comprometidos con los artistas y el componente curatorial en la programación será más arraigado.

 Pero, también es habitual que la galería cuente con un asesor artístico, sobre todo en los inicios.

El asesor puede ser un comisario o crítico de arte, incluso un artista.

Su función puede ir desde, simplemente ofrecer consejo al galerista sobre determinados artistas, hasta la realización de la programación completa.

El trabajo en una galería de arte es muy arduo y sin una gran rentabilidad económica, por lo que si uno se dedica a este negocio es porque tiene vocación.

Descubrir artistas y trabajar con ellos, participando en todo el proceso de creación y producción de las obras, es la parte mágica de este negocio cultural.

(La gestión de las galerías de arte)
Tener iniciativa en tiempos difíciles

Con la crisis se agravó el mercado del arte cerrando a nivel nacional muchas galerías por la caída de las ventas.

Al disponer de menos espacios donde mostrar su arte y disminuir el público interesado en la adquisición de obras, el artista ha visto reducido su campo de acción.

Lo último que debe hacer es encerrarse en el estudio esperando que vengan mejores tiempos, porque esta actitud conservadora puede decidir su permanencia como artista.

En una sociedad sometida a cambios continuos y en poco espacio de tiempo como ocurre actualmente, el artista tiene que adaptarse y tener iniciativas paralelas al mercado oficial para seguir viviendo profesionalmente de su arte.

Esta semana hemos recibido en Objetivo Arte dos casos que pueden ser ejemplo de como comercializar directamente desde el estudio-taller.

Desde Marbella (España), nos llega la propuesta del taller de Ricardo Alario que a través del correo electrónico hace la siguiente oferta: “Por esa razón les propongo que sean ustedes quienes pongan precio a los cuadros que les gusten, en este caso partiendo de un precio mínimo, prácticamente a precio de costo.

El precio de una obra, que usted ha considerado justo, de acuerdo con sus posibilidades económicas o por los méritos de la misma, puede verse superado por una oferta superior de otra persona con los mismos gustos que Ud. No debe preocuparse, por ser usted el primero en ofertar solo tendría que igualar la oferta y si quiere asegurarse aún más, puede aumentar la última oferta y el cuadro será suyo cuando llegue el día fijado para la recogida de las obras vendidas.”

taller@ricardoalario.com    –    http://www.ricardoalario.com/


 

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Por otra parte, desde Oaxaca (México), recibimos la iniciativa de la pintora Rosalba González Gallo que con motivo de estas fechas de Navidad pone su producción al 50% de su precio original, ofreciendo facilidades de pago y envio gratis a cualquier país.

rgalo66@hotmail.com    –     https://www.facebook.com/rosalbaggallo

Tal vez, puedan parecer situaciones un poco extremas, pero cada caso es distinto y , según las circunstancias, se debe actuar.

Son dos ejemplos de comercialización imaginativa  de dos artista con amplio recorrido profesional y que, en un momento determinado, deciden tomar la iniciativa con estas ofertas.

¿Qué son el copyright, copyleft y licencias CC?

¿QUÉ ES EL COPYRIGHT?
El símbolo del Copyright © informa al público que una obra es original y que su uso, reproducción, transformación, publicación…está sujeta a derechos de autor.

¿QUÉ ES EL COPYLEFT?
Es un movimiento social y cultural que, frente al lema tradicional del Copyright de ‘todos los derechos reservados’, propone la opción de compartir y reutilizar las obras impulsando el uso de licencias libres, con las que el autor se puede reservar ‘algunos derechos’.

TIPOS DE LICENCIA CC
Combinando las condiciones se pueden generar 6 licencias Creative Commons diferentes:

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Reconocimiento (by): Se permite cualquier explotación de la obra, incluyendo una finalidad comercial, así como la creación de obras derivadas cuya distribución está permitida sin ninguna restricción.

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 Reconocimiento – NoComercial (by-nc): permite la generación de obras derivadas siempre que no se haga un uso comercial. Tampoco permite utilizar la obra original con finalidades comerciales.

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Reconocimiento – NoComercial – CompartirIgual (by-nc-sa): 
No permite un uso comercial de la obra original ni de las posibles obras derivadas. La distribución de la obra derivada se debe hacer con una licencia igual a la que regula la obra original.

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Reconocimiento – NoComercial – SinObraDerivada (by-nc-nd): 
No permite un uso comercial de la obra original ni generar obras derivadas.

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Reconocimiento – CompartirIgual (by-sa):
 Se permite el uso comercial de la obra y de las posibles obras derivadas, cuya distribución se debe hacer con una licencia igual a la que regula la obra.

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Reconocimiento – SinObraDerivada (by-nd): Se permite el uso comercial de la obra, pero no se permite generar obras derivadas.

Disfrutar del viaje como artista

artistas nómadas
Las nuevas tecnologías les permiten mantener al día el contacto con sus seguidores y recoger en su blog las incidencias del viaje, además de canalizar la comercialización de su trabajo.

Utilizan su capacidad artística ( pintura, dibujo, fotografía, videos, artesanía…) como medio de subsistencia, comercializando su trabajo a través de su página web (como hace Irene López de Castro), de algún marketplace (Dibujando el Camino  lo hace en Etsy), vendiendo sus fotografías, realizando videos (González-Sitges), ilustrando cuadernos de viaje (como es el caso de Joaquín Dorao ), dedicandose a la ilustración freelance (como la pareja del Plan B Viajero) o pintando murales (Alexis Díaz), entre otras opciones.

El viaje alimenta y motiva al artista a dejar constancia de su recorrido por el mundo, porque en cada nuevo paso que da se le despiertan pensamientos e inquietudes creativas.

Le saca de su espacio de comodidad, le agudiza su percepción y le obliga a superarse en la espontaneidad y la improvisación.

Leer artículo: «Artistas viajeros, nómadas y creativos»

Publicidad, siempre a mano

Lleva siempre contigo alguna tarjeta o folleto relacionado con tu trabajo.

No desaproveches ninguna oportunidad en la que puedas darte a conocer y facilitar a la gente el contacto contigo.

Hoy día, con las imprentas online sale a muy buen precio imprimir flyers, carteles, folletos o tarjetas informativas que puedes distribuir en los comercios o fijarlas en los escaparates.

Obligaciones fiscales del artista

Igual que cualquier otro profesional autónomo (en España), si eres artista tienes unas obligaciones periódicas ineludibles con la Administración para rendir cuentas de los ingresos que hayas generado con tu trabajo.

Debes registrar tus ingresos y gastos  en sus respectivos libros y estas anotaciones deben de coincidir con las facturas que has emitido y las que has recibido, tanto a efectos de compras o ventas y de IVA.

Cada trimestre tienes que presentar la siguiente documentación:

– Declaración trimestral del IVA: debiendo presentar el modelo 303 hasta el día 20 de los meses de abril, julio y octubre y hasta el 30 de enero. Si cotizas en módulos y estás acogido al régimen simplificado de IVA, corresponde  presentar el modelo 310 los tres primeros trimestres y el modelo 311 el cuarto.

– Declaración trimestral del IRPF, deberás presentar el modelo 130 si tributas por estimación directa o el modelo 131 si tributas por módulos, hasta el día 20 en los meses de abril, julio y octubre y hasta el 30 de enero.

– Declaración trimestral de retenciones e ingresos a cuenta en caso de haberlas efectuado (modelo 111) .El plazo es hasta el día 20 de los meses de enero, abril, julio y octubre.

A principio de año los autónomos deben presentar una serie de declaraciones anuales a Hacienda, que son las siguientes:

– Declaraciones resumen anuales (en el mes de enero), son esencialmente de carácter informativo y recapitulativo, tanto sobre retenciones como de ingresos a cuenta (modelo 190), como sobre el IVA (modelo 390).

– Declaración anual (en el mes de marzo) de operaciones con terceros (modelo 347) si durante el año anterior el conjunto de operaciones realizadas ha superado los 3.006 euros.

– Declaración anual del IRPF (declaración de la renta), a presentar mediante el modelo D-100 desde el 2 de mayo hasta el 30 de junio.

¿Sabes facturar por tu trabajo como artista?

Facturas

Si eres pintor, ceramista, grabador, fotógrafo o escultor, por ejemplo, cada vez que vendas una obra debes de hacer una factura legal y aplicar el IVA correspondiente.

En la factura deben figurar tus datos fiscales: nombre, dirección, teléfono, número de identificación fiscal (NIF) y también los datos del cliente a nombre del cual debes facturar.

También puede figurar una referencia de tus Derechos de Autor sobre la obra.

Debes firmar la factura e invitarle al cliente que la firme también, con lo cual queda reconocido por ambas partes los términos en que se lleva a cabo el compromiso de compra-venta.

Si vendes directamente la obra a un comprador en tu estudio el IVA que corresponde aplicar (en España) es del 10% (el reducido), si la vendes a través de un tercero (una galería, por ejemplo) el IVA que hay que aplicar es del 21%.

Los intermediarios o revendedores de tu obra te compraran por un tipo impositivo reducido del 10%, pero en la reventa de la misma obra se debe aplicar el tipo imponible general del 21%.

– Ver artículo: ”Como artista, ¿me hago autónomo o sigo en la economía sumergida?”.

Debes documentar la venta de tus obras

Es eficaz documentar todas las obras que vendas acompañándolas de factura, certificado de autenticidad, historial artístico y dossier de prensa.

La factura es conveniente tramitarla, no solo por tus obligaciones fiscales, sino también como documento de propiedad para el cliente.

El Certificado de Autenticidad describe la obra y redactarlo convenientemente te da una mejor imagen profesional.

Tu historial artístico puede acompañar al dossier de prensa que incluyas en la documentación que le facilites al cliente, porque es información prestigia tu trabajo.

El cliente satisfecho. La mejor garantía de éxito

La mejor promoción es siempre la obra vendida.

El cliente la ha comprado porque le gusta y la ha colocado en su casa en un lugar preferente.

Está encantado con la adquisición, porque nadie va a convivir veinticuatro horas al día en su casa con un objeto extraño o que no sea de su agrado.

Esta es la mejor publicidad, porque este cliente te recomendará al tener en alta estima lo que te compró.

Trata bien a tus coleccionistas, mímalos y repercutirá en tu beneficio con creces.

Potencia y amplia siempre tu grupo de contactos sean o no coleccionistas

Experiencias fuera del taller-estudio

estudio taller
No se trata de plantearse viajar sin billete de vuelta para disfrutar del camino, sino viajar a un destino concreto y con una disposición de tiempo limitado

Celebrar una exposición fuera de tu localidad, tener la posibilidad de materializar un proyecto en una residencia de artistas, desplazarse a otro país para disfrutar de una beca, participar en una feria o en alguna otra convocatoria de arte que te obligue a viajar y ausentarte por unos días, son oportunidades que están a tu alcance como artista para salir de tu hábitat.

Actividades que debes aprovechar para relacionarte con otros compañeros, otros mercados y otros entornos diferentes al tuyo y que enriquecerán tu creatividad y ampliarán tus relaciones profesionales.

Sin valor y sin coraje nunca llegarás a tener éxito

miedos del artista

 Cuando en un momento de tu vida decides ser artista y vivir de tu vocación creadora, en realidad estás arriesgando mucho porque inviertes tu vida entera en esa decisión que acabas de tomar.

Será una osadía hacerlo si no estás convencido/a de tu vocación o careces del valor necesario para enfrentarte a los innumerables contratiempos que jalonarán tu trayectoria profesional.

Debes ser positivo y no limitar tu capacidad de decisión en función de los miedos que te intranquilizan, porque cada vez que superes uno te reafirmarás en ti mismo y en el camino que has tomado.

Para avanzar siempre has de ir un poco más allá, tomar riesgos y permitirte la posibilidad de equivocarte, aunque pierdas de vez en cuando.

Leer artículo:  Controla los miedos y despeja las dudas que te paralizan.

Imprescindible tener presencia en internet

El mercado del arte online va en aumento cada año.

Si eres artista (escultor, pintor, dibujante, grabador, fotógrafo, ilustrador, ceramista o artesano) necesitas tener un blog o web para mostrar tu trabajo al público.

En este artículo “Pasos a seguir para tener un blog profesional” te explico los pasos que debes seguir para tener un blog o una web que te sea rentable para tu proyecto artístico, pero que también puede valer para cualquier otra iniciativa online que quieras emprender.

También existe la posibilidad de que puedas vender a través de portales de arte de manera semidirecta.

Tener presencia en estas plataformas de arte suele ser gratis en la mayoría de ellas, aunque cobran un porcentaje si se realiza una venta.
Una selección de estos portales los he recogido en este post: “30 sitios donde puedes vender tu arte por internet”.

El beneficio de celebrar exposiciones a nivel local

Empieza moviendo tu obra a nivel local y a territorios cercanos a tu taller o residencia.

En este ámbito los desplazamientos son cortos y puedes gestionar los contactos sin que quiten mucho tiempo de tu trabajo.

Según lo grande que sea la ciudad en que vives, puedes actuar por barrios, casas de la cultura, centros sociales, asociaciones, comercios, hostelería o establecimientos similares.

Ofrece tu obra para exponer a todos aquellos locales que puedan acogerla de una manera u otra sin que el entorno desmerezca la dignidad de tu trabajo.

Siempre habrá alguno que se negará a colaborar, pero la mayoría aceptarán.

Posiblemente, te permitan mostrar gratis la obra y ellos te la promocionarán si alguien se interesa por ella.

Ofréceles una comisión o busca la forma de compensarlos de alguna manera por su colaboración y dejarte mostrar tus obras.

Para exponer en salas apropiadas y acondicionadas para exposiciones presenta tu solicitud con antelación, porque suele ser haber mucha demanda al utilizarse como locales multiusos.

He editado una guía gratuita en la que explico las posibilidades de exposición que puedes explorar para seleccionar las que más se ajusten a tu obra y tu situación actual: “Quiero exponer. ¿Dónde y cómo?”.

Como promociona la UNESCO el arte y a los artistas

La creatividad es un recurso valioso capaz de generar beneficios económicos y, al mismo tiempo, aumentar nuestro bienestar.

Consciente del potencial de la creatividad como recurso clave para el desarrollo sostenible, la UNESCO lleva a cabo actividades destinadas a promocionar el arte y los artistas a nivel regional, nacional y mundial.

Estas actividades son complementarias con las iniciativas que se emprenden en el marco de las convenciones culturales de la UNESCO.

Su principal objetivo es el apoyo a los jóvenes artistas, en particular los de países en desarrollo, dando prioridad a las medidas políticas, los intercambios, la formación, el asesoramiento y el desarrollo de competencias.

Entre las iniciativas existentes, destaca el Fondo Internacional para la promoción de la Cultura, la Red de Ciudades Creativas, las becas Aschberg, el programa de becas “Cultura y Diversidad”, así como la “Iniciativa de intercambio entre artistas ceramistas” (en la que participan expertos de China, África y los Estados Árabes) y la promoción de la educación artística.

Leer más: https://es.unesco.org/themes/arte-y-artistas

La humildad de aprender de los demás

Con el tiempo, el trabajo continuo y la humildad de aprender de los demás encontrarás tu propio camino porque en su búsqueda habrás ido desechando lo que no te interesa e integrando en tu forma de trabajar influencias y aportaciones que se diluirán en un estilo propio.

De Juan Urrutia en el artículo que ha escrito sobre la película “Paterson”, de Jim Jarmusch, resalto el siguiente comentario:

“Nada es original. Roba de cualquier lado que resuene con inspiración o que impulse tu imaginación. Devora películas viejas, películas nuevas, música, libros, pinturas, fotografías, poemas, sueños, conversaciones aleatorias, arquitectura, puentes, señales de tránsito, árboles, nubes, masas de agua, luces y sombras. Selecciona sólo cosas para robar que hablen directamente a tu alma. Si haces esto, tu trabajo (y robo) será auténtico. La autenticidad es incalculable; la originalidad es inexistente. Y no te molestes en ocultar tu robo, celébralo si tienes ganas. En cualquier caso, siempre recuerda lo que dijo Jean-Luc Godard: «No es de donde sacas las cosas, es en donde las pones».

¿El artista nace o se hace?

soy artista 

El artista nace con un talento especial o ¿se puede aprender a ser artista?.

La respuesta puede quedar resumida en dos versiones: los que creen que ser artista es tener un don innato y los que defienden que con una buena formación se puede llegar al mismo fin.

Ten en cuenta que no hay que nacer con talento para ser artista.

Los que tienen la habilidad innata son sólo unos pocos afortunados.

La capacidad artística creativa se puede aprender, descubrir y desarrollar con esfuerzo y dedicación.

La verdad es que todos somos artistas, solo que unas personas necesitan satisfacer sus ansias de crear y otras no.

El arte puede surgir y desarrollarse a partir del interés.

No hay dos personas iguales. No hay dos artistas que pinten exactamente igual o que vean los mismos colores en las cosas.

Leer artículo: https://objetivoarte.com/recursos-para-artistas/el-artista-nace

Se puede aprender a ser artista?

Tenemos una imagen del artista. Y es una imagen de la que es difícil escapar, muy formada, fija, casi cincelada en mármol: el artista es una persona solitaria y ensimismada en su investigación y su trabajo. Una persona con un talento especial, un don recibido por los hados o las musas y que manifiesta desde la infancia más temprana. 

¿Pues sabéis una cosa?-según afirma Pedro Torrijos, en un artículo publicado en Jotdown– esa imagen es más falsa que un Velázquez comprado en el Retiro.

Lo que hay ser es constantes, tener muy claro que esto no es un ejercicio de mediano ni corto plazo, sino que es un ejercicio que tienes que planteártelo a largo plazo.

Tener claro a dónde quieres ir y cuáles son los caminos que quieres recorrer.

Rigor, quizás hay artistas que se lo toman un poco más relajado, pero creo que todo el mundo si quiere ser profesional o quieres vivir del arte tienes que ser muy riguroso, levantarse todos los días temprano y sentarse a trabajar.

Quizás cosas que no se estudien pero que si se puedan desarrollar con el tiempo es tener una cierta sensibilidad, aunque suene como un cliché sí se necesita, tienes que estar muy despierto, ser observador, saber manejar tu intuición.

Link al artículo: https://www.jotdown.es/2015/03/se-puede-aprender-a-ser-artista/

¿Por qué no hay malos artistas?

Antes había artistas buenos y artistas malos, así de sencillo era.

Ahora, en cambio, hay artistas buenos y artistas contemporáneos.

Es simple: ya no hay malos artistas, si no te gustan es porque “no entiendes”, o porque te quedaste en “el pasado”.

Joseph Beuys enseñó que pelar una cebolla puede ser una acción artística, con ello habilitó que cualquier acción puede ser arte.

Por eso, hoy, todos somos artistas.

Y gracias al reciclaje contemporáneo del ready-made de Marcel Duchamp, lo que designemos como arte será arte.

Para cerrar este círculo virtuoso está el comprador, que al adquirir la obra se transfigura en un sujeto contemporáneamente moderno y actual.

Por eso, el coleccionista también se convierte en un artífice más del objeto; sin su inversión la obra nunca hubiera trascendido como arte, por eso el comprador forma parte esencial en el montaje de esta parodia.

Coronando este andamiaje está el precio, cuanto más alto mejor, es la legitimación de la obra: si es cara, sin dudas es arte.  


¿Por qué  no hay malos artistas?
Artículo publicado en el periódico argentino Clarín (Revista Ñ). 
Para leerlo completo pulsa AQUÍ.


CISAC, red líder mundial de sociedades de autores

La CISAC, la Confederación Internacional de Sociedades de Autores y Compositores, es la red líder mundial de sociedades de autores.

Con 232 sociedades miembros en 120 países , la CISAC representa a más de 4 millones de creadores de todas las áreas geográficas y todos los repertorios artísticos; música, audiovisuales, teatro, literatura y artes visuales. 

La CISAC está presidida por el pionero de la música electrónica Jean-Michel Jarre y nuestros cuatro vicepresidentes son: el creador y cantante beninés Angélique Kidjo , el director, escritor y productor chino Jia Zhang-ke , el director de cine argentino Marcelo Piñeyro y el artista visual neoexpresionista internacional Miquel Barceló .

La CISAC protege los derechos y promueve los intereses de los creadores en todo el mundo. 

Permitimos que las organizaciones de gestión colectiva representen sin problemas a los creadores de todo el mundo y garanticen que las regalías fluyan a los autores por el uso de sus obras en cualquier parte del mundo.

Fundada en 1926, la CISAC es una organización no gubernamental sin fines de lucro con sede en Francia y oficinas regionales en África (Burkina Faso) , Sudamérica (Chile) , Asia-Pacífico (China) y Europa (Hungría) .


Diferencias significativas en la actividad artística entre el hombre y la mujer

La proporción de hombres y mujeres en el total de artistas  se encuentra equilibrada (con un 52% de mujeres y un 48% de hombres).

Sin embargo, este equilibrio no se mantiene en relación con la edad.

Entre los artistas menores de 20 años, son mujeres el 84,6% del total, y entre 21 y 30 años el 62,5%.

Esta proporción va decreciendo progresivamente hasta el tramo de edad superior a los 70 años, donde sólo figura un 23,8% de mujeres.

Igualmente, en muchos otros aspectos de la actividad artística se notan diferencias significativas entre hombres y mujeres: menor número de años cotizados a la Seguridad Social, menor nivel global de ingresos, etc. en el caso de las mujeres.

Ello da cuenta de los problemas adicionales que éstas deben superar para mantener su actividad en España bajo las circunstancias actuales.

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(Isidro López-Aparicio Pérez, Presidente de la Unión de Artistas Contemporáneos de España, UNIóN AC

– Intervención en la Subcomisión del Congreso de los Diputados para elaborar el Estatuto del Artista)

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Saber vender tu marca personal

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Si tomamos como ejemplo una de las firmas más controvertidas del arte contemporáneo para comprender lo importante que es para el artista saber vender su marca personal, tenemos que referirnos a Damien Hirst.

Con una obra muy polémica ha sabido promocionarse y cautivar a los coleccionistas de un mercado del arte sediento de espectáculo, con mucho dinero y sin saber muy bien en que invertirlo.

Aunque en la década de los años 90 su carrera estuvo estrechamente vinculada con el galerista y coleccionista Charles Saachi, Hirst se convirtió en su propio agente, ignoró a las galerías y presentó una colección entera a subasta en Sotheby’s, superando todas las previsiones de venta.

Hirst se ha convertido en el artista vivo más rico del Reino Unido.

No digo que tenga que ser Damien Hirst el ejemplo a seguir, pero si nos sirve como muestra de que, en un mercado tan voluble y competitivo, es muy importante la gestión que se tiene que hacer fuera del estudio-taller.

Comunidades alrededor del coleccionismo del arte

 IACCCA: La Asociación Internacional de Colecciones Corporativas de Arte Contemporáneo reúne a los curadores de colecciones corporativas de todo el mundo para reflexionar sobre el futuro y las responsabilidades de las colecciones corporativas con el fin de fomentar prácticas adecuadas e innovadoras en un entorno en constante cambio.

 9915: Esta asociación quiere impulsar la figura del coleccionista privado como figura indispensable en el mercado de arte, protegiendo sus intereses y derechos.

 WE COLLECT: Asesoría para coleccionistas de arte con eventos exclusivos y Cursos de formación.

 LE TIMBRE: Le Timbre es una suscripción mensual de arte nacida en Barcelona con la misión de ofrecer un acercamiento a las artes visuales y al universo artístico.

 BCOLLECTOR: Bcollector es una asociación cultural sin ánimo de lucro centrada en la puesta en valor de coleccionistas y colecciones como dinamizadores del arte.

 ARTE GLOBAL: Es una asesoría internacional de arte especializada en coleccionismo de arte y proyectos de gestión cultural para instituciones, empresas y particulares. Se fundó en el 2003 por Elisa Hernando siendo pioneros en estos servicios en España.

 INVERTIR EN ARTE: La meta de Invertir en Arte es crear, con cada coleccionista, un clima de trabajo continuado basado en los conocimientos, la profesionalidad, la claridad y la honradez, para que se sienta informado, asesorado, y perfectamente atendido.

 

Exposiciones a nivel local

galerias

Empieza moviendo tu obra a nivel local y a territorios cercanos a tu taller o residencia.

En este ámbito los desplazamientos son cortos y puedes gestionar los contactos sin que quiten mucho tiempo de tu trabajo.

Según lo grande que sea la ciudad en que vives, puedes actuar por barrios, casas de la cultura, centros sociales, asociaciones, comercios, hostelería o establecimientos similares.

Ofrece tu obra para exponer a todos aquellos locales que puedan acogerla de una manera u otra sin que el entorno desmerezca la dignidad de tu trabajo.

Siempre habrá alguno que se negará a colaborar, pero la mayoría aceptarán.

Posiblemente, te permitan mostrar gratis la obra y ellos te la promocionarán si alguien se interesa por ella.

Ofréceles una comisión o busca la forma de compensarlos de alguna manera por su colaboración y dejarte mostrar tus obras.

Para exponer en salas apropiadas y acondicionadas para exposiciones presenta tu solicitud con antelación, porque suele ser haber mucha demanda al utilizarse como locales multiusos.

 

Actividad artística compatible con la pensión contributiva de jubilación

En España, El Consejo de Ministros aprobó la propuesta de la ministra de Trabajo, Migraciones y Seguridad Social, Magdalena Valerio, el real decreto por el que se regula la compatibilidad de la pensión contributiva de jubilación con la actividad de creación artística, por la que perciben derechos de propiedad intelectual.

La norma da cumplimiento al mandato recogido en el Real Decreto-Ley

26/2018, de 28 de diciembre, que marcaba un plazo de 6 meses para aprobar el reglamento de desarrrollo.

Esta regulación se fundamenta en el artículo 213.1 del Texto Refundido de la Ley General de la Seguridad Social.

El objetivo es regular los términos y condiciones en que dicha compatibilidad puede realizarse, así como las especialidades en materia de cotización derivadas de la realización de una actividad artística compatible con la pensión contributiva de jubilación.

En su artículo tres, la norma establece un régimen de compatibilidad de la actividad artística con el 100% de la jubilación, el complemento por maternidad y los porcentajes adicionales reconocidos por jubilación con edad superior a la ordinaria.

Las personas que se beneficien de esta compatibilidad mantendrán a todo los efectos su condición de pensionistas.

Además contribuirán al sostenimiento del sistema con una cotización solidaria del 8 por ciento, así como la que corresponda por Incapacidad Temporal y contingencias profesionales.

Por otro lado, será incompatible la pensión de jubilación con cualquier otro trabajo distinto al de creación artística, tanto por cuenta propia o como ajena, que suponga estar de alta en el Régimen General de la Seguridad Social o cualquiera de los Regímenes Especiales.

La persona que desarrolle una actividad de creación artística podrá optar entre esta nueva compatibilidad o cualquier otra modalidad de concurrencia entre pensión y trabajo a la que tenga derecho.

Asimismo, podrá suspender el percibo de la pensión de jubilación para retornar a su actividad artística como profesional con alta laboral en la Seguridad Social, pudiendo, en ese caso, generar nuevos derechos de pensión.

 

¿Es el arte una necesidad o un lujo?

Esta cuestión es una de las interrogantes que más  han sido destacadas en lo que respecta a las polémicas habituales acerca del arte.

Verdaderamente, ¿el arte se puede considerar una necesidad del ser humano o es simplemente un
lujo
con el que éste adorna su vida?

De entrada hay que decir que parece claro que el arte es algo que pertenece a la esencia misma del ser humano, ya que éste desde sus comienzos se ha visto «forzado» por su propia interioridad a representar o expresar algo, ya sea lo exterior que le rodea o ha rodeado o lo interior sentido en ciertos momentos concretos de la historia.

Si por necesidad entendemos «algo» sin lo cual otro «algo» no sería posible; y por lujo entendemos «algo» que es superfluo y que sólo sirve para agradar más la realidad o la vida, queda claro que el arte es una necesidad del ser humano.

El arte recoge el presente para el futuro y queda como pasado.

Es obvio, pues, que el arte es una necesidad total y absoluta del ser humano.

Ya sea a través de la literatura en general, de la arquitectura, de la pintura, de la escultura o de la música el hombre desde que es hombre se ha visto forzado a crear artísticamente. 

Entonces, ¿existe el arte desde que hay hombre?; o quizás sería mejor preguntarse: ¿existe el hombre desde que hay arte?

Interroguémonos en serio sobre estas cuestiones.

(«Una reflexión filosófica sobre el arte».
Rubén Muñoz Martínez. Sevilla.
«Themata».Revista de filosofía. Núm.36, 2006).

Hacer amigos dentro de la comunidad artística

No actúes sólo y arrópate en personas que compartan tus intereses artísticos.

Seguramente en tu localidad o en alguna cercana a tu residencia habrá alguna asociación de artistas a la que puedas unirte.

Puedes echar un vistazo en la sección de anuncios clasificados del periódico o buscar grupos y colectivos de artistas en internet.

Existen muchos foros en la red de los que puedes formar parte para hablar con personas que aprecian el arte tanto como tú.

Explica de manera sencilla como realizas tu trabajo, tus inspiraciones, el proceso que desarrollas, los objetivos que quieres alcanzar y los progresos conseguidos.

Otra excelente forma de conocer la actualidad cultural y artística consiste en asistir a inauguraciones de galerías de arte y a los actos culturales que se celebren en tu ciudad con la finalidad de disfrutarlos y conocer a otros artistas.

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La figura del mecenas es ya historia

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Yuri Zatarain, artista plástico mexicano, demostró que la clave para entrar y ganar en el mundo de los negocios es saber vender, sin importar el giro en el que te desenvuelves.

Según publica entrepreneur.com :“hizo del arte un negocio sin perder la esencia de su obra. El pintor y escultor emplea a más de 140 personas, vende más de 400 cuadros originales por año y 1,500 piezas de arte-objeto a la semana. El secreto: crecer sin perder el equilibrio entre la exclusividad y la producción en serie. “

Si como artista juegas bien tus cartas de empresario y arropado por la calidad de tu obra, llegarás a tocar el éxito antes de lo que esperabas.

La figura del mecenas es cosa del pasado y no puedes esperar a que llame a tu puerta interesado por tu obra.

(Leer artículo: Claves para potenciar tu marca personal y dejar huella

 

Certificado de Autenticidad. Legitima tu obra

Acompaña todas tus obras, sean piezas únicas o de edición, con un Certificado de Autenticidad para legitimarlas y añadir un plus de identidad personal.

Este certificado no será nunca una cesión de derechos de autor o de la propiedad intelectual.

La información que contiene un Certificado de Autenticidad se limita a la identificación de la obra que figura en el mismo con los siguientes datos:

– Título de la obra.

– Foto de la obra (opcional).

– Nombre del autor

– Materiales utilizados.

– Medidas.

– Fecha en que se realizó.

– Texto descriptivo y certificando los datos aportados.

-Firma del artista y sello

¿Cómo es tu relación con la Administración?

Acompaña todas tus obras, sean piezas únicas o de edición, con un Certificado de Autenticidad para legitimarlas y añadir un plus de identidad personal.

Este certificado no será nunca una cesión de derechos de autor o de la propiedad intelectual.

La información que contiene un Certificado de Autenticidad se limita a la identificación de la obra que figura en el mismo con los siguientes datos:

– Título de la obra.

– Foto de la obra (opcional).

– Nombre del autor

– Materiales utilizados.

– Medidas.

– Fecha en que se realizó.

– Texto descriptivo y certificando los datos aportados.

-Firma del artista y sello

Acepta trabajar por encargo

Aunque estés volcado en crear tu propia obra, acepta encargos a gusto del cliente, porque son una fuente de ingresos que te ayudarán a vivir.

Aparca tu ego por unos días y amóldate al capricho del que paga.

Es algo pasajero y los beneficios económicos te darán más holgura para después poderte dedicar por completo a crear tu propia obra.

En los encargos, te aconsejo que pidas una cantidad en depósito por adelantado.

Puede ser, por ejemplo, un 30% para hacer frente a los primeros gastos y para amarrar el compromiso del cliente con el trabajo que le vas a hacer.

Acuerdo de Trabajadores de Arte Contemporáneo de América Latina

El Acuerdo de los Trabajadores de Arte Contemporáneo de América Latina es un instrumento que explicita las diferentes relaciones profesionales entre los distintos agentes e instituciones dedicadas a la producción, circulación, difusión y comercialización de arte contemporáneo.
Su objetivo es colaborar con el establecimiento de buenas prácticas laborales tendientes a consolidar y profesionalizar a las escenas locales de América Latina.
Para su redacción fueron consultados profesionales expertos en el campo de arte contemporáneo tales como: artistas, curadores, historiadores e investigadores, galeristas comerciales, gestores autónomos y asociaciones de artistas Visuales.

Este acuerdo sirve como referencia para la realización de actividades e iniciativas; así como también para la prestación de servicios.
Las personas que suscriben el Acuerdo pueden utilizarlo como herramienta de negociación transparente con su contraparte.

Las instituciones pueden, usando el Acuerdo, estimar los presupuestos necesarios para sus actividades.

¿Cómo lo suscribo?
1. Descarga o lee en línea el Acuerdo que es válido para tu país.
2. Para suscribirlo online entra aquí.
3. Imprime y firma una copia.
4. Difunde este acuerdo entre colegas.

¿Qué es un libro de artista? (1)

El Libro de Artista, es un medio de expresión plástica, surgido en la segunda mitad del s. XX, como un nuevo género de las Bellas Artes.

El libro de artista es, por tanto, una obra de arte realizada por un artista visual que utiliza,  para  elaborar  su  obra,  el  formato  del  libro  actual  normalizado,  o  se  inspira  en  cualquiera de  los  soportes  históricos  de  la  transmisión  escrita:  tablillas  de  barro,  placas  metálicas,  materiales  vegetales diversos, conchas, huesos, vitelas…y el papel; (como ejemplo de esta utilización  actual de soportes históricos estaría la obra de Gérard de Brénnel).

El resultado de todos los antecedentes históricos y las aproximaciones desde la poesía, la plástica o los talleres de obra gráfica, dan como resultado el libro de artista actual.

¿Qué es un libro de artista? (2)

A mediados del siglo XX, los artistas comienzan a experimentar con soportes, formatos y materiales alternativos  a  la  pintura,  a  la  escultura  o  a  la  obra  gráfica.

Su  carácter  multidisciplinar  incorpora  en  su  elaboración,  los  talleres  de  encuadernación,  la fabricación de papel artesanal, y todo tipo de artes aplicadas y artesanales.

El  intento  de  describir  las  distintas  posibilidades  creativas  del  libro  de  artista  siempre  se  queda corto.

Se  utilizan  todo  tipo  de  materiales  desde  el  barro  a  los  soportes  digitales;  todo  tipo  de  formas,  desde tablillas  vegetales  unidas,  hasta  los  propios  libros  ya  editados;  todo  tipo  de  técnicas  artísticas:  pictóricas,  de dibujo,  fotográficas,  textiles,  de  impresión,  collages,  troquelados  o    incisiones…

Hay libros  participativos,  de instrucciones, para construir, efímeros y comestibles… o libros instalación.

El  libro  aporta,  además,  a  los  artistas,  el  factor  temporal  en  la  obra,  al  pasar  las  páginas  en  una secuencia  deseada  (tiempo  que  también  incorporan  otros  géneros  del  s.  XX:  videoarte, performance,  cómic, acciones,  etc.);  el  juego  participativo  del  lector  /  manipulador;  la  apreciación  sensitiva  táctil  y  olfativa;  la economía del soporte y su fácil portabilidad y manejo.

Parámetros nuevos que diferencian este género de la pintura, la escultura, el grabado o la poesía visual, pero que puede incorporar todas estas artes para realizar un tipo de obra diferente, de gran diversidad, de gran libertad creativa; en definitiva, un libro de artista.

(Textos de José Emilio Antón y Ángel Sanz Montero)

¿Es la creatividad un don genético?

Ser artista es algo maravilloso porque eres capaz de crear y transformar la materia en una obra de arte, creando un espacio personal y mágico, a través de una sensibilidad enfocada a observar e interpretar el mundo.

Para conseguirlo necesitas recursos formativos que son la cimentación en la que vas a construir tu talento sea este innato o adquirido.

Como manifiesta David de Ugarte en ¿Arte sin artistas?: ”Toda persona puede aprender a manejar una técnica y convertir sus productos en significativos, en fuentes de inspiración o reflexión para los demás. La creatividad no es un «don» genético o divino que solo tendrían unos pocos, es una capacidad humana.”

Tómate tu tiempo para completar tu formación artística porque es la base sobre la que se sostendrá tu capacidad de resolución para expresar tu sensibilidad.

Además, esta educación debes renovarla y ampliarla continuamente para mantenerte activo y actualizado profesionalmente.

Aplicar la fórmula "prueba-error"

Si eres un artista activo sabes que no todo se reduce en crear tu obra, sino que hay que dedicar tiempo para hacer otros trabajos complementarios y no siempre tan atractivos como los del estudio-taller.

Debes tantear todas las posibilidades que el mercado te ofrece con la fórmula “prueba-error” e ir ajustando la experiencia al objetivo que te hayas propuesto.

No le tengas miedo al fracaso, porque de los peores errores se han creado éxitos indiscutibles.

Tampoco te desanimes.

Hay mucha gente que ha nacido por y para el arte y sin embargo no han invertido tiempo en profundizarlo perdiéndose por el camino todas esas dosis de talento.

Se constante y muy activo y conseguirás vender bien tu arte.

Guillermo Pérez-Villalta: La dictadura de las vanguardias (2)

AbreviArte (bonus) 10

A finales de los sesenta y principios de los setenta yo hacía una pintura ortodoxamente moderna.

Alrededor del año 1972 o 1973 visito Europa, conozco de primera mano todo el arte de vanguardia que se está haciendo en ese momento, justo cuando se está produciendo, y como siempre he sido muy racional, muy analítico, analizo eso y veo que tiene enormes problemas.

Por un lado, está la cuestión dictatorial de lo que es vanguardia, el hecho de que el artista se reduzca fundamentalmente a hacer lo que dicen los curators.

Que un señor diga que ahora hay que ser conceptual y que no se tienen que pintar figuras es absurdo.

Y yo me revuelvo contra eso, y digo: «No, la libertad y la creatividad del artista están por encima de todo».

Pero por otro lado me niego a no pintar, puesto que la pintura es algo que me gusta y que me entretiene, así que empiezo a tirar una línea que diverge de la ortodoxia, y eso me ha servido para que los críticos me hundan perpetuamente.

O sea, a cualquiera que sea un moderno ortodoxo le horripila mi obra, le inquieta, porque además es que va fundamentalmente dirigida contra esa gente.

Y ya digo, no es una postura transgresora, es una postura de lo más racional.

Lo que es absolutamente irracional es la dictadura del movimiento moderno ortodoxo, refrendada durante los últimos años por el Reina Sofía, lo que ha supuesto un retraso enorme para el arte en España.

Resumen de la entrevista de Fran G. Matute publicada en Jotdown.es

¿Se adapta el coleccionista tradicional al mercado online?

Depende de la actitud de cada uno.

Es solo una minoría la que renuncia a la oferta que puede encontrar en la Red y son personas con poca familiaridad al mundo de las TIC.

La mayoría, especialmente los más jóvenes, utilizan internet en sus transacciones de compra-venta y como fuente de información. Se han adaptado rápidamente y lo hacen de manera muy activa.

Hace quince o veinte años,  el mercado tradicional que ofrecían las galerías,  el art dealer, los marchantes, museos, además de los propios artistas, casas de remates y casas de subastas podía llegar a un número determinado de obras y de precios. Internet ha disparado la oferta y, por tanto, se pueden encontrar piezas a un precio mucho más asequible y  sin intermediarios. También la red les facilita el acceso directo a los catálogos de prestigiosas exposiciones o subastas.

Resaltar que otra opción que le permite la Red son los foros especializados, donde el coleccionista puede compartir sus conocimientos y experiencias.

Guillermo Pérez-Villalta: Por que no estudié Bellas Artes (1)

AbreviArte (bonus) 10

«Nunca me interesó estudiar Bellas Artes

Por mi cabeza nunca pasó estudiar Bellas Artes, porque, y esto lo he repetido veinte mil veces, yo no me considero pintor.

Me considero artífice, que es un señor que maneja todos los ámbitos de la creatividad artística.

Lo que pasa es que la pintura es muy fácil.

No intervienen máquinas, puedes hacerlo todo tú solo desde el principio hasta el final.

Nadie te va a impedir hacer lo que quieres.

Mientras que en la escultura, por ejemplo, que es una cosa que me encanta, ya interviene el taller.

Por no hablar de las nuevas tecnologías, que ahí está todo al servicio de cosas que son ajenas a ti.

Yo con mi cabeza y mis manos hago lo que quiero hacer. No necesito más.

De todas formas, en la escuela de Arquitectura me ocurría que, aunque algunos profesores me apreciaban, en el fondo no entendían nada de lo que les proponía.

Estaban alucinados, porque les rompía los esquemas de la tradición más o menos funcionalista, racionalista, tipo Mies van der Rohe, que entonces era el gran dios.

Y lo mismo me pasó cuando empecé a realizar mi pintura.»

Resumen de la entrevista de Fran G. Matute publicada en Jotdown.es

¿Sostener una galería, es fácil?

El negocio del arte no es fácil y requiere, como en otros oficios, amor.

Los galeristas, además de conocimiento, necesitan tener gusto.

Por supuesto, tiene que ser rentable, porque hay que pagar empleados y gastos generales.

Ahora bien –explica el galerista Alberto Hugo Harold–, el proceso de tener una galería implica una serie de responsabilidades. Uno está mostrando una serie de artistas y espera acertar con la calidad. Eso es un proceso”.

Vender arte no es fácil, porque además tiende a ser costoso.

«Ahí hay que hacer la diferencia entre el que es decorativo y que no funciona como inversión y el arte como posibilidad de tener un refugio económico», apunta el galerista.«Porque en eso también está la clave.»

El esfuerzo, en ese caso, es colectivo, no individual.

Tener una galería es rentable, en la medida en que haya adquisiciones basadas en el conocimiento de las artes plásticas y del mercado.

“Nosotros vivimos los últimos treinta años de comercializar arte» –explica–. «El éxito no radica en el negocio sino en los negociantes. La prueba es que unos triunfan con el negocio con el que otros fracasan. Sin embargo, sostener una galería, como tantas actividades comerciales, no es fácil. Es un tema subjetivo, sujeto al conocimiento y a la emoción. Se trabaja con creaciones y con lenguajes que no siempre son comprendidos por el público”.

Una queja habitual de los galeristas es que si bien la obra se expone en su espacio, a veces la compra se termina haciendo entre el artista y el comprador, para evitarse el porcentaje con el que se queda la galería, reconociendo que muchas veces es del 50 por ciento del valor de la compra.

Se rompe así la cadena de mercado.

Plataforma online para la comunidad creativa de artistas interesados en vivir de su vocación.

 

Contenido informativo y formativo para todos los niveles.

AbreviArte (bonus) 12Objetivo Arte ha sido elegido como el  “Mejor Blog de Arte 2020” (categoria Mercado)


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