Nicho de mercado:¿Qué es, saber detectarlo y cómo hacerlo rentable?

Nicho de mercado:¿Qué es, saber detectarlo y cómo hacerlo rentable?

Un nicho de mercado detectado y analizado para acertar en la promoción y comercialización de tu obra es fundamental para encauzar con acierto tu carrera artística.

El mundo en el que te desenvuelves como artista, en lo que se refiere a modalidades, técnicas, estilos, formatos y conceptualidad es muy amplio.

Doy por sentado que en función de tu vocación y tus aptitudes ya has escogido que es lo que quieres hacer.

Tal vez hayas decidido ser escultor, o pintor, quizás se te da bien el dibujo o prefieras la fotografía o la ilustración, o te atraiga más el mundo de los esmaltes en la cerámica, o tal vez la magia de la obra gráfica o el diseño de joyas, el diseño gráfico o…¡en fín! Sea lo que sea, en lo que hayas decidido emprender lo importante es que lo tengas claro para poder crear tu obra con objetividad.

Si quieres dedicarte exclusivamente a vivir de tu vocación artística es importante que encuentres tu sitio y concretes cuál va a ser tu nicho de mercado, donde te puedas desenvolver profesionalmente con más afinidad y rentabilidad.

 

Estrategias de mercado que se remontan al siglo XVII

Aunque técnica y academicamente tu formación te permita desenvolverte en varias áreas profesionales es conveniente que orientes tu carrera artística hacia una especialización de tu creatividad.

Quizás te preguntes: ¿Por qué centrarme en un sector en concreto y no llegar a todos los públicos?

La respuesta es muy sencilla: ¡para no perder el tiempo!.

Y poder centrar todas tus energías en el grupo que realmente te interesa, porque es similar a tus inquietudes estéticas y conceptuales.


 En la medida que los artistas se especializan,
tienen más facilidad de encontrar un nicho de mercado propio y lucrativo. 


Hablar de nichos de mercado, aunque parezca algo reciente, es una estrategia de marketing cuyo origen se puede remontar al siglo XVII, época de referencia en que se sitúa el nacimiento del mercado del arte, tal y como se entiende hoy en día.

Eso ocurrió el día en que se prescindió del mecenazgo del Papa, de los reyes o de la aristocracia y se empezó a producir en función de los gustos de la nueva burguesía que obtenía su riqueza del comercio.

“Los cuadros dejaron de actuar como objetos prueba de poder político o religioso y circulaban como parte de un patrimonio y forma de inversión”, explica el director del Bucerius Franz Wilhelm Kaiser.

Fue Rembrandt quien personalizó esta transición y como afirma Rosalía Sánchez, en su artículo “Así nació el mercado del arte”, publicado en ABC, “en la medida que los artistas se especializaban, tenían más facilidad de encontrar un nicho de mercado propio y lucrativo.”

La repercusión de esta decisión que tomaron los artistas modificó, no solo la comercialización, sino los temas y el formato, que se acomodaron al gusto de los nuevos coleccionistas.

Los artistas se fueron especializando en diversas temáticas: bodegones, paisajes, escenas campesinas o interiores familiares.

Esta especialización les favoreció al encontrar un nicho de mercado en el que podían destacar con su marca personal.

nicho de mercado

 

Hay que salir al mercado y saber comercializar tu obra

Hay que ser realista y conocer los entresijos del mercado para poderte mantener económicamente de tu trabajo creativo.

Puedes crear libremente tu obra personal, en la que te encuentres identificado, tanto en el aspecto conceptual como técnico, pero en una sociedad capitalista, cuyo mercado se rige por las reglas de la oferta y la demanda, tendrás que acomodar de alguna manera tus anhelos artísticos a la realidad del mercado para poderla comercializar.

Por supuesto, puedes negarte a aceptar alguna acción que condicione tu creatividad y realizar con total libertad lo que más te apetezca hacer y quieras expresar.

Esta sería la situación ideal, si además se comercializa bien y te permite vivir de tu arte.

Pero, la realidad de la gran mayoría de los artistas es que tienen que salir al mercado y saber comercializar su obra con el mismo mimo y acierto con que ha sido creada.

No hay fórmulas mágicas que, con algunas variantes, puedan servir para todos.


Hay que ser realista y conocer los entresijos del mercado para poderte mantener económicamente


Son muchas las variables que intervienen en el mercado del arte y la situación de cada artista es diferente y, aunque pueda reflejarse parcialmente, lo que ha funcionado para unos, poco o nada servirá para otros.

En un mundo como el arte donde nunca se tiene la certeza de nada y cuyo comportamiento es muy versátil, competitivo y nada objetivo, el artista, además de creador, tiene que ser un buen estratega en la promoción y comercio de su obra.

Como se afirma en el estudio “Competencia por cantidades en los mercados de arte de México”, de J.C. Ramírez y P. Bueno, “el precio de las obras de arte incorpora elementos extraeconómicos, condensados en lo que se conoce como valor estético, que resultan muy difíciles de identificar y medir. Por eso, analizar los productos artísticos resulta todo un desafío para la teoría económica, sobre todo porque la oferta y la demanda de las obras de arte no están regidas sólo por los criterios tradicionales de costos o de ingresos sino, también, por factores culturales que no están presentes en el estudio de los bienes normales”.

Tienes que buscar tu nicho de mercado y que sea apropiado a tu línea de trabajo donde puedas promocionarla, exhibirla y venderla con acierto.

Para encontrar tu público debes tener un cierto recorrido y basarte en la experiencia en función de la producción o servicios que ofreces y la acogida que has encontrado.

 

Saber encontrar y definir tu nicho de mercado

No será fácil definir con acierto tu nicho de mercado o sector en el que desenvolverte si no tienes una mínima trayectoria y si aún no sabes bien como y donde te identificas mejor como artista.

Para encontrar esta tribu es necesario que primero te conozcas a ti mismo a nivel artístico y personal y analices que les vas a ofrecer.

Igual que en cualquier otro sector de la sociedad en que uno pueda desenvolverse profesionalmente, en el que tu elijas tendrás que convivir y competir con otros colegas para conseguir espacios donde exponer y cuotas de mercado donde vender.

No te engañes, se honrado y sincero contigo mismo.

Corrige tus debilidades y descubre cuál es tu lado fuerte para potenciarlo creativamente, mostrarlo y agrandar tu espacio en el nicho (tribu) que hayas elegido.

Observa y analiza con exactitud a sus integrantes para no moverte a ciegas.

Estudia sus gustos, problemas comunes, inquietudes, aficiones, poder adquisitivo, capacidad de influencia… en fin, todo lo que puedas, para poder acertar en tu oferta.

Cuanta más información obtengas más fácil te será poder conectar con el sector y saber si es el idóneo para recibir tu trabajo.

Tan pronto hayas concretado cual va a ser tu nicho de mercado en el que te vas a desenvolver, debes fomentar tu marca personal a todos los niveles, mostrando tu obra, dejándote ver, mantener contactos, relacionarte con otros artistas, acudir a exposiciones y actos culturales… y todo lo que se te ocurra.

Así es que le debes dar la importancia que se merece el buscar un sector de la sociedad en el que puedas centrar tu atención, después de analizarlo en su comportamiento, compararlo con tu oferta y definirlo adecuadamente como destinatario de tu creatividad

Las acciones que realices de promoción deben ser las apropiadas para preparar el terreno y crear la demanda a medio y largo plazo.

Las tres acciones principales en las que tienes que incidir son las siguientes:

  1. No pongo en duda que tu capacidad expresiva te permite ser un artista multidisciplinar, pero debes reflexionar y concretar en que área o disciplina destacas particularmente y se te da mejor que otras.

 

  1. En función de tu elección selecciona el nicho de mercado que consideres adecuado, después estúdialo y conoce si tiene una demanda aceptable, que es de tu agrado y que sus gustos y preferencias son afines o próximos a los tuyos.

 

  1. Descubre a tu “cliente ideal”. (por ejemplo, no puedes crear pensando en un mercado vanguardista y también querer satisfacer al sector conservador). Por lo tanto, partiendo del potencial de tu oferta diseña al “cliente ideal” que pueda interesarse por tu arte. En todo lo que conozcas de él se basará tu estrategia de marketing, porque una vez creada tu obra también debes saber comportarte como vendedor. (ver artículo “Por amor al arte seré también empresario, además de artista”).

segmentacion de mercado

 

 

Focaliza primero la promoción y después comercializa tu obra

“Tradicionalmente, han sido las galerías quienes predisponían a los coleccionistas a adquirir determinadas firmas.”- escribe Emilio Ferrer, en puromarketing.com – “No obstante, los productores de arte han aprendido a desenvolverse por sí mismos a la hora de implementar el valor de sus obras. En un negocio tan voluble y competitivo, donde nunca se tiene la certeza de si algo es bueno o malo, caro o barato, el artista es un estratega significativo a la hora de poner precio a sus creaciones. Y si juega bien sus bazas, ni siquiera precisará estar muerto para revalorizarse”.

Marca tu propio plan de trabajo según tus preferencias, pero para descubrir a tu “cliente ideal” puedes hacerte una batería de preguntas similares a las que te señalo a continuación:

– ¿Por qué le puede interesar mi producto o servicios?

– ¿Qué valor añadido aporta mi trabajo en relación a los demás?

– ¿Su poder adquisitivo es adecuado a mis tarifas?

– ¿Cómo puedo acceder a él o a su área de influencia?

– ¿Qué proyección puede aportarme?

Si no consigues identificar al “cliente ideal” como destinatario de tu trabajo seguro que perderás el tiempo y dinero.

Tu estrategia de promoción y comercialización no será la adecuada y si consigues clientes serán esporádicos y poco apropiados para tenerlos con continuidad.

Sin embargo, cuando has seleccionado y delimitado bien el sector y conoces el perfil de sus integrantes consigues:

  1. Acertar en tu oferta porque el mensaje que transmites será el apropiado y en el lugar adecuado.
  2. Tendrás seguridad a la hora de trabajar, porque lo harás confiado en que tu obra tendrá una acogida mayormente favorable.
  3. Reducirás las posibilidades de moverte en un mercado tóxico y no adecuado a tu productividad consiguiendo con ello vender más y mejor.

 

El arte es un negocio y el artista tiene que implicarse en su comercialización

La cuestión está clara; es saber focalizar la promoción primero y después la comercialización de tu trabajo, porque si intentas llegar a todo el mundo, aunque a simple vista el mercado parezca más grande, acabarás no interesando a nadie.

Además, tendrás que invertir más tiempo y dinero que si te centras en un sector más reducido y concreto.

Si crees que todo lo que acabo de explicar no estás dispuesto a implementarlo, porque lo consideras inútil, complejo o porque no lo necesitas, lo más probable es que termines no vendiendo a nadie.


Una buena forma de validar un nicho de mercado es analizar datos y tendencias de tus posibles clientes antes de lanzarte a emprender.


El arte es un negocio y hoy en día el artista tiene que implicarse en su comercialización.

No es fácil encontrar una galería puntera que te promocione bien o un buen representante al que le puedas delegar todo lo relacionado con la administración de tu trabajo.

Por ello, no desaproveches ninguna oportunidad que se te presente, sea en el sector de mercado que sea, donde hayas focalizado tu atención o en otras áreas donde puntualmente también pueda existir la demanda.

A continuación, te recuerdo los puntos sobre los que tienes que incidir para estabilizar la demanda de tu obra y estos son los siguientes:

  1. Define la modalidad artística en la que vas a trabajar.
  2. Encuentra el nicho socio-cultural en el que vas a moverte.
  3. Hazte visible y ejerce de relaciones públicas a todos los niveles.
  4. Busca espacios y proyectos donde mostrar tu obra.
  5. Comercializa adecuadamente tu trabajo, siempre negociando las condiciones y no a cualquier precio.

Recuerda que lo fundamental es fomentar la oferta a todos los niveles para que provoque, con el tiempo, una demanda estable de tu arte y te permita trabajar exclusivamente dedicado a él y también poder vivir de él.

 

Autopromocionarse en Internet

A día de hoy, la mayoría de los artistas tienen presencia en internet, bien sea a través de su página, de las redes sociales, del blog o en algún marketplace especializado.

No voy a ocuparme en este artículo si es más conveniente tener presencia a través de una plataforma gratuita o hacerlo con un website propio y de pago.

Lo que aquí importa es estar en la Red y hacerlo de la forma correcta: actualizando el contenido, preocupándote de que todo funcione y que el usuario pueda navegar por tu web de manera fácil e intuitiva.

Mantener estas condiciones es primordial para tu imagen, pero por sí solo no basta para generar tráfico de calidad y que te sea rentable estar en Internet (ver artículo “30 sitios donde puedes vender tu arte por internet”).

Tienes también que saber buscar “tu nicho de mercado” para centrar tu oferta hacia el “cliente ideal” y que no se diluya tu esfuerzo y el dinero que hayas invertido en el maremágnum online.

Como artista, muy bien sabes que en el mundo físico un porcentaje muy relevante del éxito que puedas tener es conocer a las personas adecuadas.

Separa el grano de la paja y quédate solo con los suscriptores o usuarios que realmente se interesan por tu trabajo y lo valoran positivamente.

Igual que en las acciones que puedas realizar offline, una buena forma de validar un nicho de mercado es analizar datos y tendencias de tus posibles clientes antes de lanzarte a emprender, pero en el mundo online existen herramientas que te hacen esta tarea más fácil (ver como validar un  nicho de mercado).

No es la cantidad, sino la calidad de los usuarios lo que hará que te sea rentable estar en internet.

En conclusión, tanto en el mundo real o por internet, delimita tu campo de acción y consigue que sea el más apropiado a tus intereses artísticos.

No diversifiques tus esfuerzos, ni pretendas abarcarlo todo.

 

[Foto de cabecera: Unplash / Pixabay]

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Acerca de Ramón S. Viñas, autor de este artículo:
En los últimos treinta años me he ganado la vida como artista. También he trabajado varios años en prensa, como dibujante, diagramador y redactor cultural y he dirigido durante cinco años una galería de arte. Ahora editando mi blog comparto mi experiencia con el fin de que la información que divulgo pueda ser útil para otras personas que quieran conseguir su anhelo de poder vivir del arte.

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Coworkings para artistas: Una opción para hacer rentable tu creatividad

Coworkings para artistas: Una opción para hacer rentable tu creatividad

Los coworkings para artistas o talleres de arte compartidos son una buena opción si te has decidido a emprender como artista y estás inmerso en la creación de tu propia obra y en la promoción de tu marca personal.

El espacio de trabajo de que dispones en tu casa se te queda pequeño y cada día que pasa menos apropiado para que sea cómodoútilcomo estudio/taller.

Mudarte a un local donde puedas desarrollar cómodamente tu trabajo no es fácil porque, en la mayoría de los casos, no estará a tu alcance por limitaciones de presupuesto o por el esfuerzo personal que significa encontrarlo y que reúna las condiciones que necesitas.

Tampoco estás seguro de saber exactamente lo que quieres, porque desconoces las prioridades y las circunstancia en que te encontrarás a corto y medio plazo.

Además, como artista eres un poco desorganizado, ensucias bastante y utilizas herramientas que hacen mucho ruido cuando las utilizas.

Por eso, necesitas un estudio que solvente como espacio de trabajo todas tus necesidades artísticas.

El coworking como opción artística


Por economía, espacio y servicios te interesa plantearte la oferta que encontrarás en los coworkings para artistas o talleres compartidos

Podrás trabajar sólo, pero también tendrás la oportunidad de compartir ideas, colaborar, hacer contactos e incluso conocer a posibles colaboradores con los que puedas complementar tu proyecto o iniciar uno nuevo.

Todas estas posibilidades favorecen la elección de un coworking para artistas como solución a tu situación actual.

El desembolso que tienes que hacer es en función de lo que utilices en cuestiones de espacio, tiempo y herramientas, porque pagarás solo lo que necesites y cuando te haga falta.

Sus instalaciones respiran creatividad en cada metro cuadrado y disfrutarás de salas amplias donde poder ensayar, pintar, grabar, esculpir o exhibir arte, además de las zonas comunes de descanso y de oficina.

En líneas generales, las ventajas que te ofrece un coworking para artistas, además de las económicas y funcionales, es que te permite trabajar y colaborar con otros profesionales, incentiva la disciplina y te obliga a salir de casa, olvidándote de la soledad en que se suele ver el autónomo.

Por si te interesa esta opción de trabajo que te ofrece un coworking de artistas, he seleccionado una amplia lista de estos espacios compartidos que se encuentran en España y Latinoamérica.

coworking atelier solar

Arturo Soria 39, portal D sótano.  –  Tel. +34 667054485

28027 Madrid  (España)

Web: http://ateliersolar.org

Email: hola@ateliersolar.org

ATELIER SOLAR (Madrid-España)


Atelier Solar es un espacio de trabajo y aprendizaje compartido donde varios artistas desarrollan sus proyectos personales.

Ofrece un espacio adecuado para cualquier tipo de trabajo creativo.

Pueden participar artistas plásticos, comisarios, diseñadores o arquitectos.

Se realizan sesiones críticas en las que cada miembro presentará su proyecto o trabajo públicamente y recibirá las opiniones y críticas del resto de artistas participantes.

LA QUINTA DEL SORDO (Madrid-España)


La Quinta del sordo es una comunidad de artistas, empresas y diseñadores donde desarrollar tus proyectos, compartir y conectarse con otros profesionales.

El espacio de Coworking de la Quinta está dividido en tres áreas profesionales, espacio de oficina para empresas, espacio de taller para artistas y espacio para proyectos.

Un emplazamiento en pleno centro histórico de Madrid con  grandes zonas verde y con una de las mejores puestas de sol de la ciudad.

coworking quinta del sordo

Calle del Rosario, 15 –  Tel. 910523454

28005 Madrid  (España)

Web: http://quintadelsordo.com

Email: info@quintadelsordo.com

coworking la manual

Zurita, 43  – Tel. 637 881 329

2801 .Madrid

Web: http://lamanual.org

Email: info@lamanual.org

LA MANUAL (Madrid-España)


La Manual es un espacio compartido de trabajo que funciona como lugar de trabajo personal creativo o artístico y como espacio de elaboración e intercambio cultural.

Proponen un espacio donde idear y producir proyectos artísticos y artesanales, donde impartir talleres de técnicas artesanales y plásticas y donde albergar eventos de carácter cultural.

​En La Manual puedes comenzar a desarrollar tu actividad creativa sin ningún tipo de inversión inicial, con un espacio totalmente equipado y con todos los gastos incluidos.

IKONO SOLUCIONES (Málaga-España)


La empresa malagueña Ikono Soluciones decidió apostar por la cultura y el arte y para ello, dentro de sus iniciativas de responsabilidad social corporativa, creó el Instituto de Investigación Cultural, una especie de coworking para artistas, que se alojan de manera gratuita en sus instalaciones.

IIIC es un centro multidisciplinar y abierto de producción artística.

IIIC está gestionado por la empresa IKONO Soluciones y dirigido por un grupo de artistas cuya misión principal consiste en apoyar a los creadores en todas las fases de producción de su obra.

coworking quinta del sordo

Calle del Rosario, 15 –  Tel. 910523454

28005 Madrid  (España)

Web: http://quintadelsordo.com

Email: info@quintadelsordo.com

coworking la casa amarilla

Calle Santos 7.    Teléfono: (+34) 952214674

29005 Málaga. (España).

Web: http://lcamalaga.com

Email: casa@lcamalaga.com

LA CASA AMARILLA (Málaga)


Es una Asociación Cultural con espíritu startup, conformada por artistas, gestores y comisarios con una dilatada experiencia en el campo de las Industrias Culturales.

Trabajan para hacer de la cultura un motor económico en la ciudad de Málaga con un claro objetivo: la profesionalización del artista y la difusión de su obra.

En el centro histórico de Málaga, su sede dispone de espacios de producción, espacio para cursos y talleres, una tienda y una galería de arte.

LA SILLA ELÉCTRICA (Sevilla-España)


La Silla Eléctrica es un espacio sevillano de creación artística, innovador y electrizante, fundado en 2013 por la artista madrileña Montse Díaz Simón.

A partir de 2015 se instala como coworking en la céntrica Alameda de Hércules, y desde allí se abre a la ciudad interviniendo de forma activa en la cultura sevillana y participando en eventos artísticos de nivel nacional.

Ofrece una variada programación cultural marcada por la formación a través de cursos y talleres, la promoción del arte más actual y vivo a través de exposiciones y la representación de artistas emergentes de ámbito nacional e internacional.

coworking la silla electrica

Quintana, 15    Tel. 686 47 52 56

41003 Sevilla   (España)

Web: http://lasillaelectrica.es

E-mail: espacio@lasillaelectrica.es

coworking la bañera

Corralón del Pelícano – Barrio de San Julian    41003.Sevilla

Tlfn. 955 312839, pregunta por Marcos / 699891631, Mikela 

Web: http://coworkinglabañera.es   

Email: labanhera@gmail.com

LA BAÑERA (Málaga-España)


trabajar cómodamente en amplias mesas con todos los servicios incluidos (wi-fi, teléfono fijo, aire acondicionado, alarma 24h y limpieza).

El acceso es libre, 24 horas al día 365 días al año, puedes hablar libremente por teléfono y recibir tus clientes donde prefieras.

Hay una zona de descanso con máquina de café, microondas y hamacas (por si la tardes se presenta especialmente dura).

Una vez al año podrás dar a conocer tu trabajo durante las Jornadas de puertas abiertas del barrio, organizadas por “separtedelarte“, colectivo al que pertenecen y que se compone por profesionales, artistas y artesanos

TEJARES 11 (Sevilla-España)


Taller de carpintería profesional completo, de uso compartido, para el trabajo de madera y otros materiales.

Puedes hacer uso por meses o mediante bonos.

Además, hay dos estudios de fabricación digital residentes en Tejares11.

Estudio compartido para que ejerzas tu actividad en contacto con profesionales de la museografía, arquitectura, diseño gráfico y web, gestión cultural, redacción, etc.

Amplia sala de trabajo insonorizada y climatizada, con sala de reuniones y office equipado.

COWORKING tejares 11

Tejares, 15. Nave 25.  – Tel. 617 10 89 93 / 955 92 56 94

41010 Sevilla  (España)

  Web: http://tejares11.com

  Email: info@tejares11.com

CASA PLANAS (Palma de Mallorca-España)


El centre cultural Casa Planas es una lugar donde la mente se libera,
un espacio para crear y dejar que la expresión hable por si sola…

El espacio de trabajo de 300m2. se distribuye en dos pisos (a la segunda planta se puede acceder en ascensor y tiene acceso de minusvalidos).

Se encuentra dentro del mismo Centre Cultural Casa Planas, de más de 2000m2.

Posibilidades de uso de tórculo para grabados y litografías, laboratorio de fotografía analógica y taller de serigrafía.

coworking casa planas

Av. Sant Ferran, 21 –   07011 Palma de Mallorca (España)

Tel. Fijo: 971 96 67 51 –  Marina: 629 960 651  –  Mario: 660 239 021

Web: http://centreculturalcasaplanas.org 

 Email: entreculturalcasaplanas@gmail.com

Espronceda nº 154  – Tel. 93 498 28 20 (tardes)
(Barcelona)
Web:  http://nauart.com
E-mail: info@nauart.com

NAU ART (Barcelona-España)


NauART es un espacio de producción artística centrado en las artes visuales y plásticas contemporáneas.

Su misión es potenciar la creación, la investigación y la difusión artística mediante el apoyo a creadores profesionales, emergentes y amateurs, fomentando la formación y el intercambio de recursos y experiencias.

El Club Nauart es una plataforma desde la que crear, emprender y  compartir proyectos; un punto de encuentro para establecer vínculos y conexiones.

BLITZ GRÁCIA (Barcelona-España)


En Blitz Gràcia creen en la filosofía de trabajo colaborativo y les gusta que su vivero de emprendedores sea heterogéneo y así poder aprender todos de todos, creciendo siempre con sus coworkers.

Están convencidos que el mundo del arte en todas sus facetas es un sector muy adecuado para el mundo del coworking.

Se parte de una base común que es la creatividad y si mezclamos colaboraciones entre pintores, artistas gráficos o escritores, puede que lleguemos a componer un espacio no sólo donde cada coworker cree su arte sino que en sí mismo se haga un caldo de cultivo cultural multidisciplinar más que interesante y atractivo.

coworking blitz gracia

Ca l’Alegre de Dalt 55, 4º 2A  –   Tel.  936243435

08024.Barcelona (España)

Web: http://blitzgracia.com

Email:  info@blitzgracia.com

coworking les golfes

CoEspai. – Anselm Clavé, 32, 3º. –  Tel. 972911853

Girona (España)

Web: http://www.golfes.org

Email: lesgolfes@coespai.com

LES GOLFES DE CoESPAI (Girona-España)


La Asociación artística “Les Golfes” es una comunidad multidisciplinaria en un espacio singular que tiene como finalidad impulsar y difundir proyectos creativos.

Disponen de espacio autogestionado por la Asociación Artística Les Golfes que sirve para dinamizar la creación, formación, difusión y exposición de las personas asociadas y sus proyectos personales.

Es un espacio de trabajo pensado para acoger todo tipo de proyectos artísticos o de creación personal.

COWORKING MS31 (Zaragoza-España)


Coworking MS31 es un espacio interdisciplinar diseñado para profesionales, creativos, freelancers, empresas. 800 m² en el centro de Zaragoza, donde compartir recursos y espacios en régimen de alquiler de mesas de trabajo, oficinas, sala de reuniones y formadores.

Un espacio colaborativo,  sin fianza, ni permanencia abierto 365d /24h con infinidad de posibilidades para tus futuros proyectos.

coworking ms31

Madre Sacramento, 31  – Tel. 976 28 14 09

50004.Zaragoza  (España)

Web:http://coworking.ms31.es

Email: coworking@ms31.es

coworking espais en blanc

Carles Cortina, 29 – Naves Ciudad Fallera    Tel. 657583546

46025 Valencia (España)

Web: https://www.espaisenblanc.com/

Email: espaisenblanc@gmail.com

ESPAIS EN BLANC (Valencia-España)


Espacios para que artistas y artesanos realicen cualquier actividad en un  entorno creativo único, en una gran nave dentro de Valencia

Ponen a disposición del, artista un gran estudio, un taller compartido, en un barrio artístico como es “La ciudad del artista fallero”, bien comunicado y con grandes dimensiones.

Espacios y recursos para hacer realidad tus ideas y compartir  espacio,  técnicas, métodos y experiencias.

ESPACIO FIDENCIA (Ciudad de México / CDMX)


Espacio Fidencia ha creado un coworking para que artistas, investigadores, talleristas, gestores culturales puedan colaborar en un simple espacio.Participar en actividades creativas, como dibujar, pintar, esculpir puede aumentar la productividad en todos los demás aspectos de nuestras vidas.

​Espacio artístico ubicado en la Ciudad de México que busca apoyar a jóvenes creadores con diversas herramientas de profesionalización e ingresos mediante el intercambio horizontal de conocimiento, generando una comunidad afectiva y profesional en torno al arte.

coworking espacio fidencia

Av. Baja California 210, int. 501, esquina con Anáhuac, colonia Roma Sur

Ciudad de México. Tel. (55) 6388 6763

Web: http://espaciofidencia.com

Email: espacio.fidencia@gmail.com

coworking publico

Tel. 55 1454 2531  (México)

Web: https://publi.co/

Email: info@publi.co

PÚBLICO (Ciudad de México / CDMX)


Hace tres años nació Público, un concepto de coworking que es más que un espacio de colaboración, ya que se preocupa por crear áreas que la gente recorra como si fuera su casa, con lugares comunes decorados con arte, luz natural y comedores.

Público da servicio a freelancers establecidos o empresas de chicas a medianas que necesitan una solución de espacio.

Ofrece espacios que, estéticamente, te hagan querer ir a trabajar y encontrarte con perfiles afines que te enriquezcan.

Actualmente, Público cuenta con cuatro espacios en la Ciudad de México: dos en la colonia de Polanco, uno en la Condesa y otro en San Miguel Chapultepec y proyecta un crecimiento de 300 por ciento.

LABORANDO (Buenos Aires – Argentina)


Laborando es un espacio de trabajo compartido para Hacedores; personas cuya actividad involucra cierto grado de trabajo manual y experimental. Es un espacio para diseñadores, creativos, artistas, emprendedores… en fin, gente que hace.

A través de planes diarios o mensuales los miembros de la Comunidad Laborando acceden a espacios de trabajo adecuados para tareas proyectuales, tienen la posibilidad de anotarse a cursos dictados en el espacio y descuentos con los proveedores de servicios asociados.

Laborando es un espacio de coworking con taller de oficios.

coworking laborando

Buenos Aires (Argentina)

Web: www.laborando.com.ar

Email:espacio@laborando.com.ar

coworking indus

Plaza Italia. Thames 2409  –  Tel. (011) 11 3530-2166

Buenos Aires   (Argentina)

Web: http://casaindus.com.ar/   Email: hola@casaindus.com.ar

INDUS (Buenos Aires – Argentina)


Espacio de 200 metros cuadrados orientado a diseñadores, comunicadores, artistas y productores audiovisuales.

Cuenta con con estudio de foto/video y un taller donde realizar algunas producciones.

En Palermo, zona Plaza Italia. Desde marzo de 2015.

REJUNTA (Buenos Aires – Argentina)


Rejunta Primer coworking con talleres de  orientación en diseño y arte y una sala-taller para producción, en el centro de Quilmes.

Partiendo de la fusión entre el trabajo independiente y el concepto de espacio compartido, Rejunta llega para ofrecer la infraestructura y el lugar ideal para reunir la libertad de trabajar de manera autónoma con el orden y el intercambio que genera un espacio de trabajo.

Todo esto combinado para lograr un ambiente de comunidad laboral relajado y dinámico.

coworking rejunta

Primera Junta 197, Quilmes – Tel.15 4176 6470

Pcia. de Buenos Aires (Argentina)

 Web: http://rejunta.com.ar/

Email:hola@rejunta.com.ar

coworking estudio cabure

Plaza San Martín 41 (Pasaje Central) –  Tel: (351) 4266116

Ciudad de Córdoba  (Argentina)

Web: http://ecabure.com.ar

 Email: info@ecabure.com.ar

ESTUDIO CABURÉ (Córdoba – Argentina)


Especializado en industria creativas y artísticas, funciona en el Estudio Caburé, un espacio de formación en comunicación audiovisual, en pleno centro histórico.

El Estudio Caburé brinda un espacio de formación alternativo, intensivo, personalizado y práctico especialmente orientado a comunicadores y realizadores audiovisuales.

Diseñadores gráficos, comunicadores, cineastas y afines, tanto profesionales como estudiantes, pueden dar sus primeros pasos en el uso de programas y técnicas o perfeccionar sus conocimientos con nuestros profesores, fuertemente especializados en sus respectivas áreas.

GACHI PRIETO COWORKING (Buenos Aires – Argentina)


Comprendiendo la colaboración y el intercambio como modos de potenciar el quehacer artístico en el mundo contemporáneo, la galería Gachi Prieto lanza la primera convocatoria a artistas y curadores para sumarse a su espacio de coworking.

Este se propone como un espacio de trabajo compartido que apunta a expandir los límites de la creación personal de cada artista o curador.

En este sentido, el espacio pretende operar como experimentación, que fomente la práctica de taller y el seguimiento de proyectos individuales, generando simultáneamente instancias de diálogo con artistas, curadores, teóricos, críticos y otros actores del campo artístico local e internacional.

gachi prieto coworking

Uriarte, 1373 -1414.Palermo  –  Tel.+54 (11) 4774 6656

Buenos Aires (Argentina)

Web: https://www.gachiprieto.com/coworking

Email:galeriagachiprieto@gmail.com

armadillo coworking

Cl. 53 No. 66A -51 –Telefono: 310 774 1602

Bogotá  (Colombia)

Web: http:// armadillocoworking.co

E-mail: info@armadillocoworking.co

ARMADILLO COWORKING (Bogotá – Colombia)


Emprendedores y creativos confluyen en un mismo espacio para trabajar en sus propios proyectos, intercambiar ideas y conocimiento por medio de prácticas colaborativas.

Armadillo coworking es el lugar donde encontrarás áreas compartidas de trabajo, estudio de diseño, sala de reuniones y un espacio multi-taller.

Locación de fácil acceso, zona central de Bogotá

CENTRO LEÑERÍA (Santiago – Colombia)


Leñeria es una comunidad para emprendedores, freelances, arquitectos, fotógrafos, diseñadores y artistas valoran la calidad de vida y la comunidad como factores claves para la productividad, el cambio y la innovación.

Es una comunidad hambrienta por crear, explorar, colaborar y crecer.

Desde su inicio, hace 5 años, no ha parado de evolucionar, cambiar, mover y rehacer.

Ese es el espíritu que lo define y que refleja los valores de su comunidad.

Seminario 1307 OF 4  – Tel. +56 9 9732 8319   +56 9 6613 4412

Ñuñoa-Santiago

Web: http://www.centroleneria.cl

Email:info@centroleneria.cl

 coworking comunal

San Isidro – Miraflores – Barranco – Quito

Tel.+51 945220041

Web: https://comunalcoworking.com/  

Email: info@comunalcoworking.com

COMUNAL (Quito – Perú)


Dispone de cinco locales en Quito.

Trabajan de la mano con artistas y arquitectos para co-crear espacios que despiertan tu creatividad. Barranco es el distrito donde todo queda cerca. Puedes ir caminando al banco, a almorzar, a ver una galería de arte o a tomar un café. Imposible no tomar desayuno en el típico emolientero de la esquina, o almorzar un Ceviche Apaltado en “Canta Rana”.

Además, Comunal Colina está ubicado a pocas cuadras del incomparable malecón, donde algunos comuneros dicen tener las reuniones más eficientes con los miembros de su equipo y además aprovechan para ver el sunset.

Hasta aquí la lista que hemos confeccionado en Objetivo Arte, en función de los coworkings para artistas de los que hemos tenido noticias.

Si tu experiencia se ha desarrollado en algún otro taller compartido o conoces de algún coworking exclusivo para artistas puedes añadirlo en los comentarios para que tengamos conocimiento de sus servicios.

[Foto de cabecera: La Manual Coworking]

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Acerca de Ramón S. Viñas, autor de este artículo:
En los últimos treinta años me he ganado la vida como artista. También he trabajado varios años en prensa, como dibujante, diagramador y redactor cultural y he dirigido durante cinco años una galería de arte. Ahora editando mi blog comparto mi experiencia con el fin de que la información que divulgo pueda ser útil para otras personas que quieran conseguir su anhelo de poder vivir del arte.

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Almudena Blanco:”Los artistas emergentes siempre lo tienen complicado y en R.A.R.O. les facilitamos experiencia y promoción”

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Almudena Blanco:”Los artistas emergentes siempre lo tienen complicado y en R.A.R.O. les facilitamos experiencia y promoción”

Almudena Blanco:”Los artistas emergentes siempre lo tienen complicado y en R.A.R.O. les facilitamos experiencia y promoción”

Las residencias artísticas son una experiencia singular que han proliferado en los últimos años y se han convertido en una alternativa atractiva para conseguir un espacio y tiempo donde formarse, investigar, presentar y producir.

Una experiencia multidisciplinar y enriquecedora con otros artistas ya establecidos es la oferta que hacen las Residencias Artísticas Raramente Organizadas (R.A.R.O), con sede en Madrid y Buenos Aires.

Basándose en los proyectos que presentan los participantes, la residencia consiste en el desarrollo del mismo en uno o más estudios de los trece que se ofrecen, además de una amplia agenda de visitas a museos, galerías, posibilidad de intercambio, exposición del trabajo realizado y contactos con agentes del mercado del arte.

La duración de la estancia es como mínimo de un mes y la disponibilidad de dos estudios de artista, con la finalidad de participar en espacios de creación, intercambio y difusión.

El proyecto R.A.R.O., desde su fundación, es una iniciativa de Almudena Blanco, actualmente directora del proyecto en Madrid, Felipe García y Lina Angel, responsables del centro de Buenos Aires.

La singularidad de este tipo de residencias parece realmente enriquecedora y de interés para artistas emergentes abiertos a nuevas experiencias de carácter multidisciplinar con ilusión de aprender y colaborar con otros creativos.

Para conocer más en detalle la oferta de las Residencias Artísticas Raramente Organizadas he mantenido la siguiente entrevista con la directora del centro madrileño Almudena Blanco.

Almudena Blanco García

almudena blancoAlmudena Blanco García, coordinadora de las residencias RARO-Madrid, licenciada en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid y con Maestría en Curaduría de Nuevos Medios, además de ser la directora y coordinador de RARO Madrid, tiene experiencia en museos y galerías de España y Argentina.  

INDICE DE CONTENIDOS

1.El programa de residencias R.A.R.O surgió en Buenos Aires. ¿Qué motivó este cambio de residencia y la implantación del proyecto en Madrid?

2.¿Funcionan los dos centros independientemente o están relacionados en su oferta y actividades?.

3.¿Cuál es la “rareza” de las Residencias Artísticas Raramente Organizadas (R.A.R.O) o que las diferencia de las demás?

4.Las residencias R.A.R.O. nacieron del interés de poder crear espacios de intercambio y creación ¿Qué singularidad aporta este tipo de oferta para los artistas?

5.La experiencia de residencia se centra en los talleres de los artistas que integran R.A.R.O., que es donde desarrollan su proyecto los residentes, pero ¿Qué otras oportunidades de difusión y promocion reciben?

6.El tiempo de residencia es de un mes, como mínimo. ¿Es tiempo suficiente para desarrollar el proyecto en toda su amplitud?

7.¿Cuál es el perfil de los artistas que os presentan su proyecto?

8.¿Qué técnicas y modalidades artísticas pueden practicar en los estudios que oferta la residencia?

9.¿Qué buscan generalmente los participantes en este tipo de experiencias artísticas?

10.Son trece los estudios/talleres que participan en el programa de residencias R.A.R.O. ¿Se han adherido voluntariamente o han sido seleccionados en función de su especialidad artística?

11.¿En que se benefician los talleres que participan en los proyectos?

12.¿La programación de RARO está circunscrita y cubierta con estos trece estudios o se abrirá en el futuro a nuevos integrantes?

13.Cuando os llega un proyecto y la solicitud de residencia ¿Qué es lo que se valora más para aprobarlo?

14.¿Las residencias se organizan a lo largo de todo el año, en función de la disponibilidad de los talleres o en unos determinados meses?

15.¿Cual es el coste medio que tiene una residencia para los participantes?

16.¿Como financian los residentes gastos de material, desplazamiento, alojamiento, etcétera?

17.Además de tu experiencia en lo que se refiere a las residencias artísticas, has trabajado en el ámbito de las galerías de arte y de los museos. ¿Como ves la integración en el mercado del arte de los artistas emergentes o más jóvenes?

18.¿Qué canales consideras que son los más apropiados para que un artista emergente pueda dar a conocer su obra?

residencias artisticas

  1. Almudena, fuiste una de los fundadores del programa de residencias R.A.R.O, que surgió en Buenos Aires, y de ti es la iniciativa de instaurarlas en la capital de España. ¿Qué motivó este cambio de residencia y la implantación del proyecto en Madrid?

Estuve viviendo casi cuatro años en Argentina y el motivo de volver a Madrid fue sobre todo personal. La distancia cada día se hacía más difícil y con mi pareja tomamos la decisión de volver a Madrid. El llevarme R.A.R.O para Madrid se dio casi de forma natural, ya que al ser una de las fundadoras del programa, decidimos que si alguno de los tres se iba a otro país podríamos replicar el modelo fácilmente. Hacía bastante tiempo que no vivía en Madrid y al hacer una pequeña investigación me di cuenta que en Madrid no había muchos programas de residencias independientes (no institucionales).

  1. ¿Funcionan los dos centros independientemente o están relacionados en su oferta y actividades?.

Funcionan de manera independiente, pero siempre teniendo activo el saber uno del otro. Además, siempre que alguno de los tres viaja al otro país intentamos organizar actividades relacionadas con el programa o que la visita coincida con alguna residencia. Por ejemplo, yo viajé ahora en verano y los chiques organizaron unas charlas en relación a residencias en diferentes lugares del mundo y hablamos varios gestores y artistas. Y también viajo ahora en diciembre y justo es el aniversario del nacimiento de RARO y vamos a hacer una exposición de los residentes de cada una de las sedes.

  1. ¿Cuál es la “rareza” de las Residencias Artísticas Raramente Organizadas (R.A.R.O) o que las diferencia de las demás?

La “rareza” es que conseguimos implementar un nuevo modelo de residencias. Al haber trabajado los tres en una residencia artística en Buenos Aires, quisimos crear un programa que diera la oportunidad a los artistas en residencia de crear sus proyectos en diferentes espacios de artistas locales y que exista una itinerancia y asi conseguir que los artistas conozcan más gente del ámbito artístico, que sepan más sobre la escena cultural de la ciudad y que encima se les “obligue” de esta manera a tener más noción de la ciudad al tener que cambiar de lugar.

  1. Las residencias R.A.R.O. nacieron del interés de poder crear espacios de intercambio y creación ¿Qué singularidad aporta este tipo de oferta para los artistas?

Aportamos la posibilidad de trabajar junto a artistas locales. Crear un intercambio de experiencias, conocimiento y arte que quizá de otra manera es más difícil que se dé. El poder intercambiar ideas y tener una devolución a la hora de llevar a cabo un proyecto, creemos que es algo muy enriquecedor, sobre todo porque en una residencia, que suele durar un mes, a veces es difícil llevar a cabo todo lo que uno quiere crear.

Pasos a seguir para solicitar una residencia


RARO Residencias

  1. La experiencia de residencia se centra en los talleres de los artistas que integran R.A.R.O., que es donde desarrollan su proyecto los residentes, pero, ¿qué otras oportunidades de difusión y promoción reciben?

El acompañamiento por parte de R.A.R.O es muy completo. No solo por los artistas que trabajan junto al residente, sino que también creemos que el enseñar la ciudad y el panorama cultural es importante. Por ello, intentamos llevarles a exposiciones, durante el tiempo de trabajo concertar citas con gestores, comisarios, coleccionistas para que puedan ver el trabajo y proceso de los artistas.

También gestionamos muestras de su trabajo, como la del fin de semana del 27-28 de octubre que tendremos la próxima exposición de uno de los residentes que hay ahora: Pablo Insurralde.

Y, por otro lado, de cada una de las residencias hacemos todo un seguimiento fotográfico y de vídeo, para que esto también les sirva a ellos de promoción y difusión. Contamos con la colaboración de Parpado Studio, quienes se dedican a acompañar y conocer a los artistas en residencia y al final de la residencia crean un video muy personal donde se puede ver todo el proceso y se puede entender mejor la manera que tienen de encarar las residencias

  1. El tiempo de residencia es de un mes, como mínimo. ¿Es tiempo suficiente para desarrollar el proyecto en toda su amplitud?

Si, es tiempo suficiente. En un mes pasan muchísimas cosas: a veces el proyecto cambia, a veces viene de cero y, hasta que no comienzan, no saben bien por dónde tirar y, a veces, vienen con una idea muy cerrada y lo hacen sin problemas. Si es verdad que es muy intenso (es la palabra más usada por nuestros residentes), pero todos los que han hecho residencia con nosotros han terminado muy contentos con el proceso y el resultado.

  1. ¿Cuál es el perfil de los artistas que os presentan su proyecto?

No tenemos un perfil de artistas. Aprobamos a artistas nacionales e internacionales de todas las edades.

  1. ¿Qué técnicas y modalidades artísticas pueden practicar en los estudios que oferta la residencia?

En este momento se pueden realizar cualquier modalidad. En este último mes se han adherido al programa nuevos estudios y ahora si podemos decir que se puede realizar cualquier técnica artística. Tenemos espacios para dibujo, pintura, fotografía, instalación, performance, escultura, cerámica, gráfica, videoarte…..

  1. ¿Qué buscan generalmente los participantes en este tipo de experiencias artísticas?

Muchos buscan poder salir y conocer lo que se hace en otras ciudades. Les interesa mucho el contacto con gente del arte y que lo que vayan a realizar en la residencia puedan presentarlo o exponerlo en otros ámbitos. Buscan la experiencia profesional y también personal. Es una muy buena forma de dar a conocer su trabajo internacionalmente.

talleres RARO

Residencias Artísticas y talleres participantes


  1. Son trece los estudios/talleres que participan en el programa de residencias R.A.R.O. ¿Se han adherido voluntariamente o han sido seleccionados en función de su especialidad artística?

Se adhieren voluntariamente y también seleccionados por nosotros. Los primeros fueron buscados y poco a poco, una vez que el programa se ha ido conociendo, ha habido artistas que han querido ser parte de esta familia rara.

  1. ¿En que se benefician los talleres que participan en los proyectos?

Los estudios de artista que forman parte de R.A.R.O consiguen una mayor visibilidad dentro del escenario artístico de la ciudad. El hecho de recibir a artistas nacionales e internacionales, abre las puertas al intercambio de ideas, la profundización de técnicas, la discusión y el compartir experiencias personales que enriquecen la producción artística.

  1. ¿La programación de RARO está circunscrita y cubierta con estos trece estudios o se abrirá en el futuro a nuevos integrantes?

Estamos en continua expansión. En este mes subiremos a la web el perfil de 4 estudios nuevos que los residentes podrán elegir: Sala de Máquinas, Ruda (serigrafía) Estudio de Laura Lío (de escultura) y Amasarte (de cerámica)

  1. Cuando os llega un proyecto y la solicitud de residencia ¿Qué es lo que se valora más para aprobarlo?

Lo que nos interesa ante todo es el proyecto que quieran realizar durante la residencia. Cuenta también el curriculum de los artistas, pero si vemos que el proyecto que presentan es viable, es lo que más nos interesa.

  1. ¿Las residencias se organizan a lo largo de todo el año, en función de la disponibilidad de los talleres o en unos determinados meses?

Hasta ahora se organizan a lo largo del año y en función de la disponibilidad de los talleres. En Madrid estoy pensando la idea de concretar las residencias unos determinados meses al año.

Financiación de las Residencias R.A.R.O.


  1. ¿Cual es el coste medio que tiene una residencia para los participantes?

El coste varía en la selección de los estudios y el tiempo de la residencia. Una residencia de un mes varía entre los 800 y los 1.400 euros

  1. ¿Como financian los residentes gastos de material, desplazamiento, alojamiento, etcétera?

Muchos de los que han venido se lo han pagado con fondos propios y otros con becas de sus países. Nuestra intención (en Madrid) es conseguir financiación tanto privada como pública para que vengan y no tengan que gastar lo principal: residencia.

  1. Además de tu experiencia en lo que se refiere a las residencias artísticas, has trabajado en el ámbito de las galerías de arte y de los museos. ¿Como ves la integración en el mercado del arte de los artistas emergentes o más jóvenes?

Creo que este tipo de cosas nunca cambia. Los artistas emergentes siempre lo tienen complicado y deben currar mucho para conseguir que el mercado del arte les dé la oportunidad de entrar. Si es verdad que hay mucha galería nueva y emergente que busca perfiles jóvenes, que siempre ayuda.

  1. ¿Qué canales consideras que son los más apropiados para que un artista emergente pueda dar a conocer su obra?

Hacer una residencia, por supuesto es un muy buen canal de promoción. Cada vez hay más por todo el mundo y muy asequibles. Como decía antes las galerías emergentes que buscan perfiles más jóvenes también es un buen canal. Y por suerte ahora las redes sociales ayudan mucho a dar a conocer nuevos talentos.

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RARO Madrid

ESTUDIOS / RARO


Black Balance Club: Fotografía, video arte, perfomance, pintura.


Serigrafía TBC: Serigrafía, grabado, pintura, arte urbano, fotografía.


Parpado Studio: Video arte, fotografía, arte sonoro.


Omnívoros: Pintura, instalación, perfomance, escultura, serigrafía, video arte, artes sonoras, fotografía.


Nigredo Espacio: Perfomance, instalación, video arte, arte sonoro, fotografía.


Fosforita: Pintura, instalación, perfomance.


Madrid Street Art Project Instalación de arte urbano.


La Lavandería: Pintura, gráfica, instalación, perfomance.


Espacio 11 – Isis Gayo: Pintura.


Ink Delicius: Pintura, arte urbano, grabado.


Daniel Borrego: Fotografía, video arte, artes sonoras, grabado.


Basurama: Pintura, instalación, arte urbano, perfomance, escultura, video arte, artes sonoras, fotografía.


Arteaga Usted: Pintura, instalación, perfomance, escultura.

Acerca de Ramón S. Viñas, autor de este artículo:
En los últimos treinta años me he ganado la vida como artista. También he trabajado varios años en prensa, como dibujante, diagramador y redactor cultural y he dirigido durante cinco años una galería de arte. Ahora editando mi blog comparto mi experiencia con el fin de que la información que divulgo pueda ser útil para otras personas que quieran conseguir su anhelo de poder vivir del arte.

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Cómo crear tu marca personal artística y promover tu carrera en Internet

Cómo crear tu marca personal artística y promover tu carrera en Internet

Si eres un artista emergente o independiente y quieres vivir del arte en esta era digital, tienes que ver tu arte como tu negocio. Y para eso debes aprender a desarrollar una marca personal sólida para que puedas impulsar tu carrera artística.

Nunca ha habido mejor momento para ser artista, ya que hoy, con ayuda de Internet, tenemos la oportunidad de difundir nuestra marca y nuestra obra y llegarle a miles de personas con tan solo un clic.

Pero antes que nada, ¿qué es eso de la marca personal?

Una marca personal es simplemente esa huella que dejamos en el público a través de la estrategia de trabajo que utilizamos. Es vernos y gestionarnos a nosotros mismos como si fuéramos una marca, lo que nos posicionará mejor en el mundo offline y online.

A continuación compartiré 10 pasos a seguir para desarrollar tu marca personal de artista.

1.Definir el nombre que tendrá tu marca personal (Puede ser tu nombre + apellido o cualquier otro nombre que desees crearle).

2. Definir tus objetivos y valores. ¿Cuál es ese valor diferencial que te identifica a ti como persona y a tu trabajo? Luego debes decidir qué es lo que quieres lograr a través de tu marca personal artística.

3.Establecer mensaje y palabras claves de tu marca. ¿Qué es ese mensaje que quieres compartir con el mundo? Defínelo bien ya que este será como tu “eslogan” con el que tu público luego te identificará.

4.Definir el tono de comunicación con el cual te expresarás (en las redes, en tu web y de manera presencial). ¿Utilizarás un tono formal, coloquial, o de humor al expresarte? Esto tiene que ver con tus valores y tu mensaje de marca. Estúdialos bien antes de establecer tu tono.

5.Definir y crear la imagen y diseño que tendrá tu marca personal (logo, tipografías, colores)

6.Elegir los canales a través de los cuales comunicarás tu marca personal. (Cuáles redes sociales utilizarás, si tendrás o no un blog, eventos presenciales, etc.) Seleccionalos y empieza a promover, pero no sin antes…

7.Crear un calendario editorial para definir las estrategias de promoción que utilizarás. Sin planificación no hay nada. Siempre debes tener un objetivo específico con cada acción que implementes.

8.Crear tu calendario de contenidos para las redes sociales. No lo confundas con tu calendario editorial. Son dos cosas distintas. El calendario de contenidos es donde vas a tener organizadas las publicaciones que compartirás en Instagram o en Facebook. Puedes organizarlo en Excel o más bien, utilizar una de las herramientas de programación como Planoly o Onlypult, lo que te facilitará tu trabajo.

9.Definir las estrategias y acciones que te darán más autoridad, como por ejemplo, escribir un libro, ser ponente en algún evento, dar alguna formación, etc.

10.Plan de acción: Ya he has hecho un estudio interno y externo de cómo quieres desarrollar y promover tu marca, es hora de actuar. Empieza a implementar todas las estrategias mencionadas arriba y ¡a volar!

marca personal

Los pasos anteriores son solo el comienzo de este viaje. Una vez sepas cómo crear tu marca personal artística, debes empezar a promoverla. Y hoy no hay mejor manera para hacerlo que en Internet.

Desarrollar una mentalidad emprendedora


Lo primero que tienes que hacer para gestionar tu marca personal artística y promoverla en Internet es desarrollar esa mentalidad emprendedora que todos los artistas llevan dentro.

Para esto, debes olvidarte del mito del “artista hambriento” y pensar como un empresario del arte. Tienes que sanar tu relación con el dinero y saber que promocionar tu arte o a ti como artista no tiene nada de malo, sino un beneficio enorme que no solo te afecta a ti, sino a quienes te rodean.

Debes valorar tu trabajo y NUNCA trabajar gratis. Eres un profesional como cualquier otro, y por ende, debes hacer que la gente te vea así.

Para activar ese “chip” emprendedor te recomiendo empezar a leer libros de emprendimiento, mentalidad, hábitos y negocios como “Padre Rico, Padre Pobre”,de Robert Kiyosaki, “Piense y Hágase Rico”, por Napoleon Hill, “La Clave es el Porqué”, de Simon Sinek, etc.

En esta página de recursos encontrarás una lista amplia de más libros como estos y herramientas que te facilitarán tus esfuerzos como artista emprendedor.

También es recomendable rodearte de personas que tengan una mentalidad de éxito y que hayan alcanzado cosas similares a las que tú quieres lograr.

Definir a tu cliente o fan ideal


Tu cliente ideal es esa persona a quien te diriges cuando te expresas en el mundo online. Es esa persona a quien te imaginas consumiendo tu arte.

¿Por qué querrías que tu contenido o tu arte lo consuma alguien que no está interesado en lo más mínimo en lo que ofreces?

Necesitas comunicarte con esa persona en específico. Crea en tu mente o en un papel un personaje ficticio de esa persona para ayudarte a entender mejor sus necesidades..

Imagínate a esa persona. ¿Por qué querría consumir o comprar tu arte? A partir de ahí es tu turno para darle lo que quiere.

Crear una página web y un blog profesional


No sé si estás consciente de lo importante que es tener tu propia página web de artista profesional, y un blog para darte visibilidad y autoridad, pero te lo recuerdo por si acaso.

Dicen por ahí que si no estás en Internet, simplemente NO existes, y tu página web es lo primero que tienes que tener para crear una presencia online óptima. Tú página web es tu casa digital, es como tu tienda que está abierta 24 horas al día, 7 días a la semana.

Además, es algo que te pertenece. No como las redes sociales, por ejemplo, que pueden dejar de existir de la noche a la mañana y que no son tuyas. En cambio, una página web propia no le pertenece a nadie más que a ti.

OJO: No hablo de esas páginas gratuitas que te puedes hacer fácil y rápido. Hablo de una web con dominio propio, alojada en un servidor profesional y gestionada con sistemas de contenido como WordPress.

Tu página web es tu hogar online, pero tenerla ahí y no moverla tampoco te sirve de mucho. Por eso es muy recomendable tener tu propio blog, donde aportes valor a quien te lea. Esto no solo te dará visibilidad y autoridad, sino también generará confianza y conexión con tus lectores.

¡Puedes hasta hacer dinero con tu propio blog! Así que empieza a crearlo hoy mismo.

artista en internet

 Definir estrategias en redes sociales


Para poder desarrollar una marca personal artística y consolidarla, es fundamental definir una estrategia en las redes sociales que vayas a utilizar. En tu caso te recomiendo utilizar Instagram ya que además de ser la red social más popular, es la más eficaz para mostrar y promover cualquier tipo de trabajo visual y creativo.

Para desarrollar una estrategia efectiva en cualquier red social, debes tener en cuenta lo más importante: el contenido. Si no les ofreces a tus seguidores contenido de valor, cuidado  y trabajado, de nada te servirá tener presencia en Internet. Puedes obtener diariamente muchos “me gusta”, pero lo más importante es que los que te sigan se mantengan, y sean tan partícipes de tu trayectoria como tú.

Para lograr esta fidelidad debes de ofrecerles un contenido que les provoque continuar visitando tu cuenta, y que dejar de seguirte no sea una opción.

A parte de la calidad de las fotos y/o videos que subas, debes implementar estrategias, según tu área del arte, que te permitirán conectar a nivel emocional con tus seguidores.

El “storytelling” o el arte de contar historias, por ejemplo, funciona muchísimo en las redes sociales. Así que te recomiendo empezar a contar historias de ti y de tu arte con cada publicación que subas.

Interactúa con tus seguidores, hazles preguntas, invítalos a concursos, a reflexionar con tu arte. Déjales comentarios que aporten valor y agradece su participación. La interacción lo es todo en las redes.

Define bien la estrategia y temática de tus redes sociales y te ahorrarás muchos dolores de cabeza.

Crear embudo de ventas


Bueno, ya hemos llegado a la parte más importante del desarrollo de tu marca personal en Internet: la venta. De nada sirve tener una marca personal artística reconocida si no tienes un sistema definido de cómo vas a generar ingresos.

Un embudo de ventas es simplemente el proceso por el cual llevas a un potencial fan o cliente de la mano desde el momento en que te conoce hasta el momento en que te compra.

El proceso es el siguiente:

ATRACCIÓN – INTERACCIÓN (INTERÉS) – CONVERSIÓN (VENTA) – FIDELIZACIÓN

Lo atraes con un regalo a través de anuncios de pago o contenido orgánico, luego lo llevas a una secuencia de emails donde le vas a contar tu historia y de qué manera vas a aportar valor. Vas creando una relación de confianza y conexión con ese suscriptor, hasta el momento en que le ofreces una oferta de tu producto. A partir de ahí, continúas la relación aportándole más valor para así fidelizarlo.

Se que todo esto te puede parecer complicado o ajeno, pero te prometo que una vez empieces, todo será mucho más fácil. Recuerda que para ser un artista exitoso, debes pensar como un empresario. Tu arte es tu negocio, así que trátalo como tal.

Espero que estos consejos te hayan servido de mucho y que comiences a implementarlos hoy mismo.

Si quieres saber más sobre cómo impulsar tu carrera artística por Internet, regístrate a nuestra comunidad de artistas que quieren vivir del arte y recibe gratis nuestra guía de Instagram para artistas.

 

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Gaby G. PericheAcerca de Gaby García Periche, autora de este artículo:
Gaby es la co-fundadora de Artescondido y la autora de este artículo. Se formó en Comunicación y Actuación en la universidad, y ahora se dedica a emprender proyectos por Internet. Su misión con Artescondido es ayudar al artista a desarrollar una mentalidad emprendedora y a formarse en el área de marketing digital para que pueda construir un negocio artístico con su arte y vivir de él.

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Ramón S. Viñas

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Hangel Montero:” No te quedes en el taller esperando a que suene el móvil. Tienes tú que llamar y salir a buscar tus oportunidades”

Hangel Montero:” No te quedes en el taller esperando a que suene el móvil. Tienes tú que llamar y salir a buscar tus oportunidades”

Para Hangel Montero el mejor regalo que le podían hacer en su infancia era un bloc de dibujo y unos lápices de colores.

Con esta innata afición por el dibujo y el color que ha practicado durante toda su vida, aunque haya tenido un largo paréntesis profesional ocupado en la abogacía, Hangel es hoy en día un artista versátil, inquieto, perfeccionista y siempre en búsqueda de nuevas posibilidades artísticas que comparte en libros, cursos, videos y en su blog.

Pintor, escultor imaginero, galerista, comentarista de arte, escritor son actividades que ha desempeñado con relevancia a lo largo de su trayectoria artística.

Actualmente, se centra en su faceta como docente impartiendo su ministerio en el centro  “Hangel ArtStudio”, en Motril, su ciudad natal en la Costa Tropical granadina, donde no ha dejado de investigar las posibilidades del color durante muchos años buscando esa fórmula mágica que ayudase a sus alumnos a conseguir cualquier color de forma cuasi matemática y que ha culminado con la publicación del libro “La Obtención del Color, un secreto al descubierto”.

Con un historial jalonado de exposiciones, premios y obras suyas que ocupan destacados lugares en organismos e instituciones públicas y privadas, actualmente es también un experto bloguero y yotuber que divulga sus conocimientos pictóricos y que comparte con alumnos de todo el mundo.

La extensa entrevista que he mantenido con Hangel Montero considero que aporta mucho valor para todos los artistas que quieran vivir de su vocación y que la generosidad de las respuestas del maestro puede serles de ayuda para despejar algunas dudas.

INDICE DE CONTENIDOS

1.- El mejor regalo que te podían hacer de niño eran unos lápices de colores y un bloc de dibujo, pero ¿cuándo empezaste a tomarte en serio tu vocación?,¿fue cuando vendiste tu primera obra?

2.- Tu formación e inquietud artística te permite trabajar en diferentes técnicas y temáticas. ¿Cómo te defines o cómo te ves a ti mismo como artista?, ¿en cuál te identificas más?

3.-La enseñanza ocupa una parte importante de tu actividad diaria y, por ello, seguramente, gratificante para ti la relación que mantienes con los alumnos. ¿qué inquietudes descubres en ellos y que les motiva a formarse para poder expresar su creatividad?

4.- Tu preocupación para facilitar a los alumnos la obtención de cualquier color, te obligó a investigar durante años y también a convertirte en escritor. El resultado ha sido el libro “La Obtención del Color, un secreto al descubierto”. ¿Qué novedades descubres a los pintores en este libro que puedan ayudarles a mejorar en su trabajo?

5.- Como creativo, eres una persona inquieta. En alguna etapa de tu vida, has ejercido como crítico y has regentado una galería. ¿Esta doble experiencia te ha sido útil para conocer desde dentro el mercado del arte y mover mejor tu obra?

6.- No siempre has podido dedicarte, como ahora, exclusivamente al arte. Tomaste una determinación y tu vida dio un cambio radical profesionalmente. ¿Cuáles han sido para ti los principales obstáculos que tuviste que superar cuando decidiste dedicarte plenamente a la pintura?

7.- Tienes tu estudio-taller en Motril, en la Costa Tropical granadina. Un entorno ideal para poder trabajar, pero aunque estés cerca de Granada, Málaga o Almería, ¿limita tu vinculación artística el estar fuera de los principales centros urbanos donde existe una mayor y más amplia oferta cultural-artistica?

8.-Vivir exclusivamente para el arte es muy gratificante, pero vivir de él es difícil. Tú lo has conseguido. ¿Quieres regalarnos algún consejo u orientación para los que estén dudando en hacerlo?

9.- Al margen de ser tu medio de vida, ¿Qué aporta el arte a tu vida

10.- Todos tenemos referentes artísticos. ¿Cuáles son los tuyos?

11.- El arte nos diferencia de la irracionalidad, pero ¿también dentro del arte hay mucho disparate?

12.-Tu obra es figurativa. ¿Qué piensas cuando oyes en determinados sectores que estas tendencias (realismo-figuración) son un arte del pasado, un anacronismo?¿Acaso no se puede hacer un trabajo de investigación e innovación con una obra realista?

13.- Al artista se le acepta y se le admira socialmente, pero laboralmente no está reconocido su trabajo. ¿Será algún día el arte un oficio de pleno derecho?

14.-El mercado del arte es complejo de entender y muy subjetivo en lo que se refiere a inversiones millonarias, pero la realidad es que el 99% de los artistas solo quieren poder vivir de su arte, ¿qué pautas consideras que deben seguir para conseguirlo dignamente?

15.- ¿Es la especulación una acción hostil para la consolidación del artista o, más bien, le beneficia?

16.- ¿La crítica de arte es determinante para la consolidación de un artista o tan solo es una floritura literaria sobre la obra expuesta?

17.- ¿La galería de arte es imprescindible para el artista o, actualmente, están quedando desfasadas por los cambios y preferencias de mercado?

18.- ¿Qué canales consideras que son los más apropiados para que un artista emergente pueda dar a conocer su obra?

19.-Las nuevas tecnologías cambian los hábitos sociales. A través de internet, se proyecta el artista a un mercado global y sin intermediarios. Todo lo contrario que ocurría hasta hace unos pocos años. ¿Esta nueva situación beneficia al artista porque puede autogestionarse o le perjudica?

20.-¿Tener una página web/tienda puede ser una opción acertada para comercializar la obra y promocionar al artista?¿Consideras que necesita también de otros canales de venta?

21.- Me consta que eres una persona que se ha adaptado bien a las nuevas tecnologías y eres muy activo publicando videos, masterclasses o cursos online que tienen muy buena acogida. ¿Qué tipo de alumnado solicita tus clases por internet? y ¿existe alguna diferencia al impartir tus clases online con la enseñanza presencial?

22.- ¿Qué opinas de la relación de internet y la difusión del arte en la actualidad?¿La Red lo divulga a nivel global y lo socializa o, por el contrario, tanta oferta desvirtúa su cometido y crea confusión?


1.- El mejor regalo que te podían hacer de niño eran unos lápices de colores y un bloc de dibujo, pero ¿cuándo empezaste a tomarte en serio tu vocación?

Creo que desde que tengo uso de razón, o al menos ese es mi recuerdo, siempre me quise dedicar al mundo de la pintura en particular y del arte en general. Otra cosa fue el devenir de los acontecimientos que me hicieron, como si se tratase de algo cíclico, interrumpir lo que iniciaba.

Mi inicial trayectoria como pintor; mi siguiente labor como cronista de arte; mi aventura como gerente de galería de arte; mi fase como escultor imaginero; mis primeros contactos con la enseñanza,

No yo, porque siempre estuve seguro de mis posibilidades para intentar vivir del arte, sino mi ambiente familiar y mi falta de carácter, lo que me impidió cumplir con aquella indudable vocación.

Si te refieres a cuándo empecé a vivir de mi vocación te diría que cuando me di cuenta que solo viviría una sola vez y ya había trabajado durante 28 años en otra profesión no vocacional., la abogacía de la que tengo también un maravilloso recuerdo por todo lo que me dio.


2.- Tu formación e inquietud artística te permite trabajar en diferentes técnicas y temáticas. ¿Cómo te defines o cómo te ves a ti mismo como artista?, ¿en cuál te identificas más?

Mi obsesión por aprender ha sido y sigue siendo tan intensa que nunca me he visto encasillado en un tema o técnica pictórica en concreto. Me gusta absolutamente todo, cualquier técnica o cualquier temática.

Donde me siento y me he sentido siempre más a gusto es trabajando el retrato, si es a lo que te refieres, y quizás, porque lo he hecho desde niño.

Pero la mejor respuesta que te puedo dar, es sin duda la que siempre digo, “me siento un aprendiz de todo y maestro de nada como pintor porque siempre creo que tengo algo más que aprender”

Creo que si alguien debe valorar mi obra o mi estilo, no debo de ser yo.


3.-La enseñanza ocupa una parte importante de tu actividad diaria y, por ello, seguramente, gratificante para ti la relación que mantienes con los alumnos. ¿qué inquietudes descubres en ellos y que les motiva a formarse para poder expresar su creatividad?

La enseñanza ocupa prácticamente el 90 por ciento de mi actividad en la actualidad y me encanta.

Soy feliz transmitiendo lo poco o mucho que sé, pero sobre todo ayudando a quienes como yo buscábamos y no encontramos determinada información que nos hiciese avanzar en nuestro quehacer pictórico.

Sobre la pregunta te puedo decir que yo distingo fundamentalmente dos tipos de alumnos: Los que vienen a la academia para confirmar su “innata condición artística”, y los que vienen a aprender el oficio de pintor.

Los primeros suelen abandonar a las primeras de cambio. Los segundos aunque permanecen y son más constantes, no suelen tener pretensiones creativas aunque sí y mucho, de tipo técnico.

Una de mis obsesiones como profesor es precisamente esa, inculcarles y despertar en ellos su instinto creativo. Algo, por cierto, más difícil de lo que parece.

 Reconocer y manejar el color a nuestro antojo con absoluto dominio



4.- Tu preocupación para facilitar a los alumnos la obtención de cualquier color, te obligó a investigar durante años y también a convertirte en escritor. El resultado ha sido el libro “La Obtención del Color, un secreto al descubierto”. ¿Qué novedades descubres a los pintores en este libro que puedan ayudarles a mejorar en su trabajo?

El proceso no fue como dices, creo más bien que fue al contrario. Mi obsesión por el manejo del color para conseguir la luz que plasmaba Sorolla en sus obras me hizo estudiar durante muchos años la teoría del color. Un estudio que se convirtió en toda una investigación personal al no encontrar información alguna que me enseñase cómo se obtienen los colores mediante las mezclas de una forma razonada y no como siempre encontraba a base de listas de mezclas que había que memorizar.

El razonamiento de que el color es física, y si es física debe de haber una fórmula para obtener cualquier color, fue siempre mi horizonte y referencia para persistir en esa búsqueda.

Una búsqueda que un día, como suelen ocurrir estas cosas, y por casualidad, encontré y comprobé que era cuasi matemática.

Fue entonces cuando pensé que esto podía ayudar a tantos y tantos aficionados a la pintura que, al igual que me paso a mi, anhelan ese sueño de dominar el color en la pintura.

Fue después, y a iniciativa de mis alumnos, cuando me decidí a plasmar en un libro toda esa información.

Que qué les aporto a los pintores con este libro para mejorar sus trabajos?. Pues lo que nunca nadie nos ha sabido o querido enseñar… “a reconocer y manejar el color a nuestro antojo con absoluto dominio mientras pintamos.” Creo que el sueño de cualquier aficionado a la pintura.

Y por favor, que no es que lo diga yo, lo dicen quienes lo han leído.

Un tema tan importante en pintura y que, aunque parezca mentira, no se enseña ni en una facultad de Bellas Artes.


5.- Como creativo, eres una persona inquieta. En alguna etapa de tu vida, has ejercido como crítico y has regentado una galería. ¿Esta doble experiencia te ha sido útil para conocer desde dentro el mercado del arte y mover mejor tu obra?

No mucho porque principalmente no me dedico a esto. Mi labor actualmente está centrada más en la enseñanza y no en la creación y venta de mi obra.

Sin duda que aquella doble experiencia me hizo conocer los entresijos del mercado de la pintura en concreto; una experiencia por otro lado bastante decepcionante bajo el punto de vista del pintor que pretende vivir de su pintura.

Muchas veces me planteo la cuestión de que ¿De qué vale formar buenos profesionales de la pintura si luego al mercado le es indiferente la calidad de la obra en muchos casos?

Actualmente, aquella doble experiencia, me vale para contarles a mis alumnos cómo se mueve el mercado si es que se quieren dedicar a vivir de su obra.

Cuando me encontré con este blog di gracias a Dios de ver que hay personas y espacios donde se ayuda al futuro artista a encontrar el camino para vivir de esta profesión.Ya me hubiese gustado encontrar algo similar en mi época.


6.- No siempre has podido dedicarte, como ahora, exclusivamente al arte. Tomaste una determinación y tu vida dio un cambio radical profesionalmente. ¿Cuáles han sido para ti los principales obstáculos que tuviste que superar cuando decidiste dedicarte plenamente a la pintura?

Los obstáculos los encontré cuando me tuve que ganar la vida con mi titulación académica. Nunca tuve obstáculo alguno cuando decidí trabajar en lo que amaba.

Quisiera mandar un mensaje a quienes estén leyendo esta entrevista y aún no hayan encontrado el camino para vivir del arte. Te dediques a lo que te dediques , tengas la titulación que tengas… Si lo que haces, te gusta, no es un trabajo, es un placer y además, te permitirá vivir. Confía en ti y no dejes de disfrutar trabajando.

 

  El mercado del arte, hoy por hoy, no veo que esté en la red



7.- Tienes tu estudio-taller en Motril, en la Costa Tropical granadina. Un entorno ideal para poder trabajar, pero aunque estés cerca de Granada, Málaga o Almería, ¿limita tu vinculación artística el estar fuera de los principales centros urbanos donde existe una mayor y más amplia oferta cultural-artistica?.

No. Hoy en día ya sabes que todo está en la red. Los alumnos, están en la red. La información está en la red. Los recursos están en la red. Los puntos de venta están en la red. Mis aulas están en la red. Mi estudio está en la red.

Es decir, hoy no te limita un espacio físico determinado para realizar cualquier actividad si sabes moverte en la red.

Solo echo en falta una cuestión primordial para el pintor emprendedor y es un mercado consolidado o, al menos, con perspectivas futuras de hacerse una realidad tangible. No veo fácil aún vender pintura en la red a nivel autopromocional. El mercado hoy por hoy no veo que esté en la red.

Hangel ArtStudio, centro artístico y referente cultural de Motril

Hangel ArtStudio, centro artístico y referente cultural de Motril


8.-Vivir exclusivamente para el arte es muy gratificante, pero vivir de él es difícil. Tú lo has conseguido. ¿Quieres regalarnos algún consejo u orientación para los que estén dudando en hacerlo? 

Si te gusta, quieres, trabajas y eres constante… ¡puedes!

Eso sí… no te quedes en el taller contemplando tu obra y esperando a que suene el móvil. Piensa que nadie te va a llamar. Tu eres quien tiene que llamar y salir a buscar tus oportunidades.


9.- Al margen de ser tu medio de vida, ¿Qué aporta el arte a tu vida?

¡Todo!

No imagino mi vida sin tener relación con el Arte. Ni la imaginé antes, ni por supuesto me la puedo imaginar precisamente ahora que disfruto de sus placenteros parabienes.


10.- Todos tenemos referentes artísticos. ¿Cuáles son los tuyos?

Joaquín Sorolla.

Me gusta toda la pintura y todas las modalidades de las Bellas Artes, por lo que tengo diversos referentes artísticos; cada uno en su modalidad o en su estilo. Pero si tengo que decir uno, ese es sin duda Joaquín Sorolla porque gracias a él, descubrí el color.

Guardar y salir

 Una cosa es el Arte y otra muy distinta la economía que mueve



11.- El arte nos diferencia de la irracionalidad, pero ¿también dentro del arte hay mucho disparate?

Yo no lo llamaría disparate. Yo diría que anda “un poco loco”

Si algo funciona sin unos criterios objetivos que regulen una determinada actividad es difícil que funcione bien.

Una cosa es el Arte y otra muy distinta el mundo económico que se mueve en torno al Arte.

El Arte está al nivel que siempre estuvo al igual que el desarrollo humano, es decir, en continua progresión.

Lo de “un poco loco” es porque a veces piensas y ves que no se requiere, o se ha perdido el sentido de lo estético, al igual que tampoco importa en muchos casos la calidad del trabajo ni la solvencia profesional del artista.


12.-Tu obra es figurativa. ¿Qué piensas cuando oyes en determinados sectores que estas tendencias (realismo-figuración) son un arte del pasado, un anacronismo?¿Acaso no se puede hacer un trabajo de investigación e innovación con una obra realista?

Esto funciona igual que la moda. Lo que hoy gusta puede que mañana no y lo que hace tiempo gustó quizás, o mejor dicho, casi seguro, que volverá a gustar.

Yo no me fijo ni me preocupa esto de la vanguardia pictórica porque lo que hoy es vanguardia, mañana será historia y habrá otra vanguardia con sus correspondientes vanguardistas que se plantearán y plantearan a los demás que ellos son los únicos y verdaderos artistas.

La historia del arte está llena de estos ejemplos.

¡No me interesa esta historia! Yo sé lo que me gusta y lo que no. Ya solo faltaría que alguien nos quiera negar, discutir o cambiar nuestros gustos.


13.- Al artista se le acepta y se le admira socialmente, pero laboralmente no está reconocido su trabajo. ¿Será algún día el arte un oficio de pleno derecho?

Jurídicamente hablando ya es un oficio de pleno derecho. No está prohibida esta actividad.

Parece una obviedad lo que acabo de decir pero si lo examinas no lo es…

Efectiva y legalmente hablando, cualquiera puede dedicarse a pintar y vender lo que pinta. Otra cosa es que esta profesión tenga las salidas y oportunidades que puedes encontrar en otras profesiones, de ahí que distinga entre el hecho y el derecho. En derecho sí, pero de hecho no es como la mayoría de profesiones.

Es un hecho que la consideración de la obra de un pintor solo admite dos niveles; o es válida para invertir, o no es válida ni para decorar. Si estás en ese determinado círculo social con posibilidades económicas suficientes, te compras antes una reproducción litográfica que un original de un autor desconocido. O se compra una firma, o prefiere decorar una pared con un cuadro de tu amigo o pariente que te ha regalado o te ha vendido a módico precio y por hacerle un favor.


14.-El mercado del arte es complejo de entender y muy subjetivo en lo que se refiere a inversiones millonarias, pero la realidad es que el 99% de los artistas solo quieren poder vivir de su arte, ¿qué pautas consideras que deben seguir para conseguirlo dignamente?

Producir, producir y no parar de producir. Una firma se hace a base de producción. Nadie, ningún representante o marchante se va a fijar en ti por muy bueno que seas si no le ofreces una producción estable y continua. Eso para ellos es la única garantía para llevar una representación artística, la disponibilidad del artista. Lo que hagas… pues qué quieres que te diga… que tampoco es tan importante por lo que vemos todos los días lamentablemente.

15.- ¿Es la especulación una acción hostil para la consolidación del artista o, más bien, le beneficia?

La especulación no creo que beneficie a ninguna actividad humana. Evidentemente, en nuestro caso, la especulación más bien ha beneficiado a muchos “no artistas”. Por supuesto que al pintor que no tiene acceso a ese “mercado especulativo” es indudable que le perjudica.

hangel montero

Obras al óleo y a la acuarela de Hangel Montero

Aún no he visto una crítica de arte que no sea una “floritura literaria”


16.- ¿La crítica de arte es determinante para la consolidación de un artista o tan solo es una floritura literaria sobre la obra expuesta?

Aún no he visto una crítica de arte que no sea una “floritura literaria”, aunque supongo que también las habrá. Yo responsabilizo precisamente a esa mal llamada “crítica de arte” de la situación que vive concretamente la pintura porque en vez de informar, o formar al espectador sobre lo que está viendo, lo sumerge en todo un mar de dudas. Si tu lees algo como … “la esencia espiritual del color enmarcado en ritmos atmosféricos que denotan una contumaz experiencia sinónimo de belleza y destreza con la cualidad humana….” ¡Te quedas! Descolocado. El que ve la obra y lee eso de esa obra, ¿qué puede pensar?… pues que “yo no veo eso” y consecuentemente, a continuación, concluye con la tajante afirmación de que “YO NO ENTIENDO DE PINTURA”. Y esa frase de que yo no entiendo de pintura es la que abre la puerta a la especulación. Si la gente está convencida que no entiende de pintura, le ofrezcamos lo que le ofrezcamos lo va a comprar igual si, nosotros “los expertos”, le decimos que eso es buenísimo. ¿Lo ves?. Claro que es determinante la crítica de arte para la consolidación o no de un artista. Al final, estamos donde estamos… EN PINTURA TODO VALE.

17.- ¿La galería de arte es imprescindible para el artista o, actualmente, están quedando desfasada por los cambios y preferencias de mercado?

Las galerías de arte son parte esencial en el mundo pictórico por la labor que desempeñan. Pero ojo, yo no las considero a todas por igual. El Galerista debe ser un marchante de pintura, un entendido de arte que cuenta con una clientela a la que conoce y sabe lo que busca, es decir, debe ser un auténtico profesional en el mundo de la pintura. Ahora bien, observo que desde años atrás esta profesionalidad se va perdiendo. Son pocos los profesionales galeristas que aún mantienen dignamente su profesión.

Los más, son simples emprendedores que te abren una galería de arte como pudieran haber montado una mercería o un bar en ese mismo local de negocio. Sin conocimientos, sin clientes… Luego, a vivir y mantener el negocio a costa del artista… Tanto de alquiler de sala, el enmarcado a cargo del pintor, la copa de inauguración a cargo del artista, los catálogos también y además, un tanto por ciento de las ventas  o una obra si no se vende. Y si el pintor le pregunta.. ¿Y que tal aquí las ventas?, te dicen… “Bueno… algunos pintores venden, otros no, depende”

¡Qué barbaridad¡ Para mi esto es indignante. ¿Usted no tiene clientes que le interese mi obra?, entonces… ¿Para qué me permite o me pide exponer en su sala? Por lo visto no le importa si yo vendo o no. Como yo le cubro los gastos…, si vendo algo, mejor para usted, pero si no vendo, le da igual por lo que veo.

Es una situación insostenible que está haciendo mucho daño a jóvenes valores que se ven obligados a acudir a salas de instituciones (y gracias a Dios que existen) porque no tienen recursos económicos para afrontar una exposición en una galería de arte.

De esta forma, cuando un alumno me pregunta si expone o no, yo les digo “chico, el que expone, se expone” por no decir, “el que expone lo expone todo”

Hace ya muchos años que renuncié a exponer en este tipo de galerías. Porque digo yo, si uno es un profesional galerista, lo primero que hace es buscar al pintor cuya obra sabe que encaja con los gustos de su clientela y sabe, de antemano, que va a vender esa obra, por lo que no tendría que pedir un alquiler de sala, y los catálogos y la copa la darían ellos y si acaso, el pintor, evidentemente, pagaría un porcentaje sobre las ventas. ESO SERÍA LO JUSTO Y PROFESIONALMENTE HABLANDO, LO CORRECTO.

18.- ¿Qué canales consideras que son los más apropiados para que un artista emergente pueda dar a conocer su obra?

Uf… Por mi experiencia te diría que “lamentándolo mucho” tengo que decir que los canales más rápidos y efectivos son, “tener dinero” y “tener amigos influyentes o con buenos contactos”.

Los más lentos, pero a su vez más inciertos, pueden ser “los certámenes de pintura” y hacerse con un amplio currículo de premios y exposiciones (preferiblemente en el extranjero). La calidad de la obra, como estamos viendo en la actualidad, importa bastante poco. Es sólo, y así quiero que quede claro, mi opinión personal al respecto. Una opinión como puede haber tantas otras dispares.

 

 Quien no está hoy en día en internet “no existe”



19.-Las nuevas tecnologías cambian los hábitos sociales. A través de internet, se proyecta el artista a un mercado global y sin intermediarios. Todo lo contrario que ocurría hasta hace unos pocos años. ¿Esta nueva situación beneficia al artista porque puede autogestionarse o le perjudica?

Por un lado te diría que lo beneficia, pero por otro te diría que al mercado de la pintura en internet aún le queda largo camino para que sea una realidad para el pintor novel. Para el pintor que ya tiene una firma creo que le beneficia sin duda porque se introduce en un mercado global y sin fronteras.

20.-¿Tener una página web/tienda puede ser una opción acertada para comercializar la obra y promocionar al artista?¿Consideras que necesita también de otros canales de venta?

Creo que no es que sea una opción, creo que es más bien una necesidad como lo es para cualquier empresario, negocio o iniciativa empresarial. Quien no está hoy en día en internet “NO EXISTE”. Claro que considero necesarios otros canales de ventas, pero ¿para el pintor novel?, mi pregunta es… ¿Cuáles son?

21.- Me consta que eres una persona que se ha adaptado bien a las nuevas tecnologías y eres muy activo publicando videos, masterclasses o cursos online que tienen muy buena acogida. ¿Qué tipo de alumnado solicita tus clases por internet? y ¿existe alguna diferencia al impartir tus clases online con la enseñanza presencial?

De todo tipo al igual que en mi estudio físico. En principio dudé de la efectividad de las clases de pintura online, pero la práctica me ha demostrado que son tanto o más efectivas que las presenciales por un simple motivo, el alumno tiene que resolver y corregir sus trabajos por sí mismo y no con la ayuda manual del profesor. Estoy encantado con este tipo de enseñanza online.

22.- ¿Qué opinas de la relación de internet y la difusión del arte en la actualidad?.¿La Red lo divulga a nivel global y lo socializa o, por el contrario, tanta oferta desvirtúa su cometido y crea confusión?

Internet ofrece una divulgación artística más completa a mi entender porque la información es muchísimo más amplia y completa que como hace unos años se promocionaba el arte. La cuestión es que hoy día o estás en internet o no existes como dije anteriormente y eso nos obliga, si o si, a participar de este mundo artístico globalizado que nos ha tocado vivir.

 

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Acerca de Ramón S. Viñas, autor de este artículo:
En los últimos treinta años me he ganado la vida como artista. También he trabajado varios años en prensa, como dibujante, diagramador y redactor cultural y he dirigido durante cinco años una galería de arte. Ahora editando mi blog comparto mi experiencia con el fin de que la información que divulgo pueda ser útil para otras personas que quieran conseguir su anhelo de poder vivir del arte.

Recursos para ayudarte a promocionar y vender tu arte

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Concursos de pintura rápida. ¿Por qué es interesante participar?

Los concursos de pintura rápida son el tema que hoy nos ocupa y que he considerado imprescindible conocer sus entresijos. Son una oportunidad para tener ingresos extras y también una experiencia positiva en muchos aspectos: competitividad, reto personal,...
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Los miedos que paralizan al artista

Los miedos paralizan al artista y son su peor adversario cuando se enfrenta con la realidad de su creatividad, la promoción y la comercialización de su obra.Pero, ¿con qué tipo de miedo se puede enfrentar un artista que sea distinto al de otras personas?No...
Jubilación del artista

En España, se penaliza ejercer de artista después de la jubilación

En España, el artista que ha llegado a su edad de jubilación tiene un grave problema si genera por su actividad creativa ingresos superiores al Salario Mínimo Interprofesional (10.302,60€ anual), porque ello conlleva la posible pérdida de su pensión.Con la...

¡Cuidado con las pseudo-galerías!. El artista siempre sale perdiendo

El número de galerías de arte que solo lo son de nombre perjudica la credibilidad del mercado y la gestión de las auténticas galerias.Su actividad se organiza en torno a exposiciones colectivas o individuales previo pago por parte del artista.Las tarifas...

Pasos a seguir para tener un blog profesional

Te voy a explicar los pasos que debes seguir para tener un blog o una web que te sea rentable para tu proyecto artístico, pero que también puede valer para cualquier otra iniciativa online que quieras emprender. Si eres artista (escultor, pintor,...
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Coworkings para artistas: Una opción para hacer rentable tu creatividad

Los coworkings para artistas o talleres de arte compartidos son una buena opción si te has decidido a emprender como artista y estás inmerso en la creación de tu propia obra y en la promoción de tu marca personal. El espacio de trabajo de que dispones en...

Por “amor al arte” seré también empresario, además de artista

Es evidente, tienes que ser artista y empresario a la vez para poder subsistir exclusivamente de tu producción.“Por amor al arte” eres artista, pero por “amor a sobrevivir” debes saber gestionarte como empresario.Es posible que tu ambición como artista se...
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Saber venderse: Portfolio y declaración de artista

Saber venderse es imprescindible para posicionarse con ventaja en el complejo mercado del arte. Un portfolio y una declaración de artista son dos recursos indispensables para promocionar nuestro trabajo como creativos. Hay que saber venderse para conseguir...

8 Consejos que te ayudarán a vivir de tu arte

Los comienzos son duros en cualquier actividad profesional que ejerzas por tu propia cuenta. Lo más habitual es que al emprender falta experiencia y se va aprendiendo a medida que se avanza con los errores cometidos. Para un artista que quiere vivir exclusivamente de...
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Trabajar gratis, ¡NO! por amor al arte

Como artista, en algún momento, o con demasiada frecuencia, te habrás tenido que enfrentar a los que pretenden que tu trabajo les salga gratis. Si les dices que vives de tu trabajo y que tienes que cobrar por ello seguro que no te toman en serio, porque...

Juana de Arte, un espacio diferente para artistas emergentes

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Ramón S. Viñas

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Sólo con pasión no se pagan las facturas

Sólo con pasión no se pagan las facturas

No cabe duda de que eres un artista, porque siempre te has sentido atraído por los retos creativos y por la necesidad que tienes de expresar plásticamente las ideas que se acumulan en tu cabeza.

Múltiples ideas y varias maneras de realizarlas te bombardean la mente, pero tienes que focalizar tu vocación artística para ser efectivo en el mensaje y concretar a la hora de producir tu propia obra y marcar una diferencia en el mercado.

En cualquiera de las facetas en que puede manifestarse el arte es necesario hacerlo rentable para poder vivir de él, porque es tu trabajo y tu medio de vida.

El dinero no es un fin en sí mismo, pero es necesario


Debes realizarte personalmente como artista, pero necesariamente también tienes que ganar dinero, porque es imprescindible para vivir y poder trabajar en los proyectos que te motiven.

El artista genuino centra todas sus energías en crear arte, porque su atención está en la necesidad que tiene de expresarse vitalmente a través de su obra y relega a un segundo lugar la preocupación por el dinero.

Aunque no sea el fin que persigue en su actividad artística, el dinero es un recurso necesario para poder desarrollar su actividad y para sobrevivir personalmente.

Por eso, tu pasión por el arte es indiscutible pero no todo el mundo puede vivir de ella, porque solo con pasión no se pagan las facturas.

Si crees realmente en ti como artista, aparte de tu formación académica, debes conocerte a ti mismo muy bien y tener una mentalidad emprendedora.

Autocontrol y una mentalidad emprendedora


Tienes que conocer tus puntos flacos para reconducir tus limitaciones y potenciar tus cualidades.

Limitaciones que debes procurar que no condicionen tu actitud frente a la realidad del mundo como pueden ser tus creencias, tus pensamientos negativos o ideas predeterminadas que pueden frenar o restringir tu creatividad como artista y ofusquen tu mentalidad emprendedora.

En otro artículo te hablé de la relación socio-laboral con la Administración: “Por amor al arte seré también empresario, además de artista”, que complementa el tema del que ahora nos ocupamos.

Hoy lo hago desde la perspectiva de tu configuración mental para que disfrutes de un crecimiento personal óptimo como artista y como empresario.

El arte es un negocio


Naciste artista, pero ahora tienes que hacerte empresario porque el arte es un negocio y así hay que entenderlo en una sociedad capitalista y aceptarlo si se quiere vivir exclusivamente de él.

Los recursos técnicos y artísticos que adquiriste durante tu formación académica son imprescindibles para ejecutar tu obra, pero es mucho más importante que tu mente esté bien estructurada sobre una base de pensamiento positivo y firme.

Ser artista y vivir de tu vocación es una carrera de fondo que se empieza con mucha ilusión y, más bien, pronto que tarde aparece jalonada de obstáculos que tienes que saber superar.

La ilusión del primer momento pronto se diluye en los contratiempos y problemas que día a día se van presentando y te das cuenta que de la ilusión inicial no se vive eternamente.

hacer rentable el arte

Mindset es “la mentalidad de lo posible, la mentalidad de creer que se puede mejorar”, según Carol Dweck .

Mindset: la mentalidad de lo posible


Según Carol Dweck, “a una mentalidad fija le costará crecer, mientras que una inteligencia de crecimiento, aquella que está dispuesta a aprender, tiene más probabilidades de alcanzar grados de éxitos en la vida”.

Tienes que crecer mentalmente y tener una fortaleza inquebrantable que te ayude a impregnar tu mente de pensamientos positivos para continuar y reafirmarte cada día en el camino que has emprendido.

Tu mentalidad emprendedora debe ser la correcta para persistir cuando las circunstancias no van bien, te falta el apoyo de tu entorno más cercano, los amigos no comprenden tu decisión o consideras que has decidido vivir de tu iniciativa artística con el trasfondo de una crisis que en nada te favorece.

Todas o alguna de estas circunstancias llegan a acotar tus posibilidades y te autolimitan.

La falta de confianza o los pensamientos negativos debes desterrarlos de tu mente para evitar que termines haciendo una valoración negativa de ti mismo.

Tres actitudes básicas para estructurar tu pensamiento


Tu actitud debe ser siempre mentalmente positiva y puedes estructurar tu propio pensamiento sobre estos tres pilares:

  1. Tener claro dónde vas….

… y cómo vas a hacer el recorrido desde el punto de vista personal y artístico.

Ponte plazos para avanzar adecuadamente y llegar con éxito.

No se trata de una cuestión de tiempo y de llegar lo antes posible, sino de saber llegar y haberlo hecho bien.

  1. Evita pensamientos negativos…

… que pueden limitar tu pensamiento.

Siempre aparecerán aunque sea inconscientemente, porque de alguna manera los sigues alimentando y te falta determinación para anularlos y obviarlos.

Por ejemplo, una idea que seguramente tienes muy arraigada en tu cabeza:” Lo mío es crear. Nunca he tenido aptitudes para vender nada”. ¡Elimínalo y ponte en acción de vender!

Si algo crees que no puedes hacer, enfréntate a estas ideas cuanto antes y no lo procrastines.

  1. Potencia tu autoestima…

… y no seas el primero en dudar de tus propias decisiones.

No pongas freno a las posibilidades de éxito.

Recuérdate continuamente que si tú no confías en ti ¿por qué deben hacerlo los demás?.

Estos tres puntales debes trabajarlos continuamente para reafirmarte en tu mentalidad artística y emprendedora.

Se coherente y no procrastines


No obstante, para potenciar tu conocimiento personal también debes ser coherente en tus acciones.

Evita aplazar sine die las obligaciones y no pongas excusas para hacer las cosas que urgen.

No lo dejes para mañana y decídete a dar el primer paso, luego vendrá el segundo, el tercero… y terminas cumpliendo con lo que te hayas propuesto.

No permitas que te embargue el bloqueo mental por miedo a que tu proyecto no será rentable.

Toma precauciones para poderlo desarrollar con un respaldo económico y con tranquilidad personal.

Prevé un “colchón” económico antes de emprender para poder amortiguar los principios que siempre son difíciles, estudia y evalúa a fondo los pros y contras antes de tomar cualquier decisión y rebaja los gastos superfluos y que no sean imprescindibles.

Tomar estas precauciones facilitarán el buen desarrollo de tu proyecto artístico y desterrarán posibles bloqueos por inseguridad.

Puedes conocer más a fondo los miedos a los que se enfrenta el artista en algún momento de su trayectoria en este artículo: “Los miedos que paralizan al artista”.

Tienes que salir de tu zona de confort


Lo que está claro es que en decisiones vitales como es la determinación de ejercer tu vocación y vivir de ella hay que salir de tu “zona de confort”.

Empezar algo nuevo es siempre difícil porque se transita por un territorio desconocido y lleno de contratiempos y dudas.

No hay fórmulas mágicas que te puedan facilitar el camino, pero la mejor herramienta que te puede ayudar a afrontar la realidad del emprendimiento es el autocontrol como persona y como artista.

Determinación y autoestima


La determinación en lo que haces y la autoestima en ti mismo tienen que imperar en tu trayectoria artística, eliminando en todo momento los pensamientos pesimistas que pueden limitar tu crecimiento.

Confía en ti mismo y en el proyecto que hayas emprendido, porque los demás también lo harán.

Se constante, coherente, innovador, fomenta tu autoestima y actúa con mentalidad emprendedora/span>.

Solo así alcanzarás el éxito de lo que te hayas propuesto.

[Fotos: Pixabay]

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Acerca de Ramón S. Viñas, autor de este artículo:
En los últimos treinta años me he ganado la vida como artista. También he trabajado varios años en prensa, como dibujante, diagramador y redactor cultural y he dirigido durante cinco años una galería de arte. Ahora editando mi blog comparto mi experiencia con el fin de que la información que divulgo pueda ser útil para otras personas que quieran conseguir su anhelo de poder vivir del arte.

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Quiero exponer y quiero que me sea rentable

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