Trabajar gratis, ¡NO! por amor al arte

Trabajar gratis, ¡NO! por amor al arte

Como artista, en algún momento, o con demasiada frecuencia, te habrás tenido que enfrentar a los que pretenden que tu trabajo les salga gratis.

Si les dices que vives de tu trabajo y que tienes que cobrar por ello seguro que no te toman en serio, porque entienden que lo haces porque te gusta y, si es así, puedes hacerlo sin cobrar o a bajo precio.

En el plano laboral, el artista suele estar infravalorado y socialmente la práctica del arte no se entiende como una profesión normalizada, como podría ser ejercer la abogacía o regentar un taller de mecánica.

Seguro que cuando decides ser artista, incluidos familiares y amigos, no te tomaron muy en serio o te aconsejaron que eligieras cualquier otra profesión que la sociedad considera más “formal” y estable.

La anécdota de un amigo: ”¿Dedicarte a la escultura?. Vale, pero será para los fines de semana y las vacaciones. ¿No pensarás dejar la oficina? Está muy bien como entretenimiento, pero ¿de qué vas a vivir?.”

Para la mayoría de la sociedad, el arte, en cualquiera de sus manifestaciones, es algo lúdico y una ocupación más romántica que real para tenerla como medio de vida.

Trabajar gratis, ¡nunca!


Hazte esta pregunta:”¿En que mal día empecé a aceptar hacer trabajos gratis y porque motivos?.

Seguro que te convencieron con la excusa de que ganarías con “visibilidad” y que sería muy relevante para tu currículum.

¡¿Qué visibilidad?!. Lo que quieres es que tu trabajo y esfuerzo sea pagado, como profesional que eres y porque te has tenido que hacer autónomo (esa es otra carga por la que tienes que cobrar),.

Como cualquier otro mortal el artista tiene facturas que pagar, obligaciones fiscales que cumplir, gastos de material que costear, inversión de tiempo, esfuerzo personal y unas cualidades que otros no tienen para desempeñar su trabajo.

Condiciones suficientes y más que válidas para que se respete su trabajo y no acepte bajo ningún concepto proposiciones de este estilo:  “pensaba que éramos amigos y no me cobrarías”, “te interesa hacer este trabajo, aunque sea gratis, por la difusión que tendrá”, “a ver si tienes un hueco y me diseñas el logotipo de la web”, “la exposición es para recaudar fondos y podrías regalarnos un cuadro”….

Existe la convicción de que los artistas viven del aire y por amor al arte, que son generosos, desprendidos, siempre dispuestos a regalar su obra, a colaborar altruistamente con todo tipo de iniciativas sociales o culturales, por una innata condición de filantropía.

Abundan las galerías que te ofrecen promoción a cambio de tu obra, concursos con premios simbólicos, ofertas que mejoraran tu curriculum a cambio de participar gratuitamente, colaboraciones sin cobrar en revistas o en ilustrar un libro.

Cada uno es libre de hacer lo que quiera con su tiempo, e incluso trabajar gratis, pero esta decisión convierte tu profesión en un campo abonado para que tus derechos como artista sean pisoteados y no se te tome en serio.

El trabajo dignifica y si, además, trabajas en lo que ha sido siempre tu vocación habrás conseguido tu máxima aspiración, siempre y cuando percibas una remuneración justa por ejercerlo.

Todo el mundo debe ser tratado como cliente


Desde el momento en que se trata de trabajo todo el mundo es cliente y no hay que trabajar gratis para nadie, incluido familiares, amigos o colegas.

Practicar esta norma no significa llevar a cabo un afán recaudatorio o una voracidad comercial sin límites, sino entender que trabajar gratis va en menoscabo de tu propio talento.

Con demasiada frecuencia, creativos del sector de las artes visuales son invitados a participar en proyectos en los que se juega con la precariedad del sector.

Se les solicita trabajos previos, bocetos, ideas sin pagar nada a cambio, porque saben que la oferta será amplia y lo hacen bajo la cobertura de una convocatoria concursal.

Son ofertas de trabajo especulativo que, probablemente, nunca se materialicen, pero a los que tú les dedicas tiempo y aportas tu capacidad para desarrollarlos, para que quien los haya convocado se beneficie de tu esfuerzo.

Proposición de colaborar que habitualmente escuchan los ilustradores: ”Ten en cuenta la publicidad que vas a tener si cada semana realizas una ilustración para la revista. No cobrarás, pero la difusión de tu obra será enorme… “

gratis no por amor al arteAl dar gratis o a bajo coste tu trabajo no solo te infravaloras como profesional, sino que siempre hay alguien que termina aprovechándose de tu trabajo.

La cultura se mantiene gracias a los creativos, pero quienes regulan su funcionamiento son los intermediarios, como compradores y vendedores, sin tener en cuenta que el artista es el que realiza la producción y, por ello, debería ser el protagonista más determinante.

La realidad en que vive queda reflejada en el estudio ‘La Actividad Económica de los/las Artistas en España’, que ha realizado la Universidad Antonio de Lebrija en la que queda patente la precariedad del sector.

Sólo el 15% de los artistas pueden vivir exclusivamente de su arte; para el 50% sus ganancias son inferiores al Salario Mínimo Interprofesional (SMI); el 32% mantiene una relación profesional con las galerías, pero solo un 3% manifiesta su satisfacción en esta relación comercial.

Son motivos más que relevantes para obtener con tu producción artística lo que consideras justo y no aceptar nada por debajo de tu tarificación o de ofertas de gratuidad por condicionamientos de amistad o a cambio de promoción, por ejemplo.

Firmeza para no malvender tu trabajo


En cualquier especialidad del arte, si trabajas por encargo siempre te encontrarás con clientes que ofertan a la baja, regateando el precio.

Te entra la duda y puedes llegar a pensar que si trabajaras con precios más bajos estos regateos no se producirían, pero la realidad es que pidas lo que pidas este tipo de clientela siempre actuará de la misma forma.

No dudes, mantente firme y defiende tu trabajo con precios realistas sin malvender tu arte.

El cliente debe implicarse en el proyecto que te encarga y si lo consigue a bajo precio lo infravalora y no se involucra cuando el esfuerzo económico que hace es mínimo.

Sin embargo, no por hacerle el trabajo barato dejará de exigir por su parte la mayor calidad.

Si tu trabajo es garantía de calidad debes obtener lo que consideres justo por él y el cliente debe aceptar tu presupuesto y condiciones de trabajo.

Alguna vez te habrán dicho: “Empieza a trabajar en ello, mientras vamos a ir buscando la forma de financiarlo y no te preocupes que esto se hace seguro”.

Acostumbra a negociar el cobro anticipado de un porcentaje, que puede oscilar entre un 30% a un 50%, del presupuesto por adelantado antes de empezar el encargo.

No seguir esta norma puede perjudicarte económicamente y perder en su totalidad el trabajo que hayas realizado.

Mientras estas inmerso en el encargo puede ocurrir que el cliente cambie de idea, anule el compromiso, introduzca modificaciones no previstas o cualquier otra causa de fuerza mayor que no permita seguir adelante.

Si no has cobrado nada anticipadamente, lo más probable es que hayas perdido el tiempo y el dinero.

Excepciones para regalar tu arte


A la hora de trabajar gratis (o casi gratis) para alguien o por alguna causa hay que hacerlo con cuentagotas y sólo en situaciones  muy especiales.

Los únicos trabajos gratis que debes estar dispuesto a hacer son los que tu hayas decidido personalmente o hayas buscado, pero que nadie te ha pedido.

Son aquellas situaciones en las que tú puedes estar implicado en alguna causa por la que crees que debes colaborar y porque lo haces con la aportación desinteresada de tu trabajo creativo.

Tu obra es algo muy especial para ti y te desprendes de ella altruistamente solo en contadas ocasiones y por motivos muy personales.

No porque te la pidan.

La cuestión está en saber diferenciar que no es lo mismo trabajar gratis para que se beneficien los demás o hacerlo para que revierta en beneficio propio.

Intromisiones no deseables: hobby vs profesión


Expresarse a través del arte es la posibilidad que tiene el artista para exteriorizar sus emociones.

La creatividad permite a una persona satisfacer su necesidad de expresar y materializar sus ideas.

Esta actividad puede ejercerse como hobby o ser tu profesión en cualquiera de sus múltiples manifestaciones.

Si se convierte en tu medio de vida te ves en la obligación de rentabilizarla económicamente.

Por el contrario, si es solo una afición tienes la libertad de poder beneficiarte de las ventajas emocionales que te aporta, sin preocuparte si será o no rentable.

Como aficionado, al no tener que vivir de tu obra puedes disponer de ella como consideres más oportuno y ocupar tu tiempo libre en la actividad que más te satisface.

No es conveniente que malvendas o que aceptes ofertas a bajo coste por el simple afán de visibilidad o protagonismo.

Puedes limitarte a almacenarla para tu disfrute propio, regalarla, venderla o deshacerte de ella si no te satisface.

Nadie te va a coartar tu libertad de hacer lo que quieras con tu obra, pero es bueno que tengas en consideración que según actúes puedes perjudicar indirectamente al artista que sí vive de ella.

El profesional que está legalmente constituido tiene la obligación de hacer frente a unos gastos ineludibles que no tiene el que practica el arte como afición o por necesidad personal de expresarse a través de él.

La comercialización de su obra que hace el aficionado, por ejercer temporalmente, o el creativo que trabaja en una circunstancia de economía sumergida perjudican directamente al profesional.

Conociendo esta debilidad del panorama de las artes visuales, se ofertan encargos “low cost” a los que se apuntan muchos aficionados, pseudoartistas o malos profesionales que con una preparación mínima osan aceptar estos trabajos, perjudicando profesionalmente al sector.

No es cuestión de ponerle puertas al campo del arte, pero si es conveniente respetar una normativa no escrita, pero necesaria para convivir dignamente en el mismo espacio.

Lamentablemente, el sector del arte es algo excepcional cuando se trata de derechos laborales y de un justo reconocimiento profesional.

Hay que combatir todas estas situaciones adversas que menoscaban la supervivencia del profesional creativo para cambiar esa sensación de inestabilidad profesional y económica que embarga su vida.

El artista, cualquiera que sea el área en que desempeñe su creatividad, debe cohesionar un status profesional indiscutible y vigoroso en el que no pueda caber ninguna de estas proposiciones inaceptables de trabajo gratis o de bajo coste, pretensiones demasiado frecuentes y arraigadas en la sociedad.

Aprende desde hoy mismo a decir “no” y elimina de tu cabeza la idea de “trabajar gratis”, porque ese no es el camino adecuado para obtener clientes.

Todo lo contrario: es la manera de alejarlos e iniciarte en un círculo vicioso que marcará tu futuro.

[Fotografía de Pixabay]
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PROYECTO #NOPORAMORALARTE


El proyecto #NOPORAMORALARTE surge como reconocimiento y apoyo al trabajo de los artistas. Se trata de una iniciativa social para apoyar el trabajo de los artistas plásticos, fotógrafos, actores, escritores, ilustradores, diseñadores… Muchos de los profesionales del arte y la cultura no cuentan con el apoyo profesional y económico que debería existir, como en cualquier otro sector. Y muchas veces tienen que trabajar por amor al arte.

La camiseta #NOPORAMORALARTE se fundamenta en el diseño de una camiseta con un lema de apoyo a este sector, que afirme “NO TRABAJO POR AMOR AL ARTE”. El dinero recaudado por su venta será invertido en proyectos artísticos donde todos los agentes implicados cobrarán lo estipulado, como en cualquier trabajo (algo no usual en el mundo del arte y la cultura).

#NOPORAMORALARTE es un proyecto de PAC Plataforma de Arte Contemporáneo, que cuenta con la colaboración de Swinton & Grant.

+INFO

Acerca de Ramon's, autor de este artículo:
En los últimos treinta años me he ganado la vida como artista. También he trabajado varios años en prensa y he dirigido una galería de arte. Ahora editando mi blog comparto mi experiencia con el fin de que pueda ser útil para otras personas que quieran conseguir su sueño de poder vivir del arte.

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Por “amor al arte” seré también empresario, además de artista

Por “amor al arte” seré también empresario, además de artista

Es evidente, tienes que ser artista y empresario a la vez para poder subsistir exclusivamente de tu producción.

“Por amor al arte” eres artista, pero por “amor a sobrevivir” debes saber gestionarte como empresario.

Es posible que tu ambición como artista se centre solo en crear y disfrutar del enriquecedor proceso que requiere la realización de toda obra artística, tanto a nivel técnico y expresivo.

Eso está muy bien, porque es muy gratificante a nivel personal.

Pero, la realidad es muy distinta si quieres dedicarte plenamente a tu arte.

Al valor añadido de crear la obra, hay que añadir el aspecto comercial de la venta.

Habrás tenido una buena formación académica desde el punto de vista artístico, pero ¿te has formado o te han orientado en Bellas Artes en la realidad del mercado para comercializar tu trabajo?.

Lo más probable es que no. Quizás algunas notas o recursos aislados, que no te garantizan el poder vivir de tu arte.

Sólo si tienes resuelta la parte económica de tu vida puedes dedicarte con tranquilidad a la plena producción de tu obra.

Cuando decides vivir y mantenerte de tu labor artística, tienes que acomodar tus tiempos a producir y gestionar tu empresa como hábitos normales en tu rutina diaria.

Hoy día, como artista debes saber cómo autogestionarte en solitario o, si lo prefieres, hacerlo en grupo creando proyectos alternativos.

Dedicarte plenamente a tu carrera artística requiere de autoestima, constancia y determinación para conseguir el objetivo que te hayas propuesto.

Cuando comercializas tu trabajo, en una sociedad como la nuestra, estás sujeto a la oferta y a la demanda del mercado.

Tienes que intervenir activamente en la comercialización o marketing de tu obra para crear demanda.

No vale solo la oferta por muy original y de calidad artística que sea.

Cualquiera que sea la condición del artista, sea emergente o consagrado, lo más normal es que aspire a mantenerse económicamente con el trabajo de su vocación artística.

La opción para comercializar su producción suele ser el circuito de las galerías o salas institucionales, aunque siempre ha sido difícil el acceso para artistas emergentes.

Las galerías gestionan, promocionan, venden e influyen en la compra de determinadas firmas.

Siempre han sido las galerías de arte las que han intermediado entre el artista y el coleccionista, pero hoy día este modelo de venta está algo caduco y no debes centrar toda tu atención en este sector.

La estructura del mercado del arte está cambiando y no todos los artistas tienen la oportunidad de trabajar con galerías solventes que estén decididas a ocuparse de su producción.

En estos casos el artista debe aprender a desenvolverse por sí mismo y aceptar la gestión de promoción y de marketing.

Debe tener en cuenta los contextos en los que se desarrolla el arte actualmente y sus cambios en las estructuras del mercado, producción, promoción y difusión.

Llegados a este punto cada artista comercializará de una manera u otra su obra, según sus preferencias personales o condicionado por el entorno en que se desenvuelve.

«Ningún gran artista ve las cosas como son en realidad y si lo hiciera, dejaría de ser artista».

Oscar Wilde.

Artista y empresario

Un tiempo para ser artista y otro para actuar como empresario


Diariamente deberías dedicarle 2-3 horas a trabajos de gestión y promoción relacionados con tu trabajo artístico.

No solo se trata de dedicarle tiempo a la producción, aunque sea lo que más te guste, sino también de encontrar tiempo para comercializar tu obra y ocuparte en tareas como:

– Buscar espacios donde exponerla.

– Saber poner un precio razonado a cada pieza de tu producción. (ver artículo “Aprende como poner un precio justo a tu trabajo”)

– Administrar tus recursos económicos (gastos, facturación, compras, materiales, ventas…).

– Documentarte sobre los agentes del mercado con los que quieras relacionarte. (galerías, intermediarios, art dealers… )

– Asistir a actos artísticos-culturales como medio de relacionarte y de adquirir información.

– Diseño de material propio de promoción. (portfolios, folletos, carteles, tarjetas…).

– Mantener al día el correo físico y correo electrónico.

– Embalar y tramitar el envío de obras vendidas.

– Preparar y organizar las piezas para la próxima exposición.

– Mantener actualizada tu presencia online, bien sea un blog, web-galeria o redes sociales.

-… y actuar socialmente siempre como el mejor relaciones públicas de tu trabajo.

 

Saber vender tu marca personal


Si tomamos como ejemplo una de las firmas más controvertidas del arte contemporáneo para comprender lo importante que es para el artista saber vender su marca personal, tenemos que referirnos a Demian Hirst.

Con una obra muy polémica ha sabido promocionarse y cautivar a los coleccionistas de un mercado del arte sediento de espectáculo, con mucho dinero y sin saber muy bien en que invertirlo.

Hirst se ha convertido en el artista vivo más rico del Reino Unido.

Aunque en la década de los años 90 su carrera estuvo estrechamente vinculada con el galerista y coleccionista Charles Saachi, Hirst se convirtió en su propio agente, ignoró a las galerías y presentó una colección entera a subasta en Sotheby’s, superando todas las previsiones de venta.

No digo que tenga que ser Demien Hirst el ejemplo a seguir, pero si nos sirve como muestra de que, en un mercado tan voluble y competitivo, es muy importante la gestión que se tiene que hacer fuera del estudio-taller.

Otro artista que sobresale por su éxito de ventas con una estrategia de mercado distinta al caso de Demien Hirst, es Yuri Zatarain, artista plástico mexicano.

Demostró que la clave para entrar y ganar en el mundo de los negocios, sin importar el giro en el que te desenvuelves, es saber vender.

Según publica entrepreneur.com :“hizo del arte un negocio sin perder la esencia de su obra. El pintor y escultor emplea a más de 140 personas, vende más de 400 cuadros originales por año y 1.500 piezas de arte-objeto a la semana. El secreto: crecer sin perder el equilibrio entre la exclusividad y la producción en serie.

Si como artista juegas bien tus cartas de empresario y arropado por la calidad de tu obra, llegarás a tocar el éxito antes de lo que esperabas.

La figura del mecenas es cosa del pasado y no puedes esperar a que llame a tu puerta interesado por tu obra.

Por eso, no debes desentenderte de las tareas de relaciones públicas, contacto con compradores, ofertas a galerías, negociaciones con clientes, etcétera.

El camino está en la autogestión y como afirma Paco Rentería: “El artista que quiera triunfar debe aprender a verse a sí mismo como un producto y promoverse”.

Como trabajador creativo transmites a través de tu obra belleza, estética y arte, pero sobre todo imaginación y esta es la mejor baza que debes saber jugar cuando te toca interpretar el papel de empresario.

Sé imaginativo e innovador y como empresario toma en cuenta las necesidades y preferencias de tus clientes, aportando creatividad e ideas frescas, como si estuvieras trabajando en la realización de tu mejor obra.

 

Comparte proyectos artísticos en colectividad


Es posible que, en lugar de hacerlo solo, prefieras afrontar el reto de gestionar tu carrera artística en compañía de otros profesionales creativos.

Trabajar en grupo o compartir espacio con otros compañeros puede ser una alternativa empresarial que prefieras en lugar de comercializar individualmente tu obra.

Los espacios alternativos gestionados por los propios artistas tienen un gran potencial para la creación de redes de trabajo a nivel nacional e internacional.

Desde el punto de vista del artista, estos ámbitos independientes de creación ofrecen una gran libertad creativa, agilidad de gestión, capacidad para asumir riesgos, independencia de los resultados económicos de los proyectos, y una relación inmediata del público con la obra.

Se trata de reunirse personas de diversos campos de la creación (ilustradores, fotógrafos, pintores, artesanos, escultores, diseñadores…) que tienen unas necesidades de gestión similares y deciden compartir los espacios donde producir, difundir y comercializar su trabajo.

El mundo del arte está cambiando, tanto en su estructura comercial como en la aparición de nuevas modalidades artísticas, y el rol del artista ahora es otro al que tradicionalmente conocíamos.

El artista tiene que ganarse la vida con su trabajo igual que los profesionales autónomos de otras especialidades y ello significa tener que actuar también empresarialmente.

En la relación con la Administración, un artista-empresario para afrontar el reto emprendedor se puede constituir como autónomo, como una S.L. Unipersonal, como una cooperativa, etc.

Si legalizas tu situación laboral y estás al corriente con la Seguridad Social, contribuyes a tu jubilación.

Tendrás derecho a ayudas o subvenciones de tu comunidad, a seguro médico, facilidad en entidades bancarias para pedir préstamos personales, hipoteca, comprar con tarjetas, ya que tu dinero es ganado y declarado legalmente, etcétera.

Artista y empresario

Debes documentar la venta de tus obras


Es eficaz documentar todas las obras que vendas acompañándolas de factura, certificado de autenticidad, historial artístico y dossier de prensa.

La factura es conveniente tramitarla, no solo por tus obligaciones fiscales, sino también como documento de propiedad para el cliente.

El Certificado de Autenticidad describe la obra y redactarlo convenientemente te da una mejor imagen profesional.

Tu historial artístico puede acompañar al dossier de prensa que incluyas en la documentación que le facilites al cliente, porque es información prestigia tu trabajo.

 

– Facturas

En la factura deben figurar tus datos fiscales: nombre, dirección, teléfono, número de identificación fiscal (NIF) y también los datos del cliente a nombre del cual debes facturar.

También puede figurar una referencia de tus Derechos de Autor sobre la obra.

Debes firmar la facturar e invitarle al cliente que la firme también, con lo cual queda reconocido por ambas partes los términos en que se lleva a cabo el compromiso de compra-venta.

Si eres pintor, ceramista, grabador, fotógrafo o escultor, por ejemplo, cada vez que vendas una obra debes de hacer una factura legal y aplicar el IVA correspondiente.

Si vendes directamente la obra a un comprador en tu estudio el IVA que corresponde aplicar (en España) es del 10% (el reducido), si la vendes a través de un tercero (una galería, por ejemplo) el IVA que hay que aplicar es del 21%.

Los intermediarios o revendedores de tu obra te compraran por un tipo impositivo reducido del 10%, pero en la reventa de la misma obra se debe aplicar el tipo imponible general del 21%. (Ver artículo:”Como artista, ¿me hago autónomo o sigo en la economía sumergida?”).

 

– Certificado de Autenticidad

Acompaña todas tus obras, sean piezas únicas o de edición, con un Certificado de Autenticidad para legitimarlas y añadir un plus identidad personal.

Este certificado no será nunca una cesión de derechos de autor o de la propiedad intelectual.

La información que contiene un Certificado de Autenticidad se limita a la identificación de la obra que figura en el mismo con los siguientes datos:

– Título de la obra.

– Foto de la obra (opcional).

– Nombre del autor

– Materiales utilizados.

– Medidas.

– Fecha en que se realizó.

– Texto descriptivo y certificando los datos aportados.

-Firma del artista y sello.

 

– Material de prensa: Criticas y Exposiciones. Historial Artístico.

Seguro que a cualquier coleccionista le gusta tener su compra bien documentada y le encantará si le facilitas un dossier de prensa con las entrevistas, artículos y críticas que hacen referencia a tu trayectoria artística.

Por supuesto, tu curriculum es conveniente que lo añadas porque refleja tu historia profesional: exposiciones, concursos, publicaciones, ferias, etcétera.

De todos estos materiales debes disponer de varias copias y mantenerlos siempre actualizados.

No solo los debes incluirlos en la documentación de los trabajos vendidos, sino también facilitárselos a las personas que formalmente se interesen por tu obra.

En resumen, tienes que actuar como artista y como empresario a pleno rendimiento e insistir una y otra vez hasta que, poco a poco, se te vayan abriendo puertas, porque sabes que lo que haces tiene un valor personal y porque también enriquece culturalmente a la sociedad.

Como creativo te sobra imaginación y debes ejercerla también para la promoción y venta, con el fin de conseguir la meta que te hayas propuesto sin depender de intermediarios.

El mercado del arte y sus gestores están “moviéndose” y debes estar alerta para el cambio.

Hasta la próxima semana

Un abrazo, Ramon’s.

(Fotos de Pexels.com y Unplash.com)

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Acerca de Ramon's, autor de este artículo:
En los últimos treinta años me he ganado la vida como artista. También he trabajado varios años en prensa y he dirigido una galería de arte. Ahora editando mi blog comparto mi experiencia con el fin de que pueda ser útil para otras personas que quieran conseguir su sueño de poder vivir del arte.

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El viaje alimenta y motiva al artista a dejar constancia de su recorrido por el mundo, porque en cada nuevo paso que da se le despiertan pensamientos e inquietudes creativas.

Le saca de su espacio de comodidad, le agudiza su percepción y le obliga a superarse en la espontaneidad y la improvisación.

Cada uno tiene un motivo distinto para emprender la aventura, pero todos se plantean la posibilidad de vivir de su creatividad durante el viaje y con su trabajo artístico poder sufragar los gastos de desplazamiento, alimentación y hospedaje, entre otros.

Lo que hacen es arte para disfrutar del viaje y crear con lo que van descubriendo cada día en su recorrido.

Es arte para vivir porque les apasiona la aventura y pueden desempeñar su vocación artística de una manera nómada.

Es una alternativa completamente diferente a la de trabajar en el estudio y con un planteamiento del día a día totalmente opuesto, ya que las prioridades no pueden ser las mismas.

No es lo mismo plantearse viajar sin billete de vuelta para disfrutar del camino o viajar a un destino concreto y con una disposición de tiempo limitado.

Celebrar una exposición fuera de su localidad, tener la posibilidad de materializar un proyecto en una residencia de artistas, desplazarse a otro país para disfrutar de una beca, participar en una feria o en alguna otra convocatoria de arte que obligue a viajar y ausentarse por unos días, son oportunidades que se le presentan al artista para salir de su hábitat.

Actividades que debe aprovechar para relacionarse con otros compañeros, otros mercados y otros entornos diferentes al suyo y que enriquecerán su creatividad y ampliarán sus relaciones profesionales.

En estos casos, aunque se disfrute al máximo del desplazamiento y de la estancia, estos viajes están motivados por una necesidad ajena al mismo hecho de viajar.

Artistas viajeros y nómadas digitales


Los artistas viajeros aúnan en un solo fin el arte y el viaje con la finalidad de disfrutar de ambos y que sean complementarios en su aventura personal de recorrer el mundo.

Las nuevas tecnologías les permiten mantener al día el contacto con sus seguidores y recoger en su blog las incidencias del viaje, además de canalizar la comercialización de su trabajo.

Utilizan su capacidad artística ( pintura, dibujo, fotografía, videos, artesanía…) y la difunden de diversos modos, a través de páginas web (como hace Irene López de Castro), de algún marketplace (Dibujando el Camino  lo hace en Etsy), vendiendo sus fotografías (Sergio Lòpez), realizando videos (González-Sitges), ilustrando cuadernos de viaje (como es el caso de Joaquín Dorao ), dedicándose al diseño gráfico freelance (como la pareja del Plan B Viajero) o pintando murales (Alexis Díaz), entre otras opciones.

Artistas viajeros: Marck Gordon

Entrevista con el ceramista norteamericano Marck Gordon durante su viaje por Europa.

En la década de los años ochenta trabajaba en un periódico y me acuerdo que entrevisté al ceramista norteamericano Mark Gordon que recorría Europa y se financiaba con las piezas de cerámica que vendía.

Según el lugar donde se encontraba, hacía un alto en su viaje de 2 o 3 meses mientras localizaba un taller que le permitiera llevar a cabo el trabajo y buscaba la forma de poder comercializar la cerámica contactando con salas de exposiciones, tiendas especializadas o venta directa en el mismo taller.

Las ganancias que le reportaban las ventas le permitían seguir viajando y repetía el proceso cuando encontraba en otra ciudad las condiciones de poder realizar una nueva colección a corto plazo y comercializarla.

Normalmente, los que emprenden este tipo de aventuras son gente joven, solos o en pareja, que deciden hacer realidad su sueño de volar y emprenden el viaje alrededor del mundo, a un continente o a un país siempre recogiendo sus experiencias en su cuaderno de viaje.

Las anécdotas que nos podrían relatar cada uno de estos artistas viajeros son múltiples, igual que las situaciones embarazosas y la  capacidad de improvisación que deben desarrollar para poder superarlas.

Contarlas es material para otra ocasión, porque se merecen un artículo en exclusiva.

En este artículo me he centrado principalmente en los artistas viajeros que utilizan las modalidades de dibujo e ilustración para expresar sus experiencias, ya que requieren un equipo mucho más ligero que otras técnicas y una ejecución más inmediata de la obra.

Acuarelas, lápices, bolígrafos y un bloc ocupan poco espacio en la mochila y los dibujos son más fáciles de guardar e incluso para reproducirlos gráficamente.

Mosaico de artistas viajeros


A través de internet, es fácil conocer lo que hacen y he recogido un resumen de las declaraciones que han hecho al ser entrevistados o que han manifestado en su blog y que expongo en el siguiente mosaico:

VIAJAR PINTANDO MURALES


No le gusta pintar con spary. Con un pincel de varios centímetros y tinta china negra, el artista puertorriqueño Alexis Díaz viaja por el mundo plasmando murales urbanos a gran escala, un sueño que tenía desde niño y que ha logrado hacer realidad.Los primeros murales los realizó en San Juan de Puerto Rico y en el Miami Art Basel de 2011, donde sus creaciones les sirvieron para ser invitados a hacer murales en Perú, México y EE.UU.”El 80 % de este año lo he pasado en Europa. En Australia y Londres tuve la oportunidad de hacer al menos dos murales”, ha explicado.

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VIAJAR, DIBUJAR, VIAJAR…


Fernando González Sitges: “En el mundo apresurado en que vivimos, los cuadernos de viaje están en peligro de extinción. Ya no hay tiempo para pararse a pintar, para esbozar con rápidos trazos el dibujo de un lugar, un animal o un indígena. Dibujar, pintar, lleva tiempo. Y el tiempo es el bien más escaso en nuestra sociedad. Incluso entre los viajeros más avezados. Siempre hay que volver rápido, hay etapas que cumplir, hay presupuestos que se agotan y compromisos que no admiten demora. Años después, al abrir un cuaderno de viaje, los recuerdos vuelven con una intensidad que ninguna foto consigue.”

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BUSQUEDA PERSONAL


Las pinturas de Irene López Castro, inspiradas en África y en la India, son el resultado de más de veinte años de viajes por Africa e India. A través de su experiencia directa , de sus cuadernos de viaje y de su personal técnica de dibujo y pintura , ha creado su propio universo pictórico, en el cual se reflejan diferentes culturas y paisajes llenos de luz y color. “Para mí viajar ha sido siempre más que una simple inspiración en mi pintura -señala Irene-. Es una búsqueda personal, una oportunidad de contactar con personas de otras culturas, de proyectarme y aprender en ellas…”

 

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POR EL PURO PLACER


Todo lo que la portuguesa Ana Gil experimenta en sus viajes  queda dibujado en sus cuadernos de viaje.Como comenta en una entrevista, la motivación que le impulsa no es otra que “el puro placer que extraigo del momento. Dibujar requiere paciencia y dedicación hacia lo que observamos y experimentamos. Eso es lo que más me gusta: consagrarle ese tiempo a lo que estoy viviendo. Es mi forma de sentir ese lugar, de entenderlo y de enamorarme de él”. Sus ilustraciones, además de financiarle los viajes, le han valido el favor de  30.000 seguidores en Instagram.

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VAMOS DIBUJANDO EL CAMINO


Vamos dibujando el camino  es el proyecto de la pareja formado por la colombiana Marcelilla Lilla y el argentino Leandro Baud. Desde el año 2013, recorren el mundo gracias a sus ilustraciones y su inquietud para explorar nuevas técnicas y procesos creativos de arte urbano. Su pasión por dibujar y pintar los ha marcado en su forma de vida y peculiar estilo creativo. Ellos los resumen con estas palabras:”Mezclando colores, agregando luces y sombras, fuimos desarrollando un laboratorio mágico que nos llevó a éste mundo de ilustraciones y de viaje permanente”.

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CUADERNOS DE VIAJE DE J.DORAO


“Dividiría mi faceta profesional en lo puramente comercial (mi trabajo como ilustrador para distintas editoriales y clientes como Samsung, Carrefour, Caja Madrid, Anaya, Cornelsen, Richmond, McMillan, Vodafone, ING direct…) y lo estrictamente personal. En este último apartado es donde entran mis acuarelas y diarios de viaje. Aquí se mezclan mis dos pasiones, la acuarela y los viajes, aspectos que he venido combinando con mayor o menor fortuna, pero con gran constancia. He estado en los 5 continentes. Suelo viajar sólo, con mi mochila al hombro, y sin reservas, improvisando, decidiendo sobre la marcha el itinerario.”

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RECORRIENDO AMERICA LATINA…


Plan B Viajero nació en Buenos Aires en el año 2012 y lo componen Gabriela y Camilo (argentina y mexicano) : “Decidimos salir a recorrer América Latina con mochilas al hombro y de auto -stop. El viaje, al menos, comenzó con esa premisa hasta que se convirtió en nuestro nuevo estilo de vida. Si te estas preguntando cómo hacemos para viajar, ¿de dónde obtenemos dinero? la respuesta es sencilla: trabajando. Escribimos relatos de viajes para diferentes medios de comunicación y hacemos viajes de promoción de destino. Nuestro mayor ingreso proviene de nuestra agencia de diseño: Mate Chingón.”

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POR AHORA PINTO MIS VIAJES


Esteban Mazzoncini, fotógrafo, escritor, profesor de Educación Física y pintor: ” Vivir para viajar es lo que más me gusta hacer. Explorar nuevos destinos es la mejor manera de “disfrutar” la vida. Disfruto de un  uevo proyecto donde  la pintura toma forma de cuadro, cuaderno o rompecabezas. ¡Por ahora pinto mis viajes! Lo mejor de todo esto es que la pintura permite modificar la realidad, cosa que al tomar una foto no ocurre. En el papel uno puedo pintar peces en el cielo, niños volando con un barrilete, estrellas en lugares impensados, etc.”

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CAMINAR Y RETRATAR EL MUNDO


Pablo Morales de los Rios es un renacentista del siglo XXI: Cineasta, pintor, ilustrador, historietista, escritor, fotógrafo… ¡incluso marionetista y compositor ocasional!. “No concibo caminar por el mundo sin retratarlo – explica en una entrevista -.Trato de dibujar siempre en directo y el mismo día en que viajo. Sin embargo, a menudo me veo obligado a dejar alguna ilustración a medias, o en mente, para retomarla después, como cuando me vi obligado a terminar un dibujo del Taj Mahal en el hotel porque un guardia armado con un AK47 amenazó con romperme todo mi cuaderno de la India.”

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PINTAR ES PARTE DEL VIAJE


La ilustradora extremeña Alicia Aradilla y su novio, el periodista y fotógrafo Sergio Alonso (madrileño), metieron su vida en unas mochilas y se fueron a ver mundo. “Generalmente dedico unos 45 minutos a cada uno de los dibujos, de manera que también quede tiempo para visitar el lugar -señala Alicia, en una entrevista-. La acuarela es la técnica más rápida y permite captar el momento en pocas pinceladas. Pintar es parte del viaje, no algo accesorio. En el suelo, en una terraza, en el tren o en un avión. Cualquier sitio es bueno si de lo que se trata es de encontrar la inspiración.”

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EL MUNDO EN UN VASO


Berk Armagan es un artista autodidacta turco que utiliza como soporte vasos de plástico para pintar los sitios a los que viaja. A este artista veinteañero le gusta recorrer el mundo en autostop, acampando e ilustrando los principales monumentos y paisajes de las ciudades que visita. Con su venta puede financiar el alojamiento, transporte y demás gastos del viaje.

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TRAS LA HUELLA DE LOS FAMOSOS


El artista Hank Schmidt in der Beek y el fotógrafo Fabian Schubert desarrollan un proyecto que auna fotografia y pintura y que se centra en visitar lugares reconocibles donde famosos pintores como Van Gogh, Monet o Cezanne pintaron sus obras. Sin embargo, en lugar de intentar replicar sus famosas pinturas, Hank se dedica a reproducir el dibujo de su camiseta que lleva en ese momento y Schubert lo fotografía mientras pinta. El resultado de sus divertidas aventuras por Europa combina tanto arte conceptual como la determinación de hacerlo divertido.

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Como artista, a lo largo de tu vida  tu trayectoria se verá jalonada de nuevas experiencias y posibilidades de cambio que buscas directamente o que se te presentan por sorpresa en algún momento.

Disfruta de cada una de ellas y si tienes la posibilidad de plantearte un nuevo estilo de vida, aprovechalo.

El que hoy te presento, basado en viajar y vivir de tu arte, es una opción muy atractiva que, si te gusta, debes afrontar con ilusión para disfrutarla y determinación para progresar como artista y persona.

¡Buen viaje!

[Foto de cabecera: Alicia Aradilla dibujando en uno de sus viajes]

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Acerca de Ramon's, autor de este artículo:
En los últimos treinta años me he ganado la vida como artista. También he trabajado varios años en prensa y he dirigido una galería de arte. Ahora editando mi blog comparto mi experiencia con el fin de que pueda ser útil para otras personas que quieran conseguir su sueño de poder vivir del arte.

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¿Dónde y cómo encuentro un representante artístico?

¿Dónde y cómo encuentro un representante artístico?

La figura del representante o marchante de arte es imprescindible para la consolidación de la trayectoria profesional del artista.

Su rol es representar al artista para realizar negociaciones en su nombre, bien sea comercializar, promover su obra o su imagen.

Encontrar al experto que promociona y comercializa acertadamente tu trabajo es un objetivo a conseguir que se marca cualquier artista.

En lo que se refiere al mercado del arte el cometido del representante puede limitarse a vender tu obra o, con una perspectiva más amplia, ocuparse también de representar, promocionar, llegar a acuerdos, organizar eventos y orientar estratégicamente el desarrollo a medio y largo plazo tu producción.

Cualquier persona relacionada como intermediario en el mundo del arte puede ejercer como representante, bien sea como regente de una galería, consultor, marchante o desempeñe cualquier otra profesión que le mantenga bien relacionado y le facilite el acceso al circuito comercial con el microambiente del coleccionismo.

Su figura es relevante para un artista, porque tener quien le represente en exclusiva le facilita todo lo relacionado con el marketing de las artes, pudiéndose centrar en la realización de su obra artística.

Normalmente, el marchante no dispone de establecimiento y realiza su trabajo de manera itinerante como un ejecutivo comercial.

 

¿Para qué necesito un representante?


Puedes elegir comercializar directamente y sin intermediarios tu obra, con lo que evitas tener que pagar comisiones y administras tu trabajo completamente.

Conozco a algunos artistas que se les da muy bien las relaciones públicas y la comercialización de su obra, pero la mayoría prefiere ocuparse por completo en el terreno de la creatividad y dejar las funciones de mercadeo a otra persona si es posible.

No todos consiguen encontrar quien les represente y lo haga correctamente.

Sin embargo, si reconoces que no eres hábil negociando y no te sientes cómodo publicitando tu trabajo, entonces deberás recurrir a la intermediación del experto como vendedor.

También te interesa tener un representante porque quieres concentrar toda tu atención en crear y no distraerte con asuntos externos al trabajo del estudio/taller, que es por lo que decidiste ser artista.

En lo que se refiere a las relaciones públicas, el representante artístico dispone de contactos con coleccionistas, organizadores culturales y profesionales intermedios que facilitan tu promoción y a los que a ti te sería más difícil acceder por tus propios medios.

Te dedicas exclusivamente a tu arte y de él tienes que vivir, por lo que conseguir ventas es primordial para poder desarrollar tu trabajo a pleno rendimiento y disponer de una economía saneada y estable.

Para que ocurra así, existe la figura del representante quien se ocupará de comercializar acertadamente y siguiendo las pautas de un plan de trabajo que previamente ha diseñado en función de tu trabajo y de las aspiraciones artísticas que tengas.

 

Tareas de un marchante de arte


Las tareas de un representante no se limitan solo a vender, sino también a trabajar para tu futuro buscando patrocinadores, coleccionistas y oportunidades del mercado o segmento en que desempeñe su trabajo.

Muchas de las acciones que realiza un marchante no persiguen la venta como finalidad, sino hacer visible a su representado a los galeristas, críticos y coleccionistas.(ver artículo: “Intermediarios: ¿Cómo actúan en el mercado del arte?”)

Más que vender inmediatamente, busca la forma más rentable a medio plazo que es la de “colocar” en una colección o exposición relevante la obra del artista que representa.

Está claro que en un mercado tan subjetivo como es el del arte la reputación del artista se beneficia del prestigio de las colecciones en que se encuentra su obra.

La demanda de su producción aumenta en la medida que su marca personal consigue notoriedad en el exclusivo ámbito coleccionista.

Las tareas en las que se ocupa generalmente un marchante, además de vender tu obra, son las siguientes:

– Organiza exposiciones y la participación a ferias.

– Negocia contratos, intercambios y colaboraciones.

– Aporta asesoramiento comercial y publicitario.

– Atiende la relación con los medios informativos y la crítica especializada.

– Gestiona la tramitación de permisos y documentación de la obra.

– Fomenta, mantiene y crea nuevas redes de coleccionistas.

 

¿Dònde y cómo encontrar un representante?


Aunque la finalidad sea la misma, no se trata tanto de que tú busques, sino más bien que te encuentren y que deseen gestionar tu obra.

Los representantes artísticos escogen ellos en función de sus preferencias y de la demanda de mercado en que se desenvuelven.

No todos los profesionales de la venta son adecuados para comercializar tu obra y no debes facilitar tu representación a la primera oferta que recibas o a cualquiera que no se identifique con tu trabajo.

Para ser “encontrado” como artista y que alguien se interese por representar tu trabajo debes ser visible para estos profesionales.

Promociona y divulga tu obra fuera del estudio/taller.

Participa y acude a exposiciones, actos culturales o afines, ten presencia en internet y procura que tu trabajo lo conozcan lo más posible en el sector artístico en que te desenvuelves habitualmente.

Siempre con el apoyo de la calidad y de la originalidad de tu obra, promociona primero y después te llegarán las ventas y los profesionales que se interesen por representarte.

Además, de estar presente en ferias, exposiciones, abrir tu estudio a visitas o disponer de página web, hazte presente en cualquier otro sitio que creas que puedes beneficiar tu promoción.

Pero, en cualquier decisión que tomes, ten mucho cuidado con las ofertas engañosas, ya que lo único que consigues con ellas es que te cueste dinero y trabajo ; a cambio, tan solo añadiras en el historial una línea más de curriculum dudoso.(ver artículo “¡Cuidado con las pseudo-galerías!. El artista siempre sale perdiendo”).

Infórmate sobre que reputación tiene quien quiere representarte y que actividades desempeña en el mercado del arte.

Contacta con otros artistas que representa o ha representado en algún momento para conocer su opinión y como es o ha sido su relación profesional.

Conócelo personalmente y averigua si la línea de representación que lleva es acorde con la temática y características de tu obra y si su intermediación es temporal o está dispuesto a trabajar a largo plazo.

Conviene dejar bien claras cuáles son tus aspiraciones en lo que se refiere a exposiciones, ferias, ventas directas, encargos o proyectos para que sepa cómo enfocar tu carrera.

Como prevención, pon la condición de supeditar al principio la colaboración a un tiempo limitado, que después puede consolidarse o ampliar si el resultado es positivo para ambas partes.

 

Imprescindible firmar un contrato


Si trabajas con un representante artístico, desde el primer momento debe quedar muy claro en qué términos se desarrollará vuestra relación.

Negocia al detalle las condiciones en base a las cuales vais a trabajar y exige que queden reflejadas por escrito.

En la inmensa mayoría de los casos, suele ocurrir que el artista se conforma con un acuerdo verbal, pero, en mi opinión, es conveniente dejar por escrito las obligaciones de uno y otro lo más detalladas posibles.

Incluso en el propio ámbito cultural, formalizar un contrato como puede ser la actuación de un grupo musical o de teatro en determinado evento es lo razonable, mientras que si es un artista visual quien lo plantea se suele entender como una falta de confianza.

Ten siempre presente que un contrato por escrito (no acuerdo verbal) da seguridad por ambas partes, concreta lo que se pacta y a lo que se obliga cada uno de los firmantes.

Como señala el bufete de abogados MYL: ”En la normativa española o europea no existe una duración mínima o máxima para el contrato de representación artística. La media suele estar entre dos y cinco años. Si el representante tiene la exclusividad y no se ha comprometido con muchas obligaciones le interesará una duración lo más amplia posible, mientras que el artista querrá negociar períodos cortos y/o revisables.”

 

Representantes influyentes en el mercado del arte


En el mundo del arte hay nombres que a todos nos son familiares como representantes influyentes y poderosos que marcan la pauta del coleccionismo, decidiendo según su criterio el rumbo del exclusivo mercado del arte.

Estas “superestrellas” poderosas e influyentes son nombres, entre otros, tan conocidos como Larry Gagosian, Charles Saatchi, Harry Blain o Jay Jopling que promocionan a través de sus respectivas galerías la obra de sus patrocinados con gran habilidad y agresividad.

Disponen de recursos económicos para hacer frente a todo tipo de promoción internacional, tienen buen olfato para los negocios y excelentes contactos a todos los niveles para sustentar sus inversiones.

Han conformado con sus actuaciones un complejo escenario del mercado del arte más exclusivo y caro al que solo puede acceder un club muy selectivo de coleccionistas y artistas que representan.

Es una jungla elitista, casi inaccesible, a la que pertenecen unos pocos artistas escogidos por estos poderosos representantes que comercializan su obra y a los que no se les cuestiona ni la calidad ni el precio.

Muy alejados de este mercado se encuentra el 99% de los artistas cuya aspiración más inmediata es poder vivir de su vocación dignamente y sin malvender su obra.

Si te descubre alguno de estos “gurús” del arte, es probable que decidas trabajar con él, pero, hasta que no recibas su propuesta, te aconsejo que busques un representante más acorde con tus posibilidades actualmente.

Anímate a exponer tu opinión o relatarnos tu experiencia con los marchantes.

Te espero en los comentarios, donde te leeremos y, por mi parte, te responderé.

Nos vemos.

Ramon’s

 

[fotografía de pixabay.com]

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Acerca de Ramon's, autor de este artículo:
En los últimos treinta años me he ganado la vida como artista. También he trabajado varios años en prensa y he dirigido una galería de arte. Ahora editando mi blog comparto mi experiencia con el fin de que pueda ser útil para otras personas que quieran conseguir su sueño de poder vivir del arte.

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Son una oportunidad para tener ingresos extras y también una experiencia positiva en muchos aspectos: competitividad, reto personal, interacción con otros artistas, rapidez de ejecución, confianza en uno mismo o promoción, entre otros.

Para explicarnos con propiedad y conocimiento de causa su convocatoria y desarrollo he invitado a Miquel Cazaña, pintor e ilustrador, que ha participado en múltiples ocasiones y comparte en este artículo su experiencia con todo lujo de detalles.

A continuación, Miquel nos desvela las ventajas e inconvenientes de este tipo de convocatorias y recomendaciones para participar con éxito.

Para los que somos pintores, una de las maneras más directas e interesantes para evolucionar en nuestro terreno es presentándonos a concursos de pintura rápida.

Estos concursos están organizados por asociaciones o ayuntamientos de pueblos y suelen tener de 2 a 3 premios hasta 6, y algunos hasta incluso 10 o más premios.

Los patrocinadores suelen ser negocios locales, el ayuntamiento.

Y en casi todos los casos, el motivo a pintar es el propio pueblo.

Beneficios que aportan los concursos de pintura rápida


Más allá de las posibilidades de ganar, según mi experiencia estos concursos nos ayudan a evolucionar por factores como los siguientes:

1.-El reto de terminar un cuadro en unas pocas horas.

Lo que significa aprender a ir directo al grano y no entretenerse con florituras.

Eso se agrava con el hecho de que habitualmente el formato máximo con el que nos podemos presentar es 100 x 81 cms.

Los pintores que se llevan el gato al agua son muchas veces los que pintan en formato grande, puesto que resulta más impactante.

Eso significa que, si queremos optar a premio, estamos casi obligados a pintar en ese formato.

2.- La posibilidad de ver trabajar a otros pintores.

Suelen participar de 10 a 15 a 70 u 80 pintores en los concursos.

A veces incluso más de 100.

Eso nos da la posibilidad de asistir a una verdadera escuela en la que veremos muchas técnicas, estilos y procesos de una sola tacada.

Además de poder hablar con ellos y contrastar opiniones acerca de cómo está el mercado, de cómo han enfrentado ellos algún reto concreto del día, etc.

Siempre es bueno estar en comunidad, y más en una profesión tan solitaria como la nuestra.

3.-Trabajar al aire libre.

Es muy bueno pintar al natural.

Ver cómo cambia la luz y hacer nuestra propia interpretación del paisaje al margen de sus formas cambiantes.

Estar siempre en nuestro estudio trabajando a partir de fotos nos impide percibir directamente los motivos que pintamos del natural. Si no es en concursos, creo que  por lo menos vale la pena juntarnos con otros pintores y pintar al natural de vez en cuando.

Aspectos negativos


Como cosas negativas, sí he visto que centrarse solamente en estos concursos crea una tendencia a terminar las cosas deprisa y a profundizar y a reflexionar menos en el cuadro.

Si solo participas en concursos de pintura rápida, puedes adoptar y cronificar “tics” a la hora de pintar, por ejemplo, pintando siempre las flores de la misma manera, una manera que no es la que utilizarías si tuvieras más tiempo para observar las flores y detallarlas más.

Creo que sólo he conocido a un pintor que pinte con el mismo grado de detalles y de matices que si se tratara de un cuadro realizado en varias sesiones.

Por lo demás, los cuadros en los concursos de pintura rápida son en general muy impactantes y se ven bien acabados, de eso no cabe duda, pero es físicamente imposible que veamos un cuadro con la definición de un Velázquez, para entendernos.

Creo que al margen de la pintura rápida, al menos para mí es interesante continuar con un trabajo de estudio de fondo.

Otro punto negativo es que muchas veces no puedes recoger el cuadro el mismo día del concurso, y si el lugar en el que ha sido el concurso queda lejos de tu casa tendrás que ir a buscarlo expresamente otro día o mandar a una agencia de transportes para que lo recoja.

En todo caso, creo que es muy interesante presentarse por lo menos a unos cuantos de estos concursos cada año.

Al menos esa ha sido mi decisión.

Creo que unos 6 u 8 al año está bien para mí.

Me obliga a ponerme las pilas cuando hay un concurso y a romper la dinámica de pintar siempre en estudio.

Otras veces también me voy a pintar al aire libre con pintores y también me resulta muy agradable y de todas formas tengo una base para un nuevo cuadro que después puedo terminar y vender.

Igual que en los concursos de pintura rápida.

Si no te dan premio ese día, después lo puedes vender.

Como todo, estos concursos son una cuestión de experiencia.

Yo mismo tuve la experiencia de varias novatadas al principio.

La vanidad,  por ejemplo: pensaba que iba a ganar el primer día y que los demás no tenían nada que hacer, a pesar de que era el primer concurso de rápida al que yo iba en mi vida.

Esta novatada me la llevé por la tarde del primer día, en la recepción de obras viendo todo lo que habían hecho los demás, pero sin duda fue en toda la frente: ví que estaba superado por las circunstancias, pero quise revancha.

 

concurso de pintura rápida

Gestionando mejor el tiempo y más nivel de acabado


Poco a poco, me fui dando cuenta de que los cuadros que se veían más terminados tenían todos los ángulos y las líneas rectas de las casas, las carreteras, las aceras, etc, realizadas con regla, lo cual daba mucha mayor sensación de acabado y de perfección.

Era algo que, de haber aplicado a mis cuadros al principio de todo, hubiese tenido más puntos para competir.

Otro factor importante es que tenemos que tirar de nuestra imaginación y alterar lo que vemos para añadir nuestro punto de vista.

Es decir, si es un día gris o estás pintando toda una superficie de la imagen que de por sí no tiene gran cosa en cuánto a color, lo mejor que puedes hacer es interpretarla a tu manera.

Alterar la luz y el color y poner de tu parte para mejorar la imagen a través del cuadro, como seguro que ya habrás hecho en ocasiones.

Muchas veces la gente no quiere ver simplemente una calle gris, si no que quiere ver todo el juego que tú has sabido sacar de esa calle gris.

Y si nos parece que algunos pueblos son sosos y no se les puede sacar mucho partido a nivel pictórico, esperemos a la recepción de obras y seguro que veremos que unos cuantos pintores ya se las ha ingeniado para captar el encanto, ya sea encontrando los lugares clave o representando divinamente aquello que parece anodino a simple vista.

Realmente la mayoría de pintores que se presentan a estos concursos tiene experiencia en concursos de pintura rápida y no asisten por asistir.

Es una competencia fuerte y eso es bueno para nosotros.

¿Cuánto ganan los pintores “top” con los concursos?


Por lo que he podido averiguar en alguna que otra región de España, entre los pocos asiduos que suelen ganar premios, hay quien se presenta a 30 concursos al año y gana premios en 15 de ellos (9.000 euros anuales en concursos de pintura rápida).

Otros con muchísimos años de experiencia y avanzada edad, pintores que son como instituciones en sus regiones, que se presentan a más de 70 convocatorias al año, ganan premios en 50 de ellos y más de 30.000 euros al año solamente en premios de concursos de pintura rápida.

Cabe decir que estos son casos especiales.

 

No es habitual ganar más de 30.000€ en España
solo con concursos de pintura rápida.

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No es habitual ganar más de 30.000 al año hoy día en España solo con concursos de rápida.

También me consta que el número y la cantidad de los premios de estos concursos cayó en picado a partir de la crisis de 2008.

Un pintor me dijo una vez que en un fín de semana bueno (antes de 2008) podía ganar unos cuantos miles de euros en premios.

Sea como sea, creo que está bien probarlo más allá de los impulsos económicos.

Sencillamente por probar.

Ir abiertos y ver qué aprendemos.

Creo que es recomendable ver y participar en concursos de rápida por las razones que he ido exponiendo, y en mi aún corta experiencia en estos concursos (15 concursos) he ganado premios en varios y he vendido los cuadros de prácticamente todos los demás.

Recomendaciones para participar con éxito


Por ello te paso a continuación seis recomendaciones que a mí he habría ido bien tener antes de asistir:

1.- Llegar pronto a las inscripciones.

Es poco tiempo, mejor aprovecharlo todo.

Trabajar un formato de lo más grande que se pueda.

Si el tope es 100 x 81, ahí que vamos.

2.- Ir con un color de fondo si está permitido en las bases.

Esto es algo más personal, pero a mí me ayuda bastante porque un color de luminosidad media ayuda a pintar hacia colores claros y hacia colores oscuros, manteniendo un tono de fondo que nos ayuda pensar que el soporte no tiene huecos por pintar, porque ya venía con un color de fondo.

3.- Marcar las líneas rectas con regla.

Eso aumenta mucho la sensación de acabado y permite solucionar mejor los problemas de perspectiva.

4.-Trabajar con una gama más reducida de colores.

Se trata de no perder tanto tiempo con las mezclas y los matices y centrarse más en los detalles.

Sobre todo al principio, es complicado ofrecer un cuadro con muchos matices de color en muy poco tiempo.

Sin embargo, podemos jugar con dos o tres colores bien combinados más el negro y el blanco y crear una imagen de mucho impacto.

5.- Definir cómo trabajarás la luz o inventártela.

Pero nunca ir cambiándola a medida que pasa el día.

Aquí tienes un video en el que podrás ver esto sobre la marcha en uno de los concursos en los que participé el año pasado.

Espero que sea de tu interés:

 

Y a ti, ¿Qué te parecen los concursos de pintura rápida?.

¿Qué experiencia has tenido con estos concursos?

Déjame tu opinión más abajo, en los comentarios.

Espero que te haya gustado este artículo de Miquel Cazaña sobre los concursos de pintura rápida y que te animes a participar en ellos.

Para facilitarte la búsqueda de convocatorias, te voy a facilitar dos enlaces en los que encontrarás la información para poder concursar:

    • Elcaballete.com
      Web creada por un equipo de apasionados por el arte, en concreto por la pintura, con el objetivo de difundir y promover el aprecio por esta disciplina y servir de ayuda para los artistas profesionales.

 

  • Concursos.com
    Es un referente en internet para poder disponer de las bases completas de la mayoría de los certámenes artísticos y literarios que se convocan. Hay que registrarse para acceder a los concursos y tiene una cuota única de 33€ anuales.

 

[fotografía de pixabay.com]

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Acerca del autor de este artículo:

Miquel Cazaña Llagostera (Barcelona,1980), desempeña una amplia actividad artística como pintor y como ilustrador en el mundo editorial. Dedicado a tiempo completo a proyectos artísticos, desde el año 2004, ha publicado dos proyectos personales en forma de libro. Nieto de la pintora paisajista Carmen Gandía, trabaja actualmente en la catalogación de su obra. Persona cercana en el trato, inquieta artísticamente y con una actitud de servicio hace una inestimable aportación didáctica y de divulgación desde su blog personal.

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Como participar en concursos, becas, subvenciones y residencias para artistas

Como participar en concursos, becas, subvenciones y residencias para artistas

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Premios y concursos son una alternativa habitual del artista, las becas significan un apoyo indiscutible para ampliar la formación, mientras que las residencias pueden significar la oportunidad de materializar un proyecto.

En época de vacas flacas en el mercado del arte las ventas han disminuido y me consta que han sido más de uno los artistas, principalmente pintores, que han encontrado en los concursos la oportunidad de conseguir paliar su situación económica.

Otros han optado por la solicitud de becas con el fin de ampliar estudios subvencionados mientras el mercado no fuera más favorable y enriquecer su curriculum.

En los últimos años han proliferado las residencias artísticas y aportan un campo de actuación para los artistas donde pueden conseguir ingresos para desarrollar proyectos, además de acopiar formación y la ocasión de colaborar e intercambiar experiencia con otros colegas.

Concursos y convocatorias artísticas


Participar en los concursos aporta estímulos positivos para tu desarrollo y consolidación como artista.

No solo se trata de ser seleccionado y llevarte el premio por lo que puede significar como ingreso extra a la comercialización de tu obra.

El concursar estimula tu creatividad porque eres consciente de que tendrás que competir con los demás participantes y no podrás hacerlo si quieres ganar con una obra mediocre.

Además de lo que te obliga como ejercicio profesional, debes tener en cuenta de no desaprovechar la oportunidad que te brinda una convocatoria de estas características para darte a conocer y promocionar tu trabajo.

Puede ser una buena plataforma destacar en un concurso y lograr que te sea mucho más rentable que la difusión que personalmente puedas hacer de tu obra llamando de puerta en puerta.

Los jurados los componen profesionales vinculados al mundo del arte y con amplio conocimiento del mercado, por lo que su interés por tu obra puede convertirse en una oportunidad única.

Publicidad, contactos o exposiciones son recompensas que puedes conseguir, al margen del premio de la convocatoria.

En el caso de que hayas sido seleccionado, este es el panorama que se te brinda con tu participación.

Si, por el contrario, no has podido pasar la criba y tu obra no ha sido aceptada, no significa que no tengas talento o que no debas presentarte a mas convocatorias de arte, porque los motivos por los que no te hayan aceptado en un concurso pueden ser de variada índole, al margen de tu capacidad como artista.

Hay muchos concursos y de todo tipo por lo que es importante que sepas seleccionar con precisión a los que quieras presentarte, en función del premio, la temática, el tamaño, la técnica, la política de devoluciones, las condiciones de participación, el envío, etcétera.

Puedes participar indistintamente en concursos locales, nacionales o internacionales, pero siempre leyendo la letra pequeña de las bases de participación y teniendo muy claro que tu participación está al nivel de la convocatoria.

La dotación del premio es importante porque puede no interesarte participar si es muy baja y, entonces, no te compensa invertir tiempo y dinero.

También interesa saber cuál va a ser el destino de la obra premiada y que repercusión puede tener su difusión en los medios informativos.

Recursos Culturales busca, ordena y difunde los concursos, premios y certámenes de arte, para poner estas convocatorias tan necesarias al alcance de todos.

concursos

Subvenciones y becas


Las ayudas a que se puede aspirar son las becas y las subvenciones que, aunque suelen tener una finalidad similar, tienen sus diferencias a la hora de solicitarlas o aplicarlas.

La mayoría de las subvenciones están basadas en la necesidad de financiación.

Las subvenciones se conceden de forma más puntual a proyectos de consolidado mérito artístico que precisan de financiación, aunque éste no sea viable comercialmente.

Las subvenciones suelen otorgarlas organismos y fundaciones que apoyan la creatividad artística y seleccionan los aspirantes a su concesión en función de su proyecto.

Debes tener una idea bien planificada y argumentada para solicitar la ayuda, ya que cuanto más fundamentada esté mayores son las probabilidades de que te la concedan.

Por su parte, la mayoría de las becas están basadas en el mérito de tu trayectoria artística o expediente académico.

Las becas te cubren todo o parcialmente un paquete de gastos que se te pueden presentar durante el período de ejecución para que la falta de medios económicos no sea la causa por la que te quedes sin ampliar tu formación, estudios o investigación.

Una beca completa puede cubrirte materiales, manutención, alojamiento, traslados y puedes desarrollarla en tu país o en el extranjero.

Una beca parcial puede ser una aportación dineraria de la mitad o un porcentaje del total de los gastos o, puntualmente, gastos de residencia o de otro tipo.

Busca en qué entidades nacionales las ofrecen y cuáles son las condiciones de cada una de ellas para saber si son apropiadas a tu expediente o aptitudes.

Una vez calificadas y seleccionadas, preséntate a todas las que puedas para no perder ninguna oportunidad.

Probablemente, las becas con una financiación más baja son más asequibles y fáciles de conseguir, pero ajusta tus aspiraciones a la finalidad que quieres conseguir con la beca y no por evitar la competitividad.

Si solicitas una beca ten en cuenta que será determinante tu expediente académico y la documentación que puedas presentar.

Ten en cuenta tu perfil online y el material que puede circular sobre ti por las redes sociales, eliminando todo lo que pueda ser inapropiado.

Tu curriculum junto a la carta de motivación equivalen al 75% de tu solicitud.

Escribe la carta con entusiasmo y centrada en el proyecto que quieres desarrollar, dando toda clase de detalles y la ilusión de poderlo llevar a cabo

Con los estudios universitarios de Grado en Bellas Artes que se ofrecen actualmente incluyen una amplia formación en relación a las diversas disciplinas de la creación artística, tanto las tradicionales (dibujo, pintura, escultura y grabado) como otras más actuales (imagen digital, performance, fotografía, instalaciones, videocreación, etc.), es más factible encontrar becas que se ajusten a tu formación, pero también se puede optar a multitud de cursos de especialización o de ciclo superior para los que también hay ayudas oficiales.

Si quieres salir de tu país de origen, cada vez son más los que deciden completar su formación en el extranjero, siendo Europa uno de los destinos más demandados.

También América, donde cada país ofrece distintos incentivos, o Asia con un peso cada vez mayor en la economía mundial.

Aquí puedes encontrar una guía que te cuenta todo lo que necesitas saber para irte al extranjero.

Para los creadores que inician sus estudios o los que han terminado recientemente o quieren incorporarse a la vida laboral se les suele abrir una etapa de gran incertidumbre y las becas pueden convertirse en la solución ideal para avanzar.

Para facilitarte su búsqueda o descubrir si hay una beca para tí puedes empezar a través del BUSCADOR DE BECAS de Universia.net.(Acceder al BUSCADOR DE BECAS).

Concursos y Becas

Residencias para artistas


En los últimos años ha estado de actualidad la aparición de iniciativas para poner en marcha nuevas residencias para artistas, con la finalidad de que sirvan de ayuda a la producción e investigación.

El enfoque en que se han creado las residencias son muy diferentes, porque no es lo mismo un programa concreto de estudios, un taller de trabajo colectivo, refugiarse en un entorno rural o integrarse en un espacio urbano, convertirla en un lugar de encuentro entre artistas o limitar su función a hospedaje.

Este formato de trabajo colectivo resalta la importancia de la inmersión en otras culturas e intercambio cultural.

Definir el modelo ideal de residencia para artistas tiene su dificultad porque hay que tener claro cuál es su finalidad y para que van a servir.

Para Javier Duero, comisario independiente y productor cultural: “una residencia puede ser una estructura barata, eficaz y muy útil para generar un sistema de producción cultural más democrático y horizontal”.

En un artículo que publica ElCultural.com, Duero insiste en esta idea y explica que “durante los años 80 y 90 nadie se interesaba por estas cuestiones. Los aspectos de investigación y producción eran asumidos en su integridad por los propios artistas, que trabajaban en un régimen de explotación, más parecido al servilismo que a una relación profesional. En este contexto, una residencia de artistas hubiera facilitado la ruptura con la estructura jerárquica tradicional del arte y hubiera permitido otro tipo de prácticas y trabajos. Desde entonces, las asociaciones de artistas las llevan reclamando. El principal problema es que las estructuras públicas han estado gestionadas por políticos ajenos al sector y una residencia de artistas o un centro de producción no es algo vistoso, no genera réditos inmediatos en términos de visibilidad. Es, sin embargo, una estructura básica si se quiere tener un sistema de producción cultural sostenible, que genere artistas profesionales y altamente preparados. Desde lo privado, no ha existido una cultura de emprendizaje y patrocinio de estas estructuras. Se ha privilegiado la gran exposición y el gran evento, y se entendía que el contexto productivo principal era el mercado del arte, con su sistema de colecciones, galerías y ferias”.

Entrar en una residencia puede ser por convocatoria abierta, por invitación directa o por acuerdo cultural con instituciones o fundaciones.

Las residencias no acogen únicamente a artistas, sino que se invita a otros profesionales del sector como comisarios, académicos o críticos con el fin de entrar en contacto y disfrutar de una experiencia colectiva y un tiempo para investigar y producir.

Las residencias pueden mantenerse a lo largo del año, ser parte de un programa temporal o como una actividad más dentro de un evento o festival de arte.

La instauración y mantenimiento de las residencias puede estar patrocinado por sociedades culturales, instituciones administrativas y educativas o colectivo de artistas.

Las expectativas de la residencia y las condiciones que se solicitan para entrar son muy diversas y en cada una de ellas diferentes.

La financiación de los programas también son muy variados y van desde la residencia que cubre totalmente los gastos, hasta la que el residente debe financiar su estancia total o parcialmente.

El contenido del programa de trabajo puede ser de implicación con el entorno donde se lleve a cabo el desarrollo de un proyecto colectivo o de un taller o, por el contrario, aislarse dentro de la residencia con el único fin de trabajar e investigar en su idea creativa.

La experiencia con las residencias es vital como lugar de trabajo, investigación y exhibición alternativos, fuera de los circuitos artísticos convencionales.

En definitiva, las residencias, a pesar de sus limitaciones financieras o de programación, son una oportunidad positiva que ayudan al artista aportando el espacio idóneo donde crear, residir e intercambiar reciprocidad entre creadores.

Localizador de residencias


El Localizador de Residencias y Espacios para la Producción Artística se incardina dentro de una estrategia de apoyo a la proyección internacional del sector de las artes visuales, mediante la elaboración de estudios y programas de localización de residencias en el exterior, para favorecer la movilidad de los creadores.

Es el proyecto Localizart donde pueden encontrar localizaciones de toda Europa, América Latina y USA.(Acceder a Localizart)

Asimismo, en Res Artis, red mundial de programas de residencia artística, ofrece a aquellos interesados en participar en una residencia la información y los recursos que cada uno de sus miembros ofrece a artistas, curadores y toda clase de creadores el espacio adecuado para trabajar, lejos de la presión y de los hábitos de la vida diaria.(Acceder a Res Artis)

Hasta aquí esta segunda parte ¿De que viven realmente los artistas? , donde hemos conocido un poco más las opciones que tienes con los concursos, becas y residencias para artistas.

Si conoces alguna otra alternativa que puede ayudar como salida profesional no dudes en escribirla.

Nos vemos en los comentarios.

 

[Fotos de Tim Mossholder / Christian Battaglia en Unsplash]

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Acerca de Ramon's, autor de este artículo:
En los últimos treinta años me he ganado la vida como artista. También he trabajado varios años en prensa y he dirigido una galería de arte. Ahora editando mi blog comparto mi experiencia con el fin de que pueda ser útil para otras personas que quieran conseguir su sueño de poder vivir del arte.

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