Sólo con pasión no se pagan las facturas

Sólo con pasión no se pagan las facturas

No cabe duda de que eres un artista, porque siempre te has sentido atraído por los retos creativos y por la necesidad que tienes de expresar plásticamente las ideas que se acumulan en tu cabeza.

Múltiples ideas y varias maneras de realizarlas te bombardean la mente, pero tienes que focalizar tu vocación artística para ser efectivo en el mensaje y concretar a la hora de producir tu propia obra y marcar una diferencia en el mercado.

En cualquiera de las facetas en que puede manifestarse el arte es necesario hacerlo rentable para poder vivir de él, porque es tu trabajo y tu medio de vida.

El dinero no es un fin en sí mismo, pero es necesario


Debes realizarte personalmente como artista, pero necesariamente también tienes que ganar dinero, porque es imprescindible para vivir y poder trabajar en los proyectos que te motiven.

El artista genuino centra todas sus energías en crear arte, porque su atención está en la necesidad que tiene de expresarse vitalmente a través de su obra y relega a un segundo lugar la preocupación por el dinero.

Aunque no sea el fin que persigue en su actividad artística, el dinero es un recurso necesario para poder desarrollar su actividad y para sobrevivir personalmente.

Por eso, tu pasión por el arte es indiscutible pero no todo el mundo puede vivir de ella, porque solo con pasión no se pagan las facturas.

Si crees realmente en ti como artista, aparte de tu formación académica, debes conocerte a ti mismo muy bien y tener una mentalidad emprendedora.

Autocontrol y una mentalidad emprendedora


Tienes que conocer tus puntos flacos para reconducir tus limitaciones y potenciar tus cualidades.

Limitaciones que debes procurar que no condicionen tu actitud frente a la realidad del mundo como pueden ser tus creencias, tus pensamientos negativos o ideas predeterminadas que pueden frenar o restringir tu creatividad como artista y ofusquen tu mentalidad emprendedora.

En otro artículo te hablé de la relación socio-laboral con la Administración: “Por amor al arte seré también empresario, además de artista”, que complementa el tema del que ahora nos ocupamos.

Hoy lo hago desde la perspectiva de tu configuración mental para que disfrutes de un crecimiento personal óptimo como artista y como empresario.

El arte es un negocio


Naciste artista, pero ahora tienes que hacerte empresario porque el arte es un negocio y así hay que entenderlo en una sociedad capitalista y aceptarlo si se quiere vivir exclusivamente de él.

Los recursos técnicos y artísticos que adquiriste durante tu formación académica son imprescindibles para ejecutar tu obra, pero es mucho más importante que tu mente esté bien estructurada sobre una base de pensamiento positivo y firme.

Ser artista y vivir de tu vocación es una carrera de fondo que se empieza con mucha ilusión y, más bien, pronto que tarde aparece jalonada de obstáculos que tienes que saber superar.

La ilusión del primer momento pronto se diluye en los contratiempos y problemas que día a día se van presentando y te das cuenta que de la ilusión inicial no se vive eternamente.

hacer rentable el arte

Mindset es “la mentalidad de lo posible, la mentalidad de creer que se puede mejorar”, según Carol Dweck .

Mindset: la mentalidad de lo posible


Según Carol Dweck, “a una mentalidad fija le costará crecer, mientras que una inteligencia de crecimiento, aquella que está dispuesta a aprender, tiene más probabilidades de alcanzar grados de éxitos en la vida”.

Tienes que crecer mentalmente y tener una fortaleza inquebrantable que te ayude a impregnar tu mente de pensamientos positivos para continuar y reafirmarte cada día en el camino que has emprendido.

Tu mentalidad emprendedora debe ser la correcta para persistir cuando las circunstancias no van bien, te falta el apoyo de tu entorno más cercano, los amigos no comprenden tu decisión o consideras que has decidido vivir de tu iniciativa artística con el trasfondo de una crisis que en nada te favorece.

Todas o alguna de estas circunstancias llegan a acotar tus posibilidades y te autolimitan.

La falta de confianza o los pensamientos negativos debes desterrarlos de tu mente para evitar que termines haciendo una valoración negativa de ti mismo.

Tres actitudes básicas para estructurar tu pensamiento


Tu actitud debe ser siempre mentalmente positiva y puedes estructurar tu propio pensamiento sobre estos tres pilares:

  1. Tener claro dónde vas….

… y cómo vas a hacer el recorrido desde el punto de vista personal y artístico.

Ponte plazos para avanzar adecuadamente y llegar con éxito.

No se trata de una cuestión de tiempo y de llegar lo antes posible, sino de saber llegar y haberlo hecho bien.

  1. Evita pensamientos negativos…

… que pueden limitar tu pensamiento.

Siempre aparecerán aunque sea inconscientemente, porque de alguna manera los sigues alimentando y te falta determinación para anularlos y obviarlos.

Por ejemplo, una idea que seguramente tienes muy arraigada en tu cabeza:” Lo mío es crear. Nunca he tenido aptitudes para vender nada”. ¡Elimínalo y ponte en acción de vender!

Si algo crees que no puedes hacer, enfréntate a estas ideas cuanto antes y no lo procrastines.

  1. Potencia tu autoestima…

… y no seas el primero en dudar de tus propias decisiones.

No pongas freno a las posibilidades de éxito.

Recuérdate continuamente que si tú no confías en ti ¿por qué deben hacerlo los demás?.

Estos tres puntales debes trabajarlos continuamente para reafirmarte en tu mentalidad artística y emprendedora.

Se coherente y no procrastines


No obstante, para potenciar tu conocimiento personal también debes ser coherente en tus acciones.

Evita aplazar sine die las obligaciones y no pongas excusas para hacer las cosas que urgen.

No lo dejes para mañana y decídete a dar el primer paso, luego vendrá el segundo, el tercero… y terminas cumpliendo con lo que te hayas propuesto.

No permitas que te embargue el bloqueo mental por miedo a que tu proyecto no será rentable.

Toma precauciones para poderlo desarrollar con un respaldo económico y con tranquilidad personal.

Prevé un “colchón” económico antes de emprender para poder amortiguar los principios que siempre son difíciles, estudia y evalúa a fondo los pros y contras antes de tomar cualquier decisión y rebaja los gastos superfluos y que no sean imprescindibles.

Tomar estas precauciones facilitarán el buen desarrollo de tu proyecto artístico y desterrarán posibles bloqueos por inseguridad.

Puedes conocer más a fondo los miedos a los que se enfrenta el artista en algún momento de su trayectoria en este artículo: “Los miedos que paralizan al artista”.

Tienes que salir de tu zona de confort


Lo que está claro es que en decisiones vitales como es la determinación de ejercer tu vocación y vivir de ella hay que salir de tu “zona de confort”.

Empezar algo nuevo es siempre difícil porque se transita por un territorio desconocido y lleno de contratiempos y dudas.

No hay fórmulas mágicas que te puedan facilitar el camino, pero la mejor herramienta que te puede ayudar a afrontar la realidad del emprendimiento es el autocontrol como persona y como artista.

Determinación y autoestima


La determinación en lo que haces y la autoestima en ti mismo tienen que imperar en tu trayectoria artística, eliminando en todo momento los pensamientos pesimistas que pueden limitar tu crecimiento.

Confía en ti mismo y en el proyecto que hayas emprendido, porque los demás también lo harán.

Se constante, coherente, innovador, fomenta tu autoestima y actúa con mentalidad emprendedora/span>.

Solo así alcanzarás el éxito de lo que te hayas propuesto.

 

[Fotos: Pixabay]

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Acerca de Ramón S. Viñas, autor de este artículo:
En los últimos treinta años me he ganado la vida como artista. También he trabajado varios años en prensa y he dirigido una galería de arte. Ahora editando mi blog comparto mi experiencia con el fin de que pueda ser útil para otras personas que quieran conseguir su sueño de poder vivir del arte.

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Saber venderse: Portfolio y declaración de artista

Saber venderse: Portfolio y declaración de artista

Saber venderse es imprescindible para posicionarse con ventaja en el complejo mercado del arte.

Un portfolio y una declaración de artista son dos recursos indispensables para promocionar nuestro trabajo como creativos.

Hay que saber venderse para conseguir triunfar y tenemos que utilizar todas las herramientas que estén a nuestro alcance para conseguirlo.

Hemos trabajado duro y disponemos de una colección de obras que serán nuestra mejor carta de presentación, pero hemos de ser conscientes que esto solo no basta.

El portfolio, la llave maestra


Empezaré por ocuparme del portfolio, porque es una herramienta esencial en tu promoción y, esmerándote en su diseño y contenido, lo debes convertir en la llave maestra que te abra las puertas a las que llames.

Al confeccionarlo, es conveniente analizar quienes van a ser sus destinatarios y diseñarlo de tal modo que, con unas ligeras modificaciones, pueda ser válido para todos.

Ten en cuenta que será lo primero que van a ver de tu trabajo y debe reflejar tu sello personal como artista.

No hay que conformarse con enviar un curriculum vitae extenso, bien nutrido de exposiciones, premios, estudios y bibliografía.

Es necesario también, pero en el mundo del arte lo que se impone son las imágenes por encima de cualquier escrito o recurso teórico.

Aquí sí vale aquello de que “una imagen vale más que mil palabras”, por lo que debes procurar ser original y hacerlo con creatividad para ofrecer lo mejor que tengas, porque se trata de diferenciarte de los demás.

Las galerías, instituciones, coleccionistas o convocatorias de arte reciben cientos de portfolios y es importante que, en primera instancia, visualmente se interesen por el tuyo porque llama la atención por su presentación.

Por mi experiencia y por la información que he recabado de otros artistas hoy en día las nuevas tecnologías ofrecen más posibilidades de ofrecer atractivos dossieres que hacerlo en formato físico.

Si tienes la oportunidad de presentarlo personalmente, un portfolio físico, incluso acompañado de alguna obra original, es más cálido, cercano y personal, pero si lo distribuyes digitalmente puedes hacerlo a través de tu página web, enviando un CD, una memoria USB o a través de plataformas especializadas, además de que te permite diseñarlo con más recursos.

En primer lugar, enumeraré una serie de reglas que se deben tener en cuenta, tanto si el portfolio es de carácter físico o digital.


 Diseñar un portfolio eficaz es saber venderse


Más adelante, me ocuparé de un portfolio digital y los pasos a seguir cuando se diseña un dossier electrónico.

Una lista de consejos que considero indispensable para confeccionar un portfolio (sea físico o digital) es la siguiente:

Homogéneo. En función de tus gustos o preferencias decidirás como debes realizar tu portfolio, pero procura que el soporte sea homogéneo en todos sus formatos, tanto si lo presentas físicamente, en pdf o en tu página web.

Atractivo. Debe ser visualmente atractivo en su presentación y práctico en su manejo.

Versátil. Encuentra la forma de hacerlo convertible para que se adapte fácilmente para cualquier fin que lo necesites o para actualizarlo en función de lo que avanza y evoluciona tu trabajo.

Ordenado. Evita estandarizar su contenido. Organízalo cronológicamente o por categorías, técnicas, temáticas o especialidades.

Material gráfico. Muy buenas fotografías. Una fotografía deficiente puede echar a perder todo tu trabajo, por lo que en este capítulo no debes escatimar medios para conseguir el mejor material posible. Procura tener fotos de alta resolución de todas tus obras. Si tu presupuesto anda ajustado, es preferible poner pocas fotos y que sean buenas, en lugar de muchas y de deficiente calidad.

Identidad. El portfolio debe ser tu mejor carta de presentación reflejando tu profesionalidad y personalidad artística. Su contenido debe recoger lo mejor de tu obra y aspectos claves de cómo se desarrolla tu trabajo.

Presentación. Además de una Declaración de artista (que se comenta en otro apartado de este post) es conveniente que acompañes al dossier con una Carta de Presentación que sea breve y concisa, explicando quien eres, la obra que haces y cuáles son tus pretensiones.

– Curriculum. Resume en un curriculum tu trayectoria como artista, exposiciones individuales y colectivas, premios, publicaciones, etc.

Información.  Incluye notas informativas de las características de cada proyecto para que se entienda fácilmente. No te olvides de poner el precio de cada obra, fecha de realización, medidas, materiales, etcétera. Es información complementaria pero el receptor de tu porfolio agradecerá la documentación y se hará una idea de cuáles son tus pretensiones.

Contacto.  Pon en un lugar visible de tu portfolio tus datos de contacto: nombre, dirección, teléfono, correo electrónico, página web, para que puedan contactar contigo fácilmente.

– Envios. Según donde lo envíes te pedirán una documentación diferente y tu portfolio debe ajustarse a cada demanda, cumpliendo las normas que solicita cada convocatoria.

– Revisión de contenido. Antes de enviarlo a algún destinatario procura que te lo revise una persona de confianza y que te dé su opinión, por si hubiera que cambiar o modificar alguna cosa, con el fin de mejorarlo.

– Actualizado. Procura que el material esté siempre actualizado y que muestre lo más reciente de tu trabajo. Haz los cambios que sean necesarios en función de lo que evoluciona tu obra.

 
Las ventajas de un portfolio digital


Puedes disponer de los dos formatos: digital y físico; pero las ventajas de distribución que te ofrece un portfolio electrónico son muy superiores.

La accesibilidad es mucho más inmediata, fácil de navegar si está bien diseñado, puede ser mucho más extenso en su contenido y el diseño te permite disponer de múltiples recursos online.

Permite acceder a él desde cualquier dispositivo electrónico y hay que procurar que su localización sea inmediata y cómodo en su recorrido.

Además de los consejos que se han enumerado más arriba para la realización de un portfolio, cuando éste es digital se tiene que tener en cuenta que las imágenes sean en formato jpg o png y que su tamaño esté entre los 500-750 pixeles para que puedan verse en pantalla perfectamente en su totalidad.

Tampoco es conveniente usar flash o efectos de animación, porque distraen y entorpecen la atención.

Puedes editarlo en una memoria USB, en CD, en tu página web o difundirlo a través de alguna plataforma especializada gratuita de las que hay disponibles en la red.

Ver ejemplo de como se diseña un portfolio de artista:


¿Dónde puedo publicarlo gratis?


A continuación, te facilito información de cuatro de las plataformas online más populares:

Behance:

Es una de los más populares donde puedes crear tu porfolio y acceder desde cualquier dispositivo móvil. Por los creativos es una de las utilizadas para mostrar sus trabajos.

Deviantart:

En cuestión de minutos, puedes configurar completamente tu propio portfolio y comenzar a enviar tu trabajo creativo para su revisión por posibles empleadores, escuelas de arte o clientes. Alojamiento gratuito hasta cien imágenes. Compatible con todas las principales plataformas de navegación y dispositivos móviles sin necesidad de complementos.

– Dropr :

Dropr es una excelente forma de presentar los trabajos artísticos individualizando cada portfolio. Su presentación es muy profesional y tiene una interfaz fácil de manejar para la creación de tu espacio web.

– Crevado:

Crevado es una herramienta en línea que facilita a los creativos (artistas, fotógrafos, ilustradores, etc.) la creación de un sitio web para que puedan exhibir su trabajo online. Con Crevado, también es posible vender tus obras, al estar integrado con Paypal y Fotomoto hace que sea sencillo recibir pagos online.

saber venderse


¿Qué es la Declaración de Artista / Artist Statement?


No basta solo con tu obra para presentarte ante el público.

Ya hemos visto las ventajas que nos puede aportar tener un buen portfolio, pero además éste debe ir acompañado de una declaración de artista que esté bien redactada para que sepan lo que haces y por qué.

Estas dos herramientas de promoción que son el portfolio y la declaración de artista son tus mejores armas en un primer contacto con la galería o con su destinatario.

Soy consciente de que tú, probablemente, te expresas mejor con imágenes que con palabras, pero tienes que hacer un esfuerzo y redactar un texto breve y conciso explicando cuál es tu proceso de trabajo y el por qué creas la obra que ofertas.

Pensarás que tu obra habla por sí sola y no necesita de muletas literarias para conectar con el espectador, pero un texto escrito desde tu perspectiva clarifica la lectura y enriquece la contemplación, porque facilita la conexión con tu obra.

A continuación, te expongo algunas normas que conviene que tengas en cuenta a la hora de redactar tu declaración de artista y como la puedes utilizar junto al portfolio o independientemente, según la ocasión:

-Redacción. Aconsejo escribirla en primera persona, que sea corta, sencilla y describiendo tus técnicas y la conceptualidad de tu obra sin complicaciones o expresiones rebuscadas.

– Honesto. Sé honesto contigo mismo. Antes de empezar, tomate el tiempo necesario para meditar lo que vas a escribir sobre ti y tu trabajo.

-Diferente. Una declaración bien redactada te ayuda a diferenciarte en el mercado y mostrar que eres un artista reflexivo y que analiza su trabajo con detenimiento.

-Lenguaje. Exprésate de manera sencilla, clara e inteligente. Conecta con la gente, pero escribe desde tu punto de vista y no pensando en el espectador de tu obra.

– Presentación. No la escribas a mano. Haz que sea fácil su lectura con buena tipografía y aspecto limpio.

– Distribución. Asegúrate de que tu declaración se ajusta a las pretensiones de su destinatario. Promueve con ella –mejor junto a tu portfolio- tu trabajo entre clientes directos, coleccionistas, galerías, comisarios, críticos, museos, editores de arte y publicaciones especializadas.

En este enlace puedes ver la Declaración de Artista de Luis González Palma


Tres puntos en los que basar el texto


Una vez tengas claro cómo vas a abordar la redacción de tu declaración de artista, piensa redactar el texto en base a tres interrogantes: ¿Qué es lo que hago?¿ Cómo creo mi obra? Y ¿Por qué lo hago?

Empieza a escribir el por qué haces tu obra y como la haces de una manera asequible para quien la lea y que le gustaría conocer el origen de tu trabajo.

En segundo lugar, sin entrar en detalles que pueden aburrir o confundir, explica el proceso que sigues al crear tu obra y la aportación que haces en la investigación de materiales o recursos para realizarla.

Al final, menciona en que proyectos artísticos estás inmersos en la actualidad y que es lo que te motiva para seguir indagando cada día en nuevas propuestas y experiencias creativas.

Por último, considero que lo que no debes hacer o incluir en tu declaración de artista es ninguna expresión o mención que suene pretenciosa.

Evita hablar de ti o de tu obra de manera presuntuosa, no abuses de los términos técnicos, no presumas de premios y distinciones, no recurras a frases hechas para explicar tu trabajo y no comentes ninguna intención mercantil.

Esta pequeña guía que acabo de presentarte es la base sobre la que puedes cimentar tu declaración de artista, pero si consideras que lo tuyo no es escribir recurre a la posibilidad de contratar a un escritor o editor profesional.

Un contacto que puede interesarte es el de Juanma Velasco, de  teescriboloquequieras.com, impulsor de esta iniciativa online que se ocupa de elaborar y corregir textos a terceros previo encargo.

Ten siempre a mano y actualizados tu curriculum, portfolio y declaración de artista.

Si el curriculum sirve para resumir y presentar tu trayectoria profesional, el portfolio es su acompañante imprescindible para que conozcan tu obra, mientras que la declaración de artista refuerza el cometido de ambos en cualquier entrevista de trabajo.

(Fotos de Pixabay)
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Acerca de Ramón S. Viñas, autor de este artículo:
En los últimos treinta años me he ganado la vida como artista. También he trabajado varios años en prensa y he dirigido una galería de arte. Ahora editando mi blog comparto mi experiencia con el fin de que pueda ser útil para otras personas que quieran conseguir su sueño de poder vivir del arte.

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El artista nace o ¿se puede aprender a ser artista?.

El artista nace o ¿se puede aprender a ser artista?.

El artista nace con un talento especial o ¿se puede aprender a ser artista?.

Es una pregunta que, seguramente, has oído en repetidas ocasiones o, incluso, tú mismo te has formulado en el transcurso de alguna conversación.

La respuesta puede quedar resumida en dos versiones: los que creen que ser artista es tener un don innato y los que defienden que con una buena formación se puede llegar al mismo fin.

A lo largo de mi tránsito por el mundo del arte he conocido a artistas que tenían más habilidad que talento y a otros que con un don especial para el arte se han estancado en su camino o han quedado anulados por su falta de perseverancia que requiere practicar cualquier actividad creativa.

Los primeros a base de constancia y autoexigencia consiguen producir una obra en la que se aprecia un buen dominio de la técnica y calidad artística, aunque siempre persiguiendo este hechizo especial que puede hacerla única.

En el otro extremo están los que desde temprana edad se les nota predestinados al arte.

Crean con una facilidad pasmosa, desarrollando con nitidez ideas y consiguiendo que sus planteamientos artísticos cautiven fácilmente al público.

El artista nace o ¿se puede aprender a ser artista?


Como explica Pedro Torrijos, en su artículo ¿Se puede aprender a ser artista?, en Jot Down Magazine , donde pone como ejemplo el aprendizaje de Diego Velázquez, la formación es indispensable:

“El propio Diego Velázquez no emergió de una marmita de gracia artística. Su talento ya se apreciaba en la infancia, sí, pero nunca como un encapsulado prodigio. A Velázquez le enseñaron. Le enseñaron el «arte bien e cumplidamente según como vos lo sabéis sin le encubrir dél cosa alguna». Así rezaba parte del contrato que su padre, Juan Rodríguez de Silva, firmó con el pintor sevillano Francisco Pacheco. Diego tenía once años y aprendió, ya lo creo que aprendió. Aprendió a moler los colores, a decantar los barnices y a tensar los lienzos. Y aprendió a dibujar, porque Pacheco, que más tarde se convertiría en su suegro, no era un gran pintor pero era un excelente dibujante a lápiz y a carbón. Velázquez aprendió a delimitar contornos, a usar las sombras y a generar expresiones. En cien estudios y retratos, Diego aprendió todo lo que pudo, todo lo que Pacheco sabía sin ocultarle ninguna cosa. Y cuando ya no tuvo más que aprender, aprendió a buscar su propio camino. Aprendió a ir más allá. Aprendió a pintar lo que no existía en el lienzo ni en la figura. Lo que había en el medio. Aprendió a pintar el aire.”

Al margen de ser artista por constancia y trabajo o por haber nacido con un don especial, la cuestión es ¿cuál es la formación apropiada para ser artista hoy día?

Situándonos un poco en la historia, es en el siglo XVII cuando se tiene referencia de estudios superiores de arte en instituciones especializadas o en la universidad, siendo el artista Charles Le Brun quien fundó la Academia de Pintura y Escultura para regularizar esta enseñanza.

Anteriormente, hasta el Renacimiento, los artistas se formaban en gremios, aprendiendo directamente el oficio en los talleres donde se iniciaban a temprana edad hasta que conseguían tener un reconocimiento como maestros artesanos en su especialidad.

Hoy día puedes matricularte para conseguir el título de Grado en Bellas Artes y, como salidas profesionales, escoger entre una amplia oferta de especialidades.

Se trata de una formación cuyo perfil profesional se relaciona con los nuevos yacimientos de empleo que, según la capacidad emprendedora de los licenciados y la creciente demanda de especialidades relacionadas con la creatividad artística, ofrece un amplio abanico de alternativas de trabajo.

Salidas profesionales / Bellas Artes

Veamos algunos a modo de ejemplo:

> Creativo en los ámbitos de las Artes Plásticas y Visuales (Artista Plástico y Visual): – Dibujo – Pintura – Escultura – Arte Gráfico – Fotografía – Animación – Videocreación – Creación audiovisual y multimedia – Arte público – Arte intermedia – Net-art.

> Creativo en los ámbitos de las Artes Plásticas y Visuales Aplicadas: – Ilustración (infantil, científica, didáctica, publicitaria, de prensa, etc.) – Humor gráfico – Cómic – Mattepainting – Concept-art – Layout y story-board para cine – Creación de videojuegos – Animación y Fotografía (publicitaria, documental, cinematográfica, etc.) – Producción artística en cine y TV – Montaje de exposiciones – Escenografía – Arquitectura y Escultura efímeras (parques temáticos, carrozas, etc.) – Escaparatismo – Decoración – Maquetismo – Modelismo – Simulación tridimensional – Modelos escultóricos y anatómicos para la ciencia (ortopedia, medicina legal criminal y forense).

> Creativo en los ámbitos del Diseño (Diseñador): (mediante posterior especialización en sus diferentes vertientes profesionales): Diseño gráfico, multimedia y de interacción – Diseño textil y de moda – Diseño industrial y de mobiliario – Diseño de jardines y paisajismo.

> Gestor y Asesor Cultural: – Gestión y difusión en museos, centros artísticos, galerías de arte, casas de cultura e instituciones culturales de distinto tipo – Organización y producción de eventos y actividades culturales – Asesoramiento y comisariado de exposiciones – Participación en jurados y comités en convocatorias artísticas.

> Docente en los ámbitos de las Enseñanzas Artísticas no regladas: – Gabinetes pedagógicos en Museos – Talleres de creación en instituciones y empresas públicas y privadas -Talleres de arteterapia – Actividades educativas de cooperación al desarrollo.

> Docente en los ámbitos de las Enseñanzas Regladas de Nivel Medio (mediante el Máster Universitario en profesorado de Educación Secundaria Obligatoria y Bachillerato y Formación Profesional. Especialidades: “Imagen, Diseño y Artes Plásticas” o “Ciencias Sociales”).

> Docente en el ámbito de las Enseñanzas Artísticas Regladas de Nivel Superior: Universidades y Escuelas Superiores públicas y privadas.

> Profesionales en otros ámbitos relacionados con las Bellas Artes: – Editor y redactor en publicaciones artísticas – Crítica de Arte – Comisariado de exposiciones – Participación en proyectos interdisciplinares de diversa índole (obras de ingeniería y edificación, desarrollos tecnológicos, instalaciones fabriles e industriales, intervención medioambiental, ordenación del territorio, Escenografía de teatro y publicidad, etc…)

(Fuente Universidad de Málaga)

También puedes ser autodidacta, estudiando por tu cuenta cursos especializados, formándote en el estudio-taller de un profesional o recurriendo a cualquier otra alternativa que te aporte conocimientos, técnicas, recursos y práctica del oficio.

Incluso teniendo un don especial, si no te formas adecuadamente y no eres constante en el trabajo no llegarás a desarrollar tu potencial.

Imprescindible la formación para ser artista


Una buena base es indispensable para desarrollar tu vocación artística y buscar tu propio camino como artista.

Desde temprana edad es primordial fomentar la creatividad de los niños.

El arte les facilita la comprensión de otras materias y les sirve para enfrentarse a diversas problemáticas en su desarrollo perceptivo y emocional.

Si tienen una predisposición a lo artístico, desde el ámbito familiar o educativo se les debe impulsar su talento para mantenerlo despierto. ( “La importancia del arte para los niños” ).

Por todo ello, es imprescindible la formación para que, de una u otra forma, puedas sentirte y ser artista.

Una vez consigas esta base, tienes que estar convencido que quieres dedicar tu vida a la creatividad porque, seamos sinceros, es un camino difícil y es fácil terminar desencantado.

Puedes planteártelo desde un punto de vista romántico o funcional, pero este oficio exige una búsqueda constante si quieres vivirlo con intensidad y tener claro dónde quieres llegar.

Es una apuesta a largo plazo y no todos están dispuestos a ejercer con rigor el recorrido.

Hay unos riesgos que se deben asumir y saberlos manejar para evitar que puedan crearte una cierta angustia en la cotidianidad de tu trabajo.

El artista nace o se hace

La creatividad no es un don genético


Ser artista es algo maravilloso porque eres capaz de crear y transformar la materia en una obra de arte, creando un espacio personal y mágico, a través de una sensibilidad enfocada a observar e interpretar el mundo.

Para conseguirlo necesitas recursos formativos que son la cimentación en la que vas a construir tu talento sea este innato o adquirido.

Como manifiesta David de Ugarte en ¿Arte sin artistas?: ”Toda persona puede aprender a manejar una técnica y convertir sus productos en significativos, en fuentes de inspiración o reflexión para los demás. La creatividad no es un «don» genético o divino que solo tendrían unos pocos, es una capacidad humana.”

Tómate tu tiempo para completar tu formación artística porque es la base sobre la que se sostendrá tu capacidad de resolución para expresar tu sensibilidad.

Además, esta educación debes renovarla y ampliarla continuamente para mantenerte activo y actualizado profesionalmente.

No tengas reparos en mostrar tu trabajo y valora la opinión de los demás hacia tu obra, aunque no todas las criticas te sean favorables.

Compara, analiza y observa el mundo que te rodea para nutrir tus aptitudes artísticas.

Visita museos y disfruta de los maestros observando sus aportaciones, investiga su técnica, sus recursos, sus pretensiones y ambiciones en cada una de sus obras.

Trabaja seleccionando entre lo que has descubierto de los demás para tamizarlo y hacerlo tuyo, aunque sea imitando la obra de algún maestro que admires especialmente.

La humildad de aprender de los demás


Con el tiempo, el trabajo continuo y la humildad de aprender de los demás encontrarás tu propio camino porque en su búsqueda habrás ido desechando lo que no te interesa e integrando en tu forma de trabajar influencias y aportaciones que se diluirán en un estilo propio.

De Juan Urrutia en el artículo que ha escrito sobre la película “Paterson”, de Jim Jarmusch, resalto el siguiente comentario:

“Nada es original. Roba de cualquier lado que resuene con inspiración o que impulse tu imaginación. Devora películas viejas, películas nuevas, música, libros, pinturas, fotografías, poemas, sueños, conversaciones aleatorias, arquitectura, puentes, señales de tránsito, árboles, nubes, masas de agua, luces y sombras. Selecciona sólo cosas para robar que hablen directamente a tu alma. Si haces esto, tu trabajo (y robo) será auténtico. La autenticidad es incalculable; la originalidad es inexistente. Y no te molestes en ocultar tu robo, celébralo si tienes ganas. En cualquier caso, siempre recuerda lo que dijo Jean-Luc Godard: «No es de donde sacas las cosas, es en donde las pones».

Comparte con otros artistas tus inquietudes que podáis tener en común con la finalidad de intercambiar, conocer e incluso compartir taller, exposición o tertulia.

Asiste a exposiciones para conocer y relacionarte con artistas, compradores e intermediarios de la cultura, para obtener reconocimiento artístico y que puedan interesarse por tu trabajo.

Introdúcete en el mundo del arte haciendo contactos paulatinamente, empezando por tu círculo más cercano.

Todos estos pasos que acabo de relatar forman parte de tu formación como artista.

Podrás haber nacido con un don especial por lo artístico o no, pero esto es solo una predisposición que unos pocos se benefician de ello y otros no.

Los que lo tienen son unos pocos afortunados, pero cualquier persona puede aprender y desarrollar la capacidad creativa si tiene vocación e interés en satisfacer sus anhelos artísticos.

Disfrutar de esta experiencia de una forma plena es la pretensión que tienen todos los que se sienten atraídos por el arte.

Conseguirlo o no es un reto al que será más fácil enfrentarse si se ha tenido una adecuada preparación profesional.

Quizás seas un genio o quizás no, que es lo más habitual.

La creatividad no está solo en la mente de los genios como un virtuosismo únicamente disponible para los más afortunados.

Crear y expresarse artísticamente es algo muy humano, porque es una capacidad innata que desarrollas socialmente en la necesidad de imaginar nuevos mundos o dotar a los ya existentes de nuevos significados.

En cualquier caso, en mayor o menor medida, debes prepararte, estudiar y convencerte de querer ser artista.

(Fotos de Kevin LamintoAlex Hockett en Unsplash)
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Acerca de Ramón S. Viñas, autor de este artículo:
En los últimos treinta años me he ganado la vida como artista. También he trabajado varios años en prensa y he dirigido una galería de arte. Ahora editando mi blog comparto mi experiencia con el fin de que pueda ser útil para otras personas que quieran conseguir su sueño de poder vivir del arte.

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¿Por qué se descrimina a la mujer en el arte?

¿Por qué se descrimina a la mujer en el arte?

¿Por qué se discrimina a la mujer en el arte ?.

Como coleccionista, ¿por qué prefieres adquirir obra de hombres y no de mujeres ?.

¿Por qué es mínima la presencia de obras de artistas femeninas en los museos del mundo?.

¿Por qué no se respeta la Ley de Igualdad en materia de cultura y arte?.

¿Por qué la Historia del Arte ha “borrado” a la mujer haciéndola invisible?

¿Por qué…? ¿Por qué…?

Por qué cuando el arte tendría que ser un terreno de vanguardia social, es todo lo contrario: es sexista, racista e impera el machismo dominante a su antojo, porque toda la Historia del Arte se ha escrito desde la desigualdad de género.

Artistas ignoradas por ser mujer


En el ostracismo de la historia han quedado numerosos nombres de mujeres artistas que destacaban por su obra como cualquier artista masculino y fueron víctimas de la discriminación sexista en el sistema del arte.

Hoy en día, el poder está en manos de los hombres y en materia de igualdad de reconocimiento y oportunidades para las mujeres artistas se ha avanzado poco.

Fue a mediados del siglo XIX, en una sociedad de moral burguesa dominante que relegaba a la mujer al ámbito familiar, cuando Laura Herford decidió acortar su nombre e inscribirse como hombre para poder ingresar en la Royal Academy de Londres.

Firmó su solicitud como L. Herford y la acompañó de unos dibujos de su autoría.

La inscripción fue admitida por la calidad de los dibujos que la acompañaban y cuando descubrieron que su autora era una mujer ya no pudieron rectificar su decisión.

Así fue como Laura Herford abrió el camino a otras mujeres para poder recibir formación académica.

Esta decisión que se tomó en su momento y que puede parecer una simple anécdota pone en evidencia la discriminación que sufrían, ya que se las juzgaba por el simple hecho de ser mujeres y no por su capacidad artística y la calidad de sus trabajos.

Entraron en la academia, pero no se les consideró nunca en igualdad a los hombres y las ningunearon permanentemente no tomándolas en serio y limitando su formación, ya que, por ejemplo, no podían trabajar con modelos al natural.

Como artistas no se les ha reconocido su trabajo y, en más de una ocasión, su obra ha sido apropiada o atribuida a algún artista masculino.

Relegadas a musas inspiradoras o modelos


Con la excepción de algunos casos puntuales, como el de Artemisia Gentileschiu, su presencia en el arte ha quedado relegada al mero papel de musa inspiradora para el hombre artista o como modelo de sus obras.

No ha sido hasta la década de los años sesenta del pasado siglo XX, gracias a las vanguardias y a los movimientos feministas, cuando a la mujer artista se le reconoce y se le otorga un rol aparentemente igual al del hombre artista, aunque hay que reconocer que el mundo del arte esta mayoritariamente regido por hombres en todos sus aspectos.

En la actualidad, sigue disfrutando un hombre del triple de posibilidades más que una mujer para acceder a premios y espacios expositivos públicos.

María José Magaña, presidenta de MAV (Mujeres en las Artes Visuales), reconoce que “algo está cambiando en los premios y reconocimientos, pero llegar a las cúpulas de poder es cuestión de mucho trabajo y tiempo”. (*)

A pesar de que en las facultades de Bellas Artes la mayoría del alumnado es femenino, no se percibe esta presencia en los jurados artísticos, ni en los cargos directivos de los museos e instituciones públicas.

En las galerías de arte, probablemente porque son de gestión privada, podría hacerse una excepción, ya que las mujeres tienen una relevancia destacada en la dirección y gestión.

Sin embargo, las artistas que participan en ferias de arte son minoría, prácticamente, inexistentes.

En la española ARCO más del 90% de los artistas participantes son hombres y la presencia de artistas mujeres queda relegada a un 8-10% como máximo en las ediciones que más han participado.

La actitud del coleccionista es también sexista porque, según los galeristas, se retrae a comprar una obra cuando se le informa que la firma una mujer.

Incluso ha ocurrido que cuadros que fueron atribuidos a un pintor cuando se descubre que los pintó una mujer se devalúan.

¿Acaso esta obra no tiene la misma calidad hoy que ayer, al margen de quien la firme?

mujeres discriminadas

La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en pleno, junto a los Reyes eméritos.¿Dónde están las mujeres?.Solo hay cinco académicas.

Mujeres discriminadas en museos e instituciones públicas


Según la encuesta que realizó el grupo de acción feminista Guerrilla Girls, solicitando la colaboración de museos, fundaciones, galerías y otras instituciones europeas, la media de arte femenino que figura en sus colecciones o se exhibe al público está solo alrededor del 20%.

En lo que se refiere a los museos españoles más importantes, solo el 13% de sus fondos lo integran obra de mujeres artistas.

En el Museo del Prado sólo hay obra de poco más de medio centenar de artistas frente a la de 5000 hombres, pero en exhibición sólo está la de cuatro artistas mujeres.

Mientras que más de la mitad del personal que trabaja en instituciones museísticas son mujeres, en lo que se refiere a cargos directivos se invierte esta cifra y son ocupados por varones (62%).

Los grandes poderes artísticos están en manos de los hombres y ha quedado patente en una foto en que se ve a la junta directiva de la Real Academia de San Fernando (todos varones) junto a los reyes eméritos.

De esta institución académica forman parte más de medio centenar de hombres y únicamente han conseguido el acceso cinco mujeres.

En el campo de la docencia está pasando lo mismo: el 70% de los estudiantes de Bellas Artes son féminas, mientras que tan solo consigue el 2% llegar al cargo de rectora.

Según el colectivo Guerrilla Girls, en el MET (Metropolitan Museum of Art) de Nueva York, el 85% de los desnudos que hay en las salas de arte moderno representan figuras femeninas.

Ante esta situación se preguntan: ¿Tienen las mujeres que desnudarse para entrar en el museo?.

Los estereotipos de género condicionan la igualdad de la mujer y la relegan a un plano secundario.

Al fin y al cabo, el arte es un reflejo de la sociedad, aunque en lugar de imitarla en sus comportamientos discriminatorios, debería más bien marcar la diferencia y ser un espacio donde predominara la igualdad de género.

La misoginia de grandes nombres del arte


La misoginia de algunos de los grandes nombres del arte ha contribuido a la cosificación de la mujer, al manifestar que “la mujer artista es sencillamente ridícula”, según Renoir.

Peor aún que manifestaciones de esta índole, ha sido la exclusión que ha realizado el poder machista “borrándolas” de los manuales y libros de Historia del Arte, a pesar de que algunas de ellas fueron reconocidas como excelentes artistas en su época.

Mientras el poder sea exclusivamente masculino, la mujer pasará por el arte como de “prestado” y negándoles la genialidad de su aportación.

Muy lentamente van ganando terreno cuando empoderan su reivindicación en comunidad y se agrupan en colectivos para defender sus derechos, como son las asociaciones MAV (Mujeres en las Artes Visuales), Clásicas y Modernas o Empoderarte.

Su labor es mantener la lucha y conseguir que la sociedad se conciencie de la marginación femenina en el mundo del arte.

Prevalece, sin embargo, un sentimiento de frustración al comprobar que en el siglo XXI en el arte las diferencias entre los sexos persisten y no existe un verdadero reconocimiento para las mujeres artistas.

Para terminar el artículo de hoy quiero hacerlo con unas preguntas para que puedas aportar tu opinión y compartirla en los comentarios un poco más abajo:

– ¿Hay en el mundo del arte más discriminación laboral que en otros sectores profesionales? .

– ¿Puedes nombrar alguna ventaja de ser una mujer artista?.

– ¿Se etiqueta al arte de la mujer siempre como “arte femenino”, sea cual sea su tendencia?.

– ¿Por qué se cotiza a la baja una obra por el mero hecho de haberla realizado una mujer?.

– ¿Qué piensas hacer tú o que consideras que haría falta para acabar con la discriminación en el mundo del arte?.

Gracias por vuestra colaboración.

Hay que seguir trabajando para que el arte no tenga sexo.

Un abrazo, Ramon’s

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mujeres discriminadas

Artemisia Gentileschi

mujeres discriminadas

Florine Stettheimer

mujeres discriminadas

Clara Peters

mujeres discriminadas

Georgia OKeeffe

mujeres discriminadas

Lee Krasner

mujeres discriminadas

Lenora Carrington

Algunas de las mujeres silenciadas por la historia


 Ende (España, siglo X), considerada la primera pintora de la historia, una copista de códices.

Hildegarda de Bingen (Alemania, 1098-1179), monja benedictina pionera en el campo de la música, la literatura y la pintura.

Lavinia Fontana (Bolonia, 1552-1614) pintora oficial de la Corte del Papa Clemente VIII y también trabajó para el Palacio Real de Madrid.

Sofonisba Anguissola (Italia, 1535- 1625),  única mujer cuyas obras se pueden ver en las colecciones del Prado.

Artemisia Gentileschi (Italia, 1593- 1654)​​,  su obra cayó en el más profundo olvido un siglo después de su muerte.

Clara Peters (Bélgica, 1594 -1657)​ pintora flamenca y primera mujer que expuso en el Museo del Prado.

Luisa Roldán (segunda mitad del XVII), hija del escultor sevillano Pedro Roldány más conocida como La Roldana.

Angélica Kauffman (Suisa-Austria 1741-1807) pintora suiza neoclásica que alcanzó una gran fama en el siglo XVIII.

Marie Loise Elisabeth Vigée Lebrun (Francia, 1755-1842) una de las retratistas más cotizadas en el siglo XVIII.

Berthe Morisot (Francia, 1841- 1895) figura clave del impresionismo y primera mujer que se unió al movimiento.

Mary Cassat (Estados Unidos, 1844-1926) pintora y grabadora norteamericana que se integró en el movimiento impresionista.

Marie Bracquemond (Francia, 1840 –1916) fué su esposo quien cortó sus alas de pintora y la recluyó en el hogar.

Camille Claudel (Francia, 1864- 1943), alumna y amante de Rodín, fue víctima de la envidia y machismo de la época.

Rosario Weiss (España, 1814-1843), ahijada y discípula de Goya, llegó a ingresar en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

Lluisa Vidal, (1876-1918) formó parte de la generación de artistas del modernismo catalán.

Frida Khalo, (México, 1908-1954)su pintura una búsqueda por ser honesta consigo misma.

Georgia O’Keeffe (Estados Unidos, 1887-1986), reconocida como la “madre del modernismo americano”.

Tamara de Lempicka (Polonia, 1898-1980), pintora de moda entre la burguesía y la nobleza, una avanzada para su época.

Sophie Taeuber Arp, (Suiza, 1889-1943), fue una figura central en uno de los movimientos de vanguardia (Dadá) más revolucionarios del siglo XX.

 Lenora Carrington, (Inglaterra, 1917- 2011​), mujer independiente capaz de destacar en  el surrealismo, significaba una anomalía que necesitaba ser reintegrada a la sociedad.

Lee Krasner (Estados Unidos, 1908-1984) fue una influyente artista del expresionismo abstracto en la segunda mitad del siglo XX.

Judith Keane (Estados Unidos, 1939-2017) , se pasaba los días pintando en casa y escondida mientras su marido disfrutaba de su éxito. 

Florine Stettheimer (Estados Unidos, 1871-1944) , la mujer que hizo el primer autorretrato desnuda de la historia del arte.

Maruja Mallo (España, 1902-1995), desterrada de los libros, fue una de las grandes surrealistas.

(Fuente:‘Eso no estaba en mi libro de Historia del Arte’, de Manuel Jesús Roldán”
y  “Grandes maestras. Mujeres en el arte occidental”, de Ángeles Caso)

Artículo 26.
La igualdad en el ámbito de la creación y producción artística e intelectual.


1. Las autoridades públicas, en el ámbito de sus competencias, velarán por hacer efectivo el principio de igualdad de trato y de oportunidades entre mujeres y hombres en todo lo concerniente a la creación y producción artística e intelectual y a la difusión de la misma.

2. Los distintos organismos, agencias, entes y demás estructuras de las administraciones públicas que de modo directo o indirecto configuren el sistema de gestión cultural, desarrollarán las siguientes actuaciones:

a) Adoptar iniciativas destinadas a favorecer la promoción específica de las mujeres en la cultura y a combatir su discriminación estructural y/o difusa.
b) Políticas activas de ayuda a la creación y producción artística e intelectual de autoría femenina, traducidas en incentivos de naturaleza económica, con el objeto de crear las condiciones para que se produzca una efectiva igualdad de oportunidades.
c) Promover la presencia equilibrada de mujeres y hombres en la oferta artística y cultural pública.
d) Que se respete y se garantice la representación equilibrada en los distintos órganos consultivos, científicos y de decisión existentes en el organigrama artístico y cultural.
e) Adoptar medidas de acción positiva a la creación y producción artística e intelectual de las mujeres, propiciando el intercambio cultural, intelectual y artístico, tanto nacional como internacional, y la suscripción de convenios con los organismos competentes.
f) En general y al amparo del artículo 11 de la presente Ley, todas las acciones positivas necesarias para corregir las situaciones de desigualdad en la producción y creación intelectual artística y cultural de las mujeres.

 

Acerca de Ramón S. Viñas, autor de este artículo:
En los últimos treinta años me he ganado la vida como artista. También he trabajado varios años en prensa y he dirigido una galería de arte. Ahora editando mi blog comparto mi experiencia con el fin de que pueda ser útil para otras personas que quieran conseguir su sueño de poder vivir del arte.

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Trabajar gratis, ¡NO! por amor al arte

Trabajar gratis, ¡NO! por amor al arte

Como artista, en algún momento, o con demasiada frecuencia, te habrás tenido que enfrentar a los que pretenden que tu trabajo les salga gratis.

Si les dices que vives de tu trabajo y que tienes que cobrar por ello seguro que no te toman en serio, porque entienden que lo haces porque te gusta y, si es así, puedes hacerlo sin cobrar o a bajo precio.

En el plano laboral, el artista suele estar infravalorado y socialmente la práctica del arte no se entiende como una profesión normalizada, como podría ser ejercer la abogacía o regentar un taller de mecánica.

Seguro que cuando decides ser artista, incluidos familiares y amigos, no te tomaron muy en serio o te aconsejaron que eligieras cualquier otra profesión que la sociedad considera más “formal” y estable.

La anécdota de un amigo: ”¿Dedicarte a la escultura?. Vale, pero será para los fines de semana y las vacaciones. ¿No pensarás dejar la oficina? Está muy bien como entretenimiento, pero ¿de qué vas a vivir?.”

Para la mayoría de la sociedad, el arte, en cualquiera de sus manifestaciones, es algo lúdico y una ocupación más romántica que real para tenerla como medio de vida.

Trabajar gratis, ¡nunca!


Hazte esta pregunta:”¿En que mal día empecé a aceptar hacer trabajos gratis y porque motivos?.

Seguro que te convencieron con la excusa de que ganarías con “visibilidad” y que sería muy relevante para tu currículum.

¡¿Qué visibilidad?!. Lo que quieres es que tu trabajo y esfuerzo sea pagado, como profesional que eres y porque te has tenido que hacer autónomo (esa es otra carga por la que tienes que cobrar),.

Como cualquier otro mortal el artista tiene facturas que pagar, obligaciones fiscales que cumplir, gastos de material que costear, inversión de tiempo, esfuerzo personal y unas cualidades que otros no tienen para desempeñar su trabajo.

Condiciones suficientes y más que válidas para que se respete su trabajo y no acepte bajo ningún concepto proposiciones de este estilo:  “pensaba que éramos amigos y no me cobrarías”, “te interesa hacer este trabajo, aunque sea gratis, por la difusión que tendrá”, “a ver si tienes un hueco y me diseñas el logotipo de la web”, “la exposición es para recaudar fondos y podrías regalarnos un cuadro”….

Existe la convicción de que los artistas viven del aire y por amor al arte, que son generosos, desprendidos, siempre dispuestos a regalar su obra, a colaborar altruistamente con todo tipo de iniciativas sociales o culturales, por una innata condición de filantropía.

Abundan las galerías que te ofrecen promoción a cambio de tu obra, concursos con premios simbólicos, ofertas que mejoraran tu curriculum a cambio de participar gratuitamente, colaboraciones sin cobrar en revistas o en ilustrar un libro.

Cada uno es libre de hacer lo que quiera con su tiempo, e incluso trabajar gratis, pero esta decisión convierte tu profesión en un campo abonado para que tus derechos como artista sean pisoteados y no se te tome en serio.

El trabajo dignifica y si, además, trabajas en lo que ha sido siempre tu vocación habrás conseguido tu máxima aspiración, siempre y cuando percibas una remuneración justa por ejercerlo.

Todo el mundo debe ser tratado como cliente


Desde el momento en que se trata de trabajo todo el mundo es cliente y no hay que trabajar gratis para nadie, incluido familiares, amigos o colegas.

Practicar esta norma no significa llevar a cabo un afán recaudatorio o una voracidad comercial sin límites, sino entender que trabajar gratis va en menoscabo de tu propio talento.

Con demasiada frecuencia, creativos del sector de las artes visuales son invitados a participar en proyectos en los que se juega con la precariedad del sector.

Se les solicita trabajos previos, bocetos, ideas sin pagar nada a cambio, porque saben que la oferta será amplia y lo hacen bajo la cobertura de una convocatoria concursal.

Son ofertas de trabajo especulativo que, probablemente, nunca se materialicen, pero a los que tú les dedicas tiempo y aportas tu capacidad para desarrollarlos, para que quien los haya convocado se beneficie de tu esfuerzo.

Proposición de colaborar que habitualmente escuchan los ilustradores: ”Ten en cuenta la publicidad que vas a tener si cada semana realizas una ilustración para la revista. No cobrarás, pero la difusión de tu obra será enorme… “

gratis no por amor al arteAl dar gratis o a bajo coste tu trabajo no solo te infravaloras como profesional, sino que siempre hay alguien que termina aprovechándose de tu trabajo.

La cultura se mantiene gracias a los creativos, pero quienes regulan su funcionamiento son los intermediarios, como compradores y vendedores, sin tener en cuenta que el artista es el que realiza la producción y, por ello, debería ser el protagonista más determinante.

La realidad en que vive queda reflejada en el estudio ‘La Actividad Económica de los/las Artistas en España’, que ha realizado la Universidad Antonio de Lebrija en la que queda patente la precariedad del sector.

Sólo el 15% de los artistas pueden vivir exclusivamente de su arte; para el 50% sus ganancias son inferiores al Salario Mínimo Interprofesional (SMI); el 32% mantiene una relación profesional con las galerías, pero solo un 3% manifiesta su satisfacción en esta relación comercial.

Son motivos más que relevantes para obtener con tu producción artística lo que consideras justo y no aceptar nada por debajo de tu tarificación o de ofertas de gratuidad por condicionamientos de amistad o a cambio de promoción, por ejemplo.

Firmeza para no malvender tu trabajo


En cualquier especialidad del arte, si trabajas por encargo siempre te encontrarás con clientes que ofertan a la baja, regateando el precio.

Te entra la duda y puedes llegar a pensar que si trabajaras con precios más bajos estos regateos no se producirían, pero la realidad es que pidas lo que pidas este tipo de clientela siempre actuará de la misma forma.

No dudes, mantente firme y defiende tu trabajo con precios realistas sin malvender tu arte.

El cliente debe implicarse en el proyecto que te encarga y si lo consigue a bajo precio lo infravalora y no se involucra cuando el esfuerzo económico que hace es mínimo.

Sin embargo, no por hacerle el trabajo barato dejará de exigir por su parte la mayor calidad.

Si tu trabajo es garantía de calidad debes obtener lo que consideres justo por él y el cliente debe aceptar tu presupuesto y condiciones de trabajo.

Alguna vez te habrán dicho: “Empieza a trabajar en ello, mientras vamos a ir buscando la forma de financiarlo y no te preocupes que esto se hace seguro”.

Acostumbra a negociar el cobro anticipado de un porcentaje, que puede oscilar entre un 30% a un 50%, del presupuesto por adelantado antes de empezar el encargo.

No seguir esta norma puede perjudicarte económicamente y perder en su totalidad el trabajo que hayas realizado.

Mientras estas inmerso en el encargo puede ocurrir que el cliente cambie de idea, anule el compromiso, introduzca modificaciones no previstas o cualquier otra causa de fuerza mayor que no permita seguir adelante.

Si no has cobrado nada anticipadamente, lo más probable es que hayas perdido el tiempo y el dinero.

Excepciones para regalar tu arte


A la hora de trabajar gratis (o casi gratis) para alguien o por alguna causa hay que hacerlo con cuentagotas y sólo en situaciones  muy especiales.

Los únicos trabajos gratis que debes estar dispuesto a hacer son los que tu hayas decidido personalmente o hayas buscado, pero que nadie te ha pedido.

Son aquellas situaciones en las que tú puedes estar implicado en alguna causa por la que crees que debes colaborar y porque lo haces con la aportación desinteresada de tu trabajo creativo.

Tu obra es algo muy especial para ti y te desprendes de ella altruistamente solo en contadas ocasiones y por motivos muy personales.

No porque te la pidan.

La cuestión está en saber diferenciar que no es lo mismo trabajar gratis para que se beneficien los demás o hacerlo para que revierta en beneficio propio.

Intromisiones no deseables: hobby vs profesión


Expresarse a través del arte es la posibilidad que tiene el artista para exteriorizar sus emociones.

La creatividad permite a una persona satisfacer su necesidad de expresar y materializar sus ideas.

Esta actividad puede ejercerse como hobby o ser tu profesión en cualquiera de sus múltiples manifestaciones.

Si se convierte en tu medio de vida te ves en la obligación de rentabilizarla económicamente.

Por el contrario, si es solo una afición tienes la libertad de poder beneficiarte de las ventajas emocionales que te aporta, sin preocuparte si será o no rentable.

Como aficionado, al no tener que vivir de tu obra puedes disponer de ella como consideres más oportuno y ocupar tu tiempo libre en la actividad que más te satisface.

No es conveniente que malvendas o que aceptes ofertas a bajo coste por el simple afán de visibilidad o protagonismo.

Puedes limitarte a almacenarla para tu disfrute propio, regalarla, venderla o deshacerte de ella si no te satisface.

Nadie te va a coartar tu libertad de hacer lo que quieras con tu obra, pero es bueno que tengas en consideración que según actúes puedes perjudicar indirectamente al artista que sí vive de ella.

El profesional que está legalmente constituido tiene la obligación de hacer frente a unos gastos ineludibles que no tiene el que practica el arte como afición o por necesidad personal de expresarse a través de él.

La comercialización de su obra que hace el aficionado, por ejercer temporalmente, o el creativo que trabaja en una circunstancia de economía sumergida perjudican directamente al profesional.

Conociendo esta debilidad del panorama de las artes visuales, se ofertan encargos “low cost” a los que se apuntan muchos aficionados, pseudoartistas o malos profesionales que con una preparación mínima osan aceptar estos trabajos, perjudicando profesionalmente al sector.

No es cuestión de ponerle puertas al campo del arte, pero si es conveniente respetar una normativa no escrita, pero necesaria para convivir dignamente en el mismo espacio.

Lamentablemente, el sector del arte es algo excepcional cuando se trata de derechos laborales y de un justo reconocimiento profesional.

Hay que combatir todas estas situaciones adversas que menoscaban la supervivencia del profesional creativo para cambiar esa sensación de inestabilidad profesional y económica que embarga su vida.

El artista, cualquiera que sea el área en que desempeñe su creatividad, debe cohesionar un status profesional indiscutible y vigoroso en el que no pueda caber ninguna de estas proposiciones inaceptables de trabajo gratis o de bajo coste, pretensiones demasiado frecuentes y arraigadas en la sociedad.

Aprende desde hoy mismo a decir “no” y elimina de tu cabeza la idea de “trabajar gratis”, porque ese no es el camino adecuado para obtener clientes.

Todo lo contrario: es la manera de alejarlos e iniciarte en un círculo vicioso que marcará tu futuro.

[Fotografía de Pixabay]
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PROYECTO #NOPORAMORALARTE


El proyecto #NOPORAMORALARTE surge como reconocimiento y apoyo al trabajo de los artistas. Se trata de una iniciativa social para apoyar el trabajo de los artistas plásticos, fotógrafos, actores, escritores, ilustradores, diseñadores… Muchos de los profesionales del arte y la cultura no cuentan con el apoyo profesional y económico que debería existir, como en cualquier otro sector. Y muchas veces tienen que trabajar por amor al arte.

La camiseta #NOPORAMORALARTE se fundamenta en el diseño de una camiseta con un lema de apoyo a este sector, que afirme “NO TRABAJO POR AMOR AL ARTE”. El dinero recaudado por su venta será invertido en proyectos artísticos donde todos los agentes implicados cobrarán lo estipulado, como en cualquier trabajo (algo no usual en el mundo del arte y la cultura).

#NOPORAMORALARTE es un proyecto de PAC Plataforma de Arte Contemporáneo, que cuenta con la colaboración de Swinton & Grant.

+INFO

Acerca de Ramón S. Viñas, autor de este artículo:
En los últimos treinta años me he ganado la vida como artista. También he trabajado varios años en prensa y he dirigido una galería de arte. Ahora editando mi blog comparto mi experiencia con el fin de que pueda ser útil para otras personas que quieran conseguir su sueño de poder vivir del arte.

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Por “amor al arte” seré también empresario, además de artista

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Es evidente, tienes que ser artista y empresario a la vez para poder subsistir exclusivamente de tu producción.

“Por amor al arte” eres artista, pero por “amor a sobrevivir” debes saber gestionarte como empresario.

Es posible que tu ambición como artista se centre solo en crear y disfrutar del enriquecedor proceso que requiere la realización de toda obra artística, tanto a nivel técnico y expresivo.

Eso está muy bien, porque es muy gratificante a nivel personal.

Pero, la realidad es muy distinta si quieres dedicarte plenamente a tu arte.

Al valor añadido de crear la obra, hay que añadir el aspecto comercial de la venta.

Habrás tenido una buena formación académica desde el punto de vista artístico, pero ¿te has formado o te han orientado en Bellas Artes en la realidad del mercado para comercializar tu trabajo?.

Lo más probable es que no. Quizás algunas notas o recursos aislados, que no te garantizan el poder vivir de tu arte.

Sólo si tienes resuelta la parte económica de tu vida puedes dedicarte con tranquilidad a la plena producción de tu obra.

Cuando decides vivir y mantenerte de tu labor artística, tienes que acomodar tus tiempos a producir y gestionar tu empresa como hábitos normales en tu rutina diaria.

Hoy día, como artista debes saber cómo autogestionarte en solitario o, si lo prefieres, hacerlo en grupo creando proyectos alternativos.

Dedicarte plenamente a tu carrera artística requiere de autoestima, constancia y determinación para conseguir el objetivo que te hayas propuesto.

Cuando comercializas tu trabajo, en una sociedad como la nuestra, estás sujeto a la oferta y a la demanda del mercado.

Tienes que intervenir activamente en la comercialización o marketing de tu obra para crear demanda.

No vale solo la oferta por muy original y de calidad artística que sea.

Cualquiera que sea la condición del artista, sea emergente o consagrado, lo más normal es que aspire a mantenerse económicamente con el trabajo de su vocación artística.

La opción para comercializar su producción suele ser el circuito de las galerías o salas institucionales, aunque siempre ha sido difícil el acceso para artistas emergentes.

Las galerías gestionan, promocionan, venden e influyen en la compra de determinadas firmas.

Siempre han sido las galerías de arte las que han intermediado entre el artista y el coleccionista, pero hoy día este modelo de venta está algo caduco y no debes centrar toda tu atención en este sector.

La estructura del mercado del arte está cambiando y no todos los artistas tienen la oportunidad de trabajar con galerías solventes que estén decididas a ocuparse de su producción.

En estos casos el artista debe aprender a desenvolverse por sí mismo y aceptar la gestión de promoción y de marketing.

Debe tener en cuenta los contextos en los que se desarrolla el arte actualmente y sus cambios en las estructuras del mercado, producción, promoción y difusión.

Llegados a este punto cada artista comercializará de una manera u otra su obra, según sus preferencias personales o condicionado por el entorno en que se desenvuelve.

«Ningún gran artista ve las cosas como son en realidad y si lo hiciera, dejaría de ser artista».

Oscar Wilde.

Artista y empresario

Un tiempo para ser artista y otro para actuar como empresario


Diariamente deberías dedicarle 2-3 horas a trabajos de gestión y promoción relacionados con tu trabajo artístico.

No solo se trata de dedicarle tiempo a la producción, aunque sea lo que más te guste, sino también de encontrar tiempo para comercializar tu obra y ocuparte en tareas como:

– Buscar espacios donde exponerla.

– Saber poner un precio razonado a cada pieza de tu producción. (ver artículo “Aprende como poner un precio justo a tu trabajo”)

– Administrar tus recursos económicos (gastos, facturación, compras, materiales, ventas…).

– Documentarte sobre los agentes del mercado con los que quieras relacionarte. (galerías, intermediarios, art dealers… )

– Asistir a actos artísticos-culturales como medio de relacionarte y de adquirir información.

– Diseño de material propio de promoción. (portfolios, folletos, carteles, tarjetas…).

– Mantener al día el correo físico y correo electrónico.

– Embalar y tramitar el envío de obras vendidas.

– Preparar y organizar las piezas para la próxima exposición.

– Mantener actualizada tu presencia online, bien sea un blog, web-galeria o redes sociales.

-… y actuar socialmente siempre como el mejor relaciones públicas de tu trabajo.

 

Saber vender tu marca personal


Si tomamos como ejemplo una de las firmas más controvertidas del arte contemporáneo para comprender lo importante que es para el artista saber vender su marca personal, tenemos que referirnos a Demian Hirst.

Con una obra muy polémica ha sabido promocionarse y cautivar a los coleccionistas de un mercado del arte sediento de espectáculo, con mucho dinero y sin saber muy bien en que invertirlo.

Hirst se ha convertido en el artista vivo más rico del Reino Unido.

Aunque en la década de los años 90 su carrera estuvo estrechamente vinculada con el galerista y coleccionista Charles Saachi, Hirst se convirtió en su propio agente, ignoró a las galerías y presentó una colección entera a subasta en Sotheby’s, superando todas las previsiones de venta.

No digo que tenga que ser Demien Hirst el ejemplo a seguir, pero si nos sirve como muestra de que, en un mercado tan voluble y competitivo, es muy importante la gestión que se tiene que hacer fuera del estudio-taller.

Otro artista que sobresale por su éxito de ventas con una estrategia de mercado distinta al caso de Demien Hirst, es Yuri Zatarain, artista plástico mexicano.

Demostró que la clave para entrar y ganar en el mundo de los negocios, sin importar el giro en el que te desenvuelves, es saber vender.

Según publica entrepreneur.com :“hizo del arte un negocio sin perder la esencia de su obra. El pintor y escultor emplea a más de 140 personas, vende más de 400 cuadros originales por año y 1.500 piezas de arte-objeto a la semana. El secreto: crecer sin perder el equilibrio entre la exclusividad y la producción en serie.

Si como artista juegas bien tus cartas de empresario y arropado por la calidad de tu obra, llegarás a tocar el éxito antes de lo que esperabas.

La figura del mecenas es cosa del pasado y no puedes esperar a que llame a tu puerta interesado por tu obra.

Por eso, no debes desentenderte de las tareas de relaciones públicas, contacto con compradores, ofertas a galerías, negociaciones con clientes, etcétera.

El camino está en la autogestión y como afirma Paco Rentería: “El artista que quiera triunfar debe aprender a verse a sí mismo como un producto y promoverse”.

Como trabajador creativo transmites a través de tu obra belleza, estética y arte, pero sobre todo imaginación y esta es la mejor baza que debes saber jugar cuando te toca interpretar el papel de empresario.

Sé imaginativo e innovador y como empresario toma en cuenta las necesidades y preferencias de tus clientes, aportando creatividad e ideas frescas, como si estuvieras trabajando en la realización de tu mejor obra.

 

Comparte proyectos artísticos en colectividad


Es posible que, en lugar de hacerlo solo, prefieras afrontar el reto de gestionar tu carrera artística en compañía de otros profesionales creativos.

Trabajar en grupo o compartir espacio con otros compañeros puede ser una alternativa empresarial que prefieras en lugar de comercializar individualmente tu obra.

Los espacios alternativos gestionados por los propios artistas tienen un gran potencial para la creación de redes de trabajo a nivel nacional e internacional.

Desde el punto de vista del artista, estos ámbitos independientes de creación ofrecen una gran libertad creativa, agilidad de gestión, capacidad para asumir riesgos, independencia de los resultados económicos de los proyectos, y una relación inmediata del público con la obra.

Se trata de reunirse personas de diversos campos de la creación (ilustradores, fotógrafos, pintores, artesanos, escultores, diseñadores…) que tienen unas necesidades de gestión similares y deciden compartir los espacios donde producir, difundir y comercializar su trabajo.

El mundo del arte está cambiando, tanto en su estructura comercial como en la aparición de nuevas modalidades artísticas, y el rol del artista ahora es otro al que tradicionalmente conocíamos.

El artista tiene que ganarse la vida con su trabajo igual que los profesionales autónomos de otras especialidades y ello significa tener que actuar también empresarialmente.

En la relación con la Administración, un artista-empresario para afrontar el reto emprendedor se puede constituir como autónomo, como una S.L. Unipersonal, como una cooperativa, etc.

Si legalizas tu situación laboral y estás al corriente con la Seguridad Social, contribuyes a tu jubilación.

Tendrás derecho a ayudas o subvenciones de tu comunidad, a seguro médico, facilidad en entidades bancarias para pedir préstamos personales, hipoteca, comprar con tarjetas, ya que tu dinero es ganado y declarado legalmente, etcétera.

Artista y empresario

Debes documentar la venta de tus obras


Es eficaz documentar todas las obras que vendas acompañándolas de factura, certificado de autenticidad, historial artístico y dossier de prensa.

La factura es conveniente tramitarla, no solo por tus obligaciones fiscales, sino también como documento de propiedad para el cliente.

El Certificado de Autenticidad describe la obra y redactarlo convenientemente te da una mejor imagen profesional.

Tu historial artístico puede acompañar al dossier de prensa que incluyas en la documentación que le facilites al cliente, porque es información prestigia tu trabajo.

 

– Facturas

En la factura deben figurar tus datos fiscales: nombre, dirección, teléfono, número de identificación fiscal (NIF) y también los datos del cliente a nombre del cual debes facturar.

También puede figurar una referencia de tus Derechos de Autor sobre la obra.

Debes firmar la facturar e invitarle al cliente que la firme también, con lo cual queda reconocido por ambas partes los términos en que se lleva a cabo el compromiso de compra-venta.

Si eres pintor, ceramista, grabador, fotógrafo o escultor, por ejemplo, cada vez que vendas una obra debes de hacer una factura legal y aplicar el IVA correspondiente.

Si vendes directamente la obra a un comprador en tu estudio el IVA que corresponde aplicar (en España) es del 10% (el reducido), si la vendes a través de un tercero (una galería, por ejemplo) el IVA que hay que aplicar es del 21%.

Los intermediarios o revendedores de tu obra te compraran por un tipo impositivo reducido del 10%, pero en la reventa de la misma obra se debe aplicar el tipo imponible general del 21%. (Ver artículo:”Como artista, ¿me hago autónomo o sigo en la economía sumergida?”).

 

– Certificado de Autenticidad

Acompaña todas tus obras, sean piezas únicas o de edición, con un Certificado de Autenticidad para legitimarlas y añadir un plus identidad personal.

Este certificado no será nunca una cesión de derechos de autor o de la propiedad intelectual.

La información que contiene un Certificado de Autenticidad se limita a la identificación de la obra que figura en el mismo con los siguientes datos:

– Título de la obra.

– Foto de la obra (opcional).

– Nombre del autor

– Materiales utilizados.

– Medidas.

– Fecha en que se realizó.

– Texto descriptivo y certificando los datos aportados.

-Firma del artista y sello.

 

– Material de prensa: Criticas y Exposiciones. Historial Artístico.

Seguro que a cualquier coleccionista le gusta tener su compra bien documentada y le encantará si le facilitas un dossier de prensa con las entrevistas, artículos y críticas que hacen referencia a tu trayectoria artística.

Por supuesto, tu curriculum es conveniente que lo añadas porque refleja tu historia profesional: exposiciones, concursos, publicaciones, ferias, etcétera.

De todos estos materiales debes disponer de varias copias y mantenerlos siempre actualizados.

No solo los debes incluirlos en la documentación de los trabajos vendidos, sino también facilitárselos a las personas que formalmente se interesen por tu obra.

En resumen, tienes que actuar como artista y como empresario a pleno rendimiento e insistir una y otra vez hasta que, poco a poco, se te vayan abriendo puertas, porque sabes que lo que haces tiene un valor personal y porque también enriquece culturalmente a la sociedad.

Como creativo te sobra imaginación y debes ejercerla también para la promoción y venta, con el fin de conseguir la meta que te hayas propuesto sin depender de intermediarios.

El mercado del arte y sus gestores están “moviéndose” y debes estar alerta para el cambio.

Hasta la próxima semana

Un abrazo, Ramon’s.

(Fotos de Pexels.com y Unplash.com)

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Acerca de Ramón S. Viñas, autor de este artículo:
En los últimos treinta años me he ganado la vida como artista. También he trabajado varios años en prensa y he dirigido una galería de arte. Ahora editando mi blog comparto mi experiencia con el fin de que pueda ser útil para otras personas que quieran conseguir su sueño de poder vivir del arte.

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Aprenderás a utilizar los bolígrafos de colores para realizar dibujos increíbles con trazos que podrían equipararse al de un grabado clásico. Para ello, partirás de una fotografía y utilizando técnicas analógicas y digitales, descubrirás, de forma intuitiva y sencilla, como convertirla en una ilustración que, posteriormente, transformarás en un arte final editorial.

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Fotografía de desnudo artístico

 

 

El trabajo de Rebeca Saray –fotógrafa y retocadora– se caracteriza por mezclar el universo onírico con escenas más realistas gracias a la edición digital, que dan lugar a imágenes llenas de fantasía. Su objetivo es el de transportar al espectador a mundos mágicos contando historias de una forma visual.

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